Interpretemos la letra de las canciones

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LOVE OF MY LIFE







No es más que una hermosa canción de amor deidicada al amor de su vida: Mary Austin, porque a pesar de todo y de todos ella fue y será "El amor de su vida"


Love Of My Life es realmente la canción más hermosa y esperanzadora de Queen. Es simplemente una persona que no tiene más duda de llamar a su "amor de su vida" a que no le deje. La canción nos transmite inseguridad, pena y al mismo tiempo la desesperación que tiene la persona al ser malinterpretada al ser malentendida por sus pares, porque según la canción nadie, pero nadie, puede sentir lo que él siente ni vivir lo que él vive. Sin su amor de su vida él simplemente muere.







(Publicada en el Daily Mail, enero de 1999)

El mundo se sorprendió cuando el extravagante Freddie Mercury, quien murió de SIDA en 1991, legó la mayor parte de su multimillonaria fortuna a una mujer. Pero durante años el líder de Queen y Mary Austin habían vivido juntos como marido y mujer, y ahora por primera vez la mujer a quien él amó le cuenta a David Wigg cómo el dinero no fue el único legado de la estrella.

Cuando Freddie Mercury le dijo por primera vez a su antigua novia, Mary Austin, que deseaba dejarle su majestuosa mansión Georgiana en el barrio londinense de Kensington, su reacción inmediata fue de sorpresa, y después temor. De hecho, le aterrorizaba tanto el asumir tan enorme responsabilidad que intentó convencerle de que destinara la casa, con su hermosa colección de mobiliario antiguo y pinturas, a una fundación como museo.

Freddie consideró esta opción, pero decidió que quería que Mary (su amante durante seis años, antes de que se decidiese por la compañía masculina) tuviese algo permanente en su vida. No sólo le dejó su mansión, que se alza tras un amurallado jardín japonés, sino también la mayor parte de su multimillonaria fortuna, con un ingreso de por vida procedente de sus enormes ventas de discos.

Durante el año anterior a su muerte en 1991, Mary se las tuvo que ingeniar para cuidar a su hijo Richard., que ahora tiene nueve años, y al padre de éste, Piers Cameron, además de a Freddie, que padecía las etapas finales del SIDA. Al mismo tiempo se preparaba para el nacimiento de su segundo hijo, Jamie, que ahora tiene ocho años.

Mucho antes de que Freddie le dijera a sus amigos íntimos o a sus compañeros del grupo Queen que tenía SIDA le confió su secreto a Mary. Desde aquel momento ella estuvo allí cada día para intentar consolarle mientras su salud se deterioraba. Cuando comenzó a perder la vista y su cuerpo se volvió tan débil que no podía ni tan siquiera levantarse de la cama, Freddie decidió enfrentarse a la muerte rechazando tomar la medicación. "Fue la decisión de Freddie acabar con todo ello, él eligió el momento de morir", recuerda Mary en un susurro. "Él sabía que el final estaba cerca, que estaba más cerca de lo que jamás había estado antes, y de repente dijo, 'he decidido que me tengo que ir'".

"La calidad de su vida había cambiado tan dramáticamente y sufría más dolorcada día. Estaba perdiendo la visión. Su cuerpo cada vez más débil, al tiempo que sufría pequeños espasmos. Era tan angustioso verle deteriorarse de esa forma. Un día decidió que ya era bastante y abandonó todas las ayudas médicas que le mantenían con vida. Simplemente dejó actuar a la naturaleza. Lo sobrecogedor para mi fue su increíble valentía. Miró a la muerte a la cara y dijo 'está bien, lo aceptaré, me iré ahora' Pero fue algo tranquilo y murió con una sonrisa en su cara"

Tras su muerte, el 24 de Noviembre de 1991, Mary se mudó a su palaciego hogar, pero mientras deambulaba por sus enormes salones, rodeada de los tesoros de Freddie sus sentimientos eran de confusión y soledad. "Fue la época más solitaria y difícil de mi vida tras la muerte de Freddie. Sabía que tendría problemas al hacer frente a su muerte y a todo lo que me dejó. Lo mejor era que yo misma pudiese salir de aquella situación.

Mary, que había crecido en una modesta casa de Fulham, al oeste de Londres, se encontró con que había mucho a lo que hacer frente; la responsabilidad de la casa con su personal, y el hecho de encontrarse de repente con una enorme fortuna. Hubo algunas complicaciones con el testamento, y a algunos de los parientes y amigos de Freddie les molestó que le dejara tanto a ella.

"Siempre tenía a Freddie para ayudarme, y él siempre me tenía para ayudarle, si lo necesitaba. De repente no había nadie para ayudarme. Me hizo darme cuenta de que no era tan autosuficiente como me hubiera gustado ser. Así como yo había sido una amiga para él, me di cuenta de lo que había significado su amistad para mi- el hecho de simplemente saber que él estaba allí."

"Siempre me protegió mucho. Sólo me di cuenta tras su muerte de lo protector que había sido conmigo. Si algo malo ocurría él decía 'oh, cariño, no te preocupes, lo superaremos'. Siempre era optimista. Otras veces, cuando era consciente de que tenía SIDA y sólo tenía un tiempo limitado de vida podíamos tener alguna conversación seria, cuando me decía "ven y siéntate, no sabemos cuanto tiempo nos queda".

Mary hizo frente a la enorme generosidad de Freddie convirtiéndose en una reclusa dentro de los seguros muros de su casa. "Me sentía fuera de mi sitio, realmente", explica. "El personal de Freddie había sido como una familia para mi, pero tras su muerte la mayoría de ellos se marcharon, porque él había sido muy generoso con ellos. Pasé noches sin dormir preocupándome por todo. Sentía como si hubiera hecho algo malo y me volví un poco paranoica. Algunos fans incluso me dijeron que yo sólo era el guardián de la casa. Eso duele. Sé que a algunos de los amigos gay de Freddie les sorprendió que me dejara tanto. Había algunos que pensaban que les tenía que haber dejado la casa a ellos. Es como si la gente estuviera resentida conmigo por lo que me dejó".

Aunque Freddie murió en 1991 tuvieron que pasar 8 años para que recibiese la mayoría de su herencia. "Fue una época preocupante", dice, "los impuestos habían sido pagados, pero al no recibir el dinero no sabía si me podría permitir el mantener la casa. Me sentí bajo mucha presión".

En contraste con el extravagante ídolo del rock, Mary, de 48 años de edad, es tímida y da la impresión de carecer de cualquier confianza en sí misma. Pequeña y delgada, de ojos verdes y pelo rubio. "Ciertamente no soy ninguna académica", dice, al tiempo que uno de los gatos exóticos de Freddie se le une en el profundo sofá de color rojo oscuro. Mary ha mantenido la decoración y el mobilario tal como estaban cuando Fredde murió. "Tenía un estilo impecable, así que ¿por qué cambiarlo?", dice.

Su muerte dejó un vacío en su vida. "Perdí a alguien a quien creía mi amor eterno. Cuando murió sentí que habíamos tenido un matrimonio. Habíamos vivido nuestros votos. Habíamos permanecido juntos en los buenos tiempos y en los malos, en la riqueza y en la pobreza. En la salud y en enfermedad. No podrías haberte separado de Freddie hasta que hubiese muerto, incluso entonces, ha sido difícil".

La proximidad de la pareja siempre causó problemas a los demás. Ninguno de los novios que tuvo Mary cuando dejó de vivir con Freddie en 1980 duró mucho. Pronto se daban cuenta de que tenían que compartir el cariño de Mary con la estrella de rock y ese especial lazo de lealtad e íntima amistad jamás pudo ser penetrado por un recién llegado. Incluso el padre de los dos hijos de Mary, el pintor Piers Cameron, acabó decidiendo que esta especial situación era demasiado y terminó desapareciendo de la vida de Mary por completo. "Siempre se sintió eclipsado por Freddie", dice Mary. "Fredie había ampliado tanto el horizonte de mi vida introduciéndome en el mundo del ballet, la ópera y el arte. Aprendí tanto de él y me dio tanto. De ninguna manera podría jamás abandonarle. Nunca".

Como otra forma de mantenerla próxima a él, Freddie creó un trabajo para ella, haciéndola secretaria de su empresa discográfica. Tras su muerte, le llevó a Mary mucho tiempo hasta que aceptó que Freddie había salido definitivamente de su vida. Cinco años tuvieron que transcurrir hasta que fue capaz de dormir en su enorme dormitorio amarillo. Antes se había sentido incapaz de tocar nada en esa habitación. "Había pasado tanto tiempo con él estando enfermo y había tantos recuerdos en aquella habitación. Recuerdos de él sufriendo. Sólo veía este hombre tan frágil, tumbado en la cama y recordaba todas las pequeñas cosas que solía hacer por él. Como peinar su pelo, por ejemplo".

"En aquella época realmente sentí tanto amor por él. Esos eran los momentos que recordaba cada vez que miraba a su cama. Me sentaba todos los días junto a su cama durante seis horas, tanto si estaba despierto como si no. A veces se despertaba de repente, sonreía y me decía "oh, eres tú, vieja fiel".

Sólo Mary sabe donde fueron finalmente colocadas sus cenizas. Le dio a ella la responsabilidad de encargarse de ellas y le hizo prometer que nunca revelaría donde fueron enterradas. "No quise saber nada de ellas", admite abiertamente. "Las dejé en la capilla ardiente durante un tiempo. Sabía que tenía esta responsabilidad, pero no encontraba valor para deshacerme finalmente de él. Tenía que hacerlo sola, tal como me lo pidió, y mantenerlo en secreto. Eso fue algo no mejoró el aprecio de su familia por mi".

Encontré todo aquello un poco siniestro. Estaban en una bolsa de plástico dentro de una urna. Después tuve que juntarlo todo. Pensé 'realmente me has dejado demasiado para hacer, Freddie' ".

Mary tenía 19 años cuando conoció a Freddie. Hasta entonces había llevado una vida de privaciones. Sus padres eran pobres. Su padre trabajaba como recortador para especialistas en empapelados. Y su madre una empleada de hogar para una pequeña empresa. Ambos eran sordos y se comunicaban a través del lenguaje de los signos y leyendo los labios. Mary abandonó la escuela a los 15 años. Su primer trabajo fue como aprendiz de secretaria con Remingtons, ganando 5 libras a la semana. Posteriormente alcanzó el puesto de relaciones públicas con los clientes en la tienda Biba en Kensington. Fue cuando trabajaba en Biba cuando conoció a Freddie y al batería de Queen, Roger Taylor, quienes tenían un puesto en el cercano mercado de Kensington, en el que vendían ropa usada y el trabajo artístico de Freddie.

El guitarrista, Brian May, los presentó, durante una discusión sobre el grupo. Intentaban elegir un nombre. Freddie quería llamar al grupo Queen, mientras Brian prefería Build Your Own Boat. "Recuerdo la melena negra de Freddie, que le hacía parecer un caballero, con su brazo apoyado sobre la repisa de la chimenea de la casa de Brian en Barnes. Estaba muy orgulloso de sus nuevos zapatos blancos. De repente se volvió hacia mi y me pidió mi opinión sobre los nombres. Dije "oh, creo que Build Your Own Boat de Brian". Pero se salió con la suya, como hacía casi siempre. Al final se decidieron por Queen.

Aunque bastante intimidador, Mary se sintió fascinada por este 'músico artístico de aspecto salvaje'. "No se parecía a nadie que hubiese conocido antes. Tenía mucha confianza en sí mismo, y yo nunca la había tenido. Maduramos juntos. Me gustaba, y todo progresó a partir de ahí".

"Me llevó unos tres años enamorarme realmente de él. Pero nunca había sentido eso antes por nadie". Al principio compartieron una habitación de 10 libras a la semana en Victoria Road, Kensington. "Teníamos tan poco dinero entonces que sólo podíamos permitirnos un par de cortinas, así que las colgamos en el dormitorio. Teníamos que compartir el baño y la cocina con otra pareja".

Un par de años después se mudaron a un piso más grande en Holland Road, que les costaba 19 libras a la semana. Por aquel entonces el grupo ya había firmado un contrato discogáfico, y las fotos para el primer album se tomaron en aquel piso.

Fue en un concierto celebrado en el Ealing College of Art, cuando Mary reconoció por primera vez su calidad de estrella. Cuando bajó del escenario todas las chicas y sus amigos se agolpaban a su alrededor", recuerda. "Estaba tan ocupado que pensé 'no creo que me necesite ya'. Ya me iba cuando llegó corriendo hasta mi. Me dijo '¿a dónde vas?', le dije 'me voy a casa'.

"Las cosas habían cambiado para él y para el grupo. Freddie era tan bueno sobre el escenario-diferente a cualquier cosa que hubiese visto antes, como si fuese algo para lo que él se había estado preparando. Por primera vez sentí 'aquí está una futura estrella. Está en su camino. No creo que me necesite nunca más'. Me aparté. Conforme todo progresaba pude verle florecer. Era algo maravilloso de observar. No me sentí triste ni molesta. Estaba feliz de que por fin lo estuviese consiguiendo gracias a su talento. Él no me dejaría marchar. Aquella noche me di cuenta de que yo también tendría que ser parte de ello. Realmente fue emocionante ver como todo ello ocurrió-yo estaba feliz y orgullosa de que él quisiera estar conmigo".

"Me sentía muy segura con él. Cuanto más le conocía más le quería. Tenía calidad como persona, lo cual creo que es muy raro hoy día. Algo que siempre fue constante fue el amor. Sabíamos que podíamos confiar el uno en el otro, y nos sentíamos seguros juntos. Sabíamos que nunca ninguno de nosotros haría daño al otro a propósito. Una vez, en Navidades me compró un anillo y lo puso dentro de una caja enorme. Íbamos a visitar a sus padres el día de Navidad. Abrí la caja, y dentro había otra caja, y así sucesivamente hasta que encontré aquella caja diminuta. Cuando la abrí allí estaba aquel hermoso anillo egipcio de escarabajo. Se supone que trae buena suerte. Fue muy dulce y tímido cuando me lo dio.

Fue después de haberse mudado a su segundo piso, en Holland Road, cuando Mary comenzó a sospechar que algo iba mal en su relación de seis años. "Incluso aunque yo no quisiera admitirlo plenamente, me había dado cuenta de que pasaba algo. Aunque no sabía lo que era decidí discutirlo con Freddie y se lo dije. 'Algo pasa y me siento como una soga alrededor de tu cuello. Es hora de que me marche'. Pero insistió en que no pasaba nada. Luego su vida alcanzó un ritmo vertiginoso tras el éxito de los albumes y los singles".

"Las cosas nunca volvieron a ser iguales. Nuestra relación se enfrío. Yo sentía que evitaba cualquier confrontación conmigo. Cuando yo volvía a casa del trabajo él no estaba. Siempre llegaba tarde. La situación era obvia. Simplemente ya no estábamos tan juntos como lo habíamos estado".

Cuando Freddie se convirtió en una celebridad internacional, Mary pensó a menudo que lo perdería por culpa de otra mujer-pero nunca por un hombre. Todo eso cambió un día cuando Freddie le comunicó que tenía algo importante que decir, algo que cambiaría su relación para siempre. "Él dijo, 'creo que soy bisexual', yo le dije 'creo que eres gay'. Y no se dijo más. Sólo nos abrazamos. Pensé que había sido muy valiente. Como soy un poco ingenua me llevó bastante tiempo darme cuenta de la verdad. Después, él se sintió bien por habérmelo dicho. Me dijo 'era consciente te que tenía que otra alternativa, no decírtelo, pero creo que tienes derecho a tener tu propia vida'. Y pensé 'sí, al igual que tú tienes derecho a la tuya' ".

Decidió que era hora ya de marcharse, pero Freddie insistió en que no debía alejarse mucho de él. "Con el tiempo encontramos una casa cerca de donde él vivía, que quería que yo me quedara. Era perfecta para una persona soltera como yo. Su empresa discográfica me la compró por 30.000 libras. Podía ver el piso de Freddie desde mi cuarto de baño. Pensé, 'oh, nunca me voy a escapar'. Pero no me importaba. Era muy feliz allí. Era pequeña, pero me gustan los lugares pequeños. Mi familia era muy pobre. Éramos cinco y mis padres lo pasaban realmente mal para llegar a fin de mes. La vida siempre fue una lucha para ellos".

La vida de Mary hoy día está lejos de ser una lucha. Comparte su majestuosa casa con Nick, el empresario londinense de 48 años con el se casó hace dos años. Sin decírselo a nadie, se casaron en Long island con sólo sus dos hijos, Richard y Jamie, como testigos. "Creo que Nick fue muy valiente al hacerse cargo de mi. Traigo mucha carga conmigo, un enorme capítulo de mi vida. En un principio, debido a mi pasado y la cantidad de rupturas que he tenido no estaba muy segura respecto al matrimonio. Después alguien me dijo 'no lo sabes hasta que no lo intentas'. Pero conforme el tiempo pasa, ahora puedo ser feliz con él. Sé apreciar lo que tuve, y lo que tengo ahora, y sigo hacia adelante. Creo que sólo lo podría haber conseguido conociendo a alguien".

"Al conocer a Nick, todo se arregló mucho más deprisa. Quería estabilidad para mi y para mis hijos. Sentía que este hombre nos daría eso-estabilidad en un sentido familiar. Realmente había perdido a mi familia cuando Freddie murió. Incluso la gente que trabajaba para él en la casa eran mi familia, pero todos se marcharon. Freddie lo era todo para mi, aparte de mis hijos".

A Freddie le emocionó tanto como a ella la llegada de su primer hijo y solía visitarla en el hospital. Enseñó al pequeño a decir sus dos primeras palabras 'tractor' y 'guitarra'.

Ahora su generosidad ha permitido a Mary educar a sus hijos en colegios privados. "De alguna manera creo que a una parte de Freddie realmente le habría gustado la vida familiar, un hogar feliz e hijos. No sé qué tal habría sido como heterosexual. Al principio solía pensar que le había perdido por ser gay. Pero creo que aunque hubiese sido completamente heterosexual habría acabado perdiéndole por otra mujer, especialmente cuando llegó la fama. Las mujeres le seguían a todas partes, aunque sospechasen que era gay".
Freddie vivió con el conocimiento de que era VIH positivo durante siete años. Murió a los 45 años de una neumonía inducida por el SIDA.

En su testamento, legó el 50% de toda su fortuna y de los ingresos futuros a Mary. Sus padres y su hermana recibieron un 25% cada uno. Aparte de eso, dejó 500.000 libras a Jim Hutton y le compró un terreno en su lugar natal, Irlanda, en el que pudiese construir una casa. También les dejó 500.000 libras tanto a su ayudante personal Peter Freestone como a su cocinero Joe Fannelli. Y 100.000 a Terry Giddings, su chofer y guardaespaldas.

Mary es también administradora de la fundación de lucha contra el SIDA establecida en nombre de Freddie, la Fundación Phoenix, establecida en Montraux, Suiza, donde Queen tienen sus propios estudios de grabación. Como fue un showman tan vital y enérgico, le pregunté a Mary si quizás fue mejor que no llegara a envejecer. Sorprendentemente me respondió "no, hubiera preferido que hubiese ocurrido al contrario. Yo tendría que haberme ido primero. Hubiera preferido que fuese él quien tuviera que echarme de menos, en lugar de tener yo que echarle de menos".





BAJAN.







Bajan, Luis Alberto Spinetta
Tengo tiempo para saber
si lo que sueño concluye en algo
No te apures ya más, loco
porque es entonces cuando las horas


bajan, el día es vidrio sin sol
bajan, la noche te oculta la voz
Y además vos querés sol
Despacio también podés hallar la luna


Viejo roble del camino,
tus hojas siempre se agitan algo
Nena, nena, que bien te ves
Cuando en tus ojos no importa si las horas


bajan, el día se sienta a morir
bajan, la noche se nubla sin fin
Y además vos sos el sol
Despacio también podés ser la luna.







En 1973 se terminó de editar el último disco de Pescado Rabioso, aunque es sabido que en realidad fue un trabajo como solista de Luis Alberto Spinetta, grabado con músicos invitados luego de que la banda se disolviera definitivamente. Se trata de Artaud, para muchos el mejor disco de la historia del rock nacional. De todas las canciones, Bajan es quizás la que más similitudes tiene con el estilo musical de Pescado Rabioso.




          A grandes rasgos Bajan habla de la cuestión del paso del tiempo, aunque no resulta tan simple como eso. Se puede pensar que se trata del fin de un ciclo, del comienzo de una etapa al menos artísticamente diferente para el autor. Sin embargo, desde un plano general suena más a un elogio de la calma, una utopía en sociedades como la nuestra. Lo que intenta decir Spinetta es que con tranquilidad, con paciencia, no sólo se puede tener más sino que también se puede ser mejor.
Spinetta comienza hablando en primera persona, pero rápidamente se desprenden los otros destinatarios de la canción: un él, a quien llama "loco", un viejo roble, que se puede relacionar con una persona mayor, y un ella, a quien pone el calificativo "Nena". En fin, la canción no se dirige a alguien en particular sino a Todos.
Lejos de hablar del ocio o la conformidad, creo que Spinetta busca un equilibrio. Su consejo es no cruzar la línea hacia el exceso, hacia a la locura; de apretar el freno, de parar un poco. Así, no refiere a algo estático: por más serenos que aparentemos ser, las hojas siempre se agitan algo. Y eso está bien, así debe ser para que la vida no pierda intensidad. Todos sabemos que el tiempo parece durar más cuanta menos atención le prestamos y cuanto más disfrutamos el momento. "El día se sienta a morir (...) la noche se nubla sin fin", parece expresar todo lo contrario. ¿Para qué vivir agitados si al final no podemos aprovechar ni del sol ni de la luna? Es por eso que Spinetta alaba "qué bien te ves cuando en tus ojos no importa si las horas bajan".
¿Por qué las horas bajan? Porque se pierden: lo que sube baja, pero lo que baja no tiene por qué subir. Se puede relacionar también con la caída del sol o de la luna, que sí vuelven a aparecer. Pero las horas no se recuperan y ese es el drama del paso del tiempo. Lo que de alguna manera nos recomienda Spinetta con esta canción es que disfrutemos del día y de la noche, del tiempo de la vida, que no dejemos de apreciar a los detalles de lo cotidiano: démosle luz al instante.

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La canción "Wonderwall" está dedicada a la novia de Noel Gallagher Meg Mathews. Noel se casó con Mathews, pero se divorciaron en 2001. Gallagher ahora dice que la canción no habla lo más mínimo de Mathews. Sostiene que esa interpretación surgió de la prensa y que no hubo manera de decirle a su novia que esa canción no trataba de ella. Gallagher dice que es una canción dedicada a un amiga imaginaria que un día vendrá y le salvará de sí mismo, pero que ahora no puede convencer a la chica de que no habla de ella. Al comienzo, Noel quería cantar esta canción pero le dio a su hermano Liam la oportunidad de hacerlo y Noel terminó cantando "Don't Look Back in Anger".

"Wonderwall", de la banda británica Oasis, es una de sus canciones más famosas. De su álbum (What's the story) Morning glory?. La portada del single está inspirada en los cuadros de Magritte.


 

La música está inspirada en Wonderwall Music, un álbum instrumental que compuso George Harrison para la peli Wonderwall en 1968. Y el concepto de "Wonderwall" se lo inventó John Lennon al parecer, que una vez, en vez de decir "wonderful" dijo "wonderwall" y como palabra inventada es bastante difícil de traducir, Oasis lo sacó de la película. La peli va de una chica que vive al lado de un hombre que está fascinado por ella y hace agujeros en su muro para verla a través de ellos y eso es el "wonderwall" (el muro maravilloso, la pared maravillosa). Es una peli psicodélica y rarísima, aquí les dejo el tráiler:
Al principio la canción se iba a llamar Wishing Stone, que significa "piedra de los deseos", o algo así (menos mal que le cambiaron el título).



El sonido del chelo que suena en la canción, no es un chelo sino un Mellotron, que es como un teclado de los años 60 que reproducía sonidos de orquesta (como el violonchelo). Y otra curiosidad acerca de los instrumentos es que Noel Gallagher en los conciertos la toca con una telecaster, cuando normalmente utiliza una Gibson.







La canción fue escrita por Martin Gore. En esta canción, el cantante está en una relación en la que los pensamientos y los sentimientos son todo lo que importa. Él siente que las palabras son innnecesarias y pueden ser incluso dañinas, así que prefiere disfrutar el silencio esta canción que estaba destinado a ser una balada de ritmo lento en Do menor, la demostración incluyó una armonio con el canto de Martin Gore La letra representa una gran paradoja al estar dedicada al silencio, pues en principio de estudio académico de la música se enseña que el intervalo entre nota y nota es el que realmente da la armonía; esto es, el Silencio, por lo cual se vuelve en verdadera poesía el sentido lírico del tema. paradójicamente en una letra dedicada al silencio repitiendo en su coro "Todo lo que quiero, Todo lo que necesito, Está aquí en mis manos, Las palabras son tan innecesarias, Ellas sólo pueden hacer daño".

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DRONES-MUSE


Dead inside,Psicho,Reapers,Mercy,The handler.











En cuanto a la idea de un álbum conceptual no es de extrañar: la inclinación a escribir letras siempre se ha comprometido. Un vistazo a los títulos de los discos anteriores o darse cuenta de que la página de Wikipedia dedicada a ellos alberga una sección que resume una serie de libros que han influido en sus letras. Por eso son al menos cinco datos que necesitas saber sobre el nuevo disco de Muse.

Es un álbum conceptual.
En un futuro quizás no tan lejos será posible cometer asesinatos mientras se esta sentado en el sofá de casa. Los hombres al mando controlarán el sistema y nos transformaran en robots (Una entidad no humana), que llevará a cabo las órdenes sin experimentar ningún tipo de emoción. Inspirado por una tecnología que aparece presente (el mercado de Drones para uso profesional, sino también recreativo, está creciendo aunque hay varios agujeros en su regulación) Muse describe un escenario dramático, distópico y conspiratorio. El tema se trata con crudeza: si excluimos la aparición ocasional de términos audaces, percibimos la clara intención de la banda de comunicar el concepto de forma explícita. Entre la ciencia y la ciencia ficción, el concepto de Bellamy y compañía aborda el tema del lavado de cerebro (inspiración claramente orwelliana) en un álbum conceptual donde el contenido es seductor y perturbador.
El comienzo es el final.
El single Dead Inside sirve como premisa y resolución: el grito de ayuda de un robot domestico, que en un momento de claridad se da cuenta de que él se convirtió a su vez un "controlador" que puede mentir, matar y reclutar más seguidores. El discurso militar es un preámbulo de Psycho introducido en un flashback: la promesa del sargento de transformar el conejillo de indias en un asesino despiadado. En el momento del secuestro es fotografiado por la posterior Mercy, mientras Reapers se centra en la figura del opresor. The Handler entonces entra en juego con la esperanza: el prisionero que busca una manera de salir de la humanidad y el emotivo discurso de John F. Kennedy termina con la frase "El hombre es lo que él había nacido para ser: libre e independiente". En este punto el sentimiento de esperanza se convierte en rebelión con Revolt, mientras que la trilogía final huele a rendición a pesar de que aquí juega un papel fundamental la interpretación personal.
Hay que escucharlo todo, sin interrupciones.
Drones da lo mejor cuando se escucha de principio a fin, una práctica que en tiempos de transmisión parece reservada exclusivamente para los nostálgicos y para aquellos que están dispuestos a comprometerse seriamente, tal vez poniendo el smartphone en modo avión y apagar el wi-fi.  Y no nos referimos sólo a sus letras: musicalmente es realmente difícil separar una canción de las demás. Las canciones escuchadas individualmente sólo aprovechan la mitad.

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HELTER SKELTER.








DESCONTROL
Cuando llego abajo vuelvo a subirme al tobogán
Allí me paro , me giro y me tiro
Hasta que llego abajo y te vuelvo a ver
Dime,¿no quieres que te ame?
Bajo rápido pero estoy mucho más arriba que tú
Dime, dime,dime,venga, dame la respuesta
Quizás seas una amante pero no sabes bailar
Descontrol
Descontrol
Descontrol
Dime ¿no quieres que te lo haga?
Bajo rápido pero no dejes que te rompa
Dime,dime,dime la respuesta
Quizás seas una amante pero no sabes bailar
¡Cuidado! descontrol
Descontrol
Descontrol
¡cuidado!
Porque aquí llega
Cuando llego abajo vuelvo a subirme al tobogán
Ahí me paro, me giro y me tiro
Hasta que llego abajo y te vuelvo a ver
Dime ¿no quieres que te lo haga?
Bajo rápido pero no dejes que te rompa
Dime,dime,dime la respuesta
Quizás seas una amante pero no sabes bailar
¡Cuidado! descontrol
Descontrol
Descontrol
¡Cuidado!descontrol
Mira que rápido baja
Sí, muy rápido,sí, muy rápido
¡Tengo ampollas en los dedos!


Helter Skelter nació en la mente de Paul McCartney luego de leer un articulo que el famoso periodista musical de Melody Maker, Chris Welch, publicó en Guitar Player Magazine donde afirmaba que la canción "I can see for miles" de la agrupación inglesa The Who era "el rock más ruidoso, crudo y sucio de todos los tiempos".

McCartney se tomaría esta descripción como un reto y sin pensarlo un segundo se dispuso a componer una canción más ruidosa, más cruda y más sucia para incluirla en el ahora mítico Álbum Blanco de The Beatles.

Y no se descarta la posibilidad de que también surgiera por el afan de Mccartney por mostrar que no era solo el mas suave,blando o tierno de la banda.

Por el sonido agresivo que lograron se la considera un precedente de estilos posteriores, el primer ladrillo en el muro del heavy metal o el punk rock entre otros y varios críticos la denominaron "el tema de rock más feroz y brutal escuchado jamás". Su nombre original era "Heather Leather".

Helter Skelter se ha convertido en una de las grabaciones míticas de los Beatles a lo largo de los años. La canción mantiene el récord por ser la grabación más larga realizada por los The Beatles, exactamente 27:35 minutos en una toma que hasta el día de hoy se mantiene guardada.
La palabra helter-skelter que proviene del inglés, significa descontrol o precipitación pero también es como denominan a un tobogán típico de las ferias inglesas, compuesto por una torre rodeada por un tobogán en forma de espiral.

Paul McCartney afirma que tomó el tobogán como símbolo de "el viaje que se hace desde la cima hasta el fondo -la cima y la caída del imperio- y esta es la caída, el fallecimiento".

En 1969 El Álbum Blanco llega a manos de Charles Manson, un músico frustrado obsesionado con los Beatles, y gracias a su enorme imaginación desarrolló toda una teoría Apocalíptica inspirada en varias canciones del Album Blanco a la que llamo Helter Skelter.

Según el testimonio de uno de los miembros de la "Familia" (así se hacía llamar la secta liderada por Charles) el Helter Skelter empezaría "cuando el hombre negro vaya a las casa de la gente y robe a la gente blanca y los destruya físicamente [...] cortando sus cuerpos y esparciendo y escribiendo leyendas en los muros con su sangre [...] Después el hombre negro tendría el karma del hombre blanco y ellos mandarían y cuando esto ocurriera solo los miembros de la "familia" irían a un sitio en una zona del Death Valley [...] en ese lugar permanecerían hasta que la inferioridad propia del hombre negro no le permitiera seguir gobernando la Tierra, entonces ellos [...] tomarían el poder y dominarían la Tierra nuevamente, siendo servidos por esclavos negros. Jesucristo volvería a gobernar secundado por cinco ángeles: John Lennon, Ringo Starr, Geoge Harrison, Paul McCartney y Charles W. Manson"

Pero harto de la "pasividad del pueblo negro", Charles Manson ordenó a sus secuaces asesinar a las personas que se encontraban en el 10050 de Cielo Drive: Sharon Tate (esposa del cineasta Roman Polanski quien tenía 7 meses de embarazo), Wojciech Frykowski, Abigail Folger, Jay Sebring y Steven Parent. En la casa aparecía la inscripción Pigs, que hace alusión a la canción "Piggies", también de los Beatles.

Dos días más tarde asesinan al matrimonio LaBianca y es en esta escena del crimen donde se encontró la inscripción Helter Skelter en la puerta del refrigerador y no en la residencia Tate-Polanski como muchos creen.

La reacción de los Beatles ante este episodio es de horror. Ringo Starr, amigo de Polanski y Tate, no podia creer que el Álbum Blanco haya sido el detonador para esa cadena de crímenes. George Harrison declara años después: "Todo el mundo quiso aprovecharse del fenómeno Beatle: la policía, los promotores, los alcaldes y hasta los asesinos. Los Beatles constituían un tópico, el tema más comentado en el mundo y todos quisieron sacarle jugo fuera o no por nuestra culpa. Nos disgustó mucho que nos asociaran con un tipo tan indeseable como Charles Manson".
Lennon consideró que la interpretación de Manson era absurda. La afanosa búsqueda por parte de éste de signos y símbolos en las letras era típica de los fans de los Beatles, pero --igual de típico, según Lennon-- leyó un mensaje que simplemente no existía en la canción.

Pero no hagan como Charles Manson y los seguidores de su secta , que dieron un significado satánico y apocalíptico a esta canción , y no se les ocurrió otra cosa que entrar en una mansión de Hollywood , y ponerse a matar gente (entre ellas la actríz Sharon Tate , mujer de Roman Polanski) , para la historia de la crónica negra, quedan escritas con sangre ,en las paredes de la mansión , las palabras "Pigs" y "Helter skelter".
En su día, John Lennon fué llamado a testificar en el juicio , sobre el significado de la canción, pero nunca llegó a ír ,(entre otras cosas,porque el autor de la canción fué McCartney).


TE RECUERDO, AMANDA.









"Te Recuerdo, Amanda" es una famosa canción del cantautor chileno Victor Jara publicada en su disco "Pongo en tus manos Abiertas..." de 1969. Este disco es, sin lugar a dudas, uno de los mejores en la corta pero fructífera carrera de Victor Jara (asesinado por los "valientes" soldados chilenos en 1973 solo por pensar distinto) y ha sido galardonado, con el paso de los años, con diversos premios y lugares en rankings históricos.

La canción es un homenaje a la mujer, especialmente a esa mujer casada con un obrero y que tiene que vivir las injusticias laborales, los malos pagos y hacer vida en ese contexto que les tocó asumir como familia. Jara en una entrevista con un medio cubano en 1969 señaló sobre la mujer y su importancia en la sociedad : "La mujer no es una esclava: es igual al hombre y tiene los mismos derechos. Pedirle a la mujer pureza y dedicación al hogar y al hombre no, es ser esclavista. El hombre no es nada sin la mujer".

La letra de la canción nos narra historia de amor de una pareja de obreros, donde la muchacha (Amanda) corre a ver a su amado (Manuel) quien luego muere al ser enviado a la Sierra.
Según Victor Jara: "Te recuerdo, Amanda es una canción que compuse en Londres. Ya tenía algo en mi cabeza. Es la historia de una pareja joven de obreros que conocí. Me hice amigo de ellos, supe de sus problemas y sentí cuando se separaron. En el hotel donde vivía en la capital inglesa, acompañado de mi guitarra, di forma a la canción".

Pero existe otra historia detrás de esta canción, que complementa la historia de esos obreros y le da mas sentido a esta gran canción. Según el libro "Como una Historia" de José Manuel García, esta canción fue escrita en 1968, cuando Victor jara se encontraba en Londres invitado por el British Council, debido a su grandes logros como director teatral, a pasar una temporada en Inglaterra para observar diversas obras de teatro que se hacía allí en ese momento. Mientras él se encontraba en Stratford-upon-Avon, en la celebración del aclamado Shakespeare´s Birthday, en Chile su hija Amanda, que por ese entonces tenía 3 años de edad, caía enferma al hospital. Jara al saber esa noticia, empezó a enviar cartas a su esposa para saber el estado de salud de su hija pero justo eran los días donde los funcionarios del Correo en Inglaterra se habían ido a huelga, lo cual hizo casi imposible saber más sobre la noticia. Así que, sentado en la cama de su hotel, y con un desbordante sentimiento de soledad y premonición compuso Te recuerdo, Amanda.

Lo nombres de los personajes de esta historia de amor, Manuel y Amanda, fueron ideados por Jara en homenaje a sus padres y su hija. Pero Joan Jara, esposa del cantautor, ha mencionado sobre el mensaje de la canción que "la gente se pregunta si la escribió por su madre o por su hija. Creo que no la dedicó específicamente a ninguna de las dos, si bien contiene la sonrisa de la madre y la promesa de juventud de su hija". En fin... solo Victor Jara sabe cual es el motivo real que llevó a escribir este vals con sentido social.

"Te recuerdo, Amanda" es de esas canciones que ya son parte del cancionero latinoamericano. Una obra clásica del idioma español, con su simpleza, con su melancolía en sus acordes y letras pero con sentido social, con una imagen real acompañada del folclor y la sangre sudamericana.

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La canción surgió un día en el estudio de ensayo de la banda(el salón de baile de Huntington beach). Axl se encontraba en el piso de arriba, escribiendo letras para ajustar a alguna canción todavía por componer. En esa época Axl se encontraba profundamente enamorado de Erin Everly.
Steven Adler (Batería) y Slash estaban afinando los instrumentos, jugando con ellos, improvisando en una aparente locura en la cual nada tenía sentido. Ante un comentario jocoso de Duff (Bajista).."Vaya circo teneís montando" Slash comenzó a improvisar los primeros acordes, intentando emular una melodía de circo en broma.
Stradling, el genial guitarrista rítmico y compositor de los temas más grandes de los Guns, inquirió a Slash para que tocara de nuevo ese riff..y allí comenzó un Jam Session( sesión de improvisación).
Axle bajó a reunirse con sus compañeros tan pronto como se percató de lo que allí se estaba gestando.
5 minutos después la canción estaba terminada
En una entrevista con Eddie Trunk show 's radio de Nueva York en mayo de 2006, Axl Rose aseguró que su concepto original para el video, se centró en el tema de tráfico de drogas . Según Rose, el video debería representar a una mujer asiática, que lleva a un bebé en un país extranjero. Al final se descubriría que el niño estaba muerto y relleno de cocaína . Este concepto fue rechazado por Geffen Records .
Quisieron entonces los guns realizar un video fiel a cómo se compuso la canción, por ello se rodó en el mismo lugar en el que se compuso. En él, al tratarse de una oda a las parejas de los componentes del grupo, aparecen todas sus chicas. La mentada Erin Everly hija de Don Everly componente del grupo The Everly Brothers. También aparece Mandy Duff componente de un no muy conocido grupo de rock, incluso el perro de Izzy aparece en el video.




Existió una gran controversia con la edición de la canción. Las emisoras de Radio recortaron el solo de guitarra del maestro, lo cual ocasionó un gran malestar en el grupo...Axl declaró a la revista Rolling Stone.
"Mi voz no la cortan, pero mi parte favorita de la canción el el solo de Slash, es la parte más heavy de la canción, no hay ninguna razón para que falte,excepto para dejar hueco los anunciantes claro,así los dueños de las emisoras ganarán más dinero por publicidad"
Aún así la edición fue lanzada en vinilo de 7 pulgadas como "remix" mientras que el LP contenía la versión buena (Larga).
Esta versión a cargo de Slash es una rareza de las pocas que han respetado su esencia original.




Aunque existen infinidad de versiones, he de reconocer que personalmente ninguna de ellas me agrada, ya que el espíritu comercial que han tratado insuflar a la canción, le hace perder esa magia y fuerza que te hace galopar la sangre por la venas la primera vez que la escuchas...No seré yo quién difunda tales sacrilegios, pero la información de su existencia aquí queda.
Fuente:Revista Rolling stone.





"Creep" es el primer single lanzado por la banda británica Radiohead, el cual se emitió por primera vez en Septiembre de 1992, en Reino Unido por la BBC Radio 1. Inicialmente la canción no tuvo mucha difusión pues dicha Radio, la consideró demasiado depresiva y la retiró de la programación. Sin embargo, después de su re-lanzamiento en 1993, se convirtió en un éxito.

Sobre la canción Thom alguna vez brindó alguna explicación parcial: "Fue escrita cuando estaba en Exeter,y cuenta la historia de un estudiante ebrio que trata de llamar la atención de la mujer que lo atrae; al final su autoestima no le permite decírselo".
En otra ocasión el cantante expresó: "Tengo un gran problema siendo un hombre en los 90... cualquier hombre con sensibilidad o conciencia hacia el sexo opuesto tendría un problema. Imponerte en un modo masculino sin parecer que estás en una banda de rock duro es, de hecho, una cosa muy difícil de hacer... Se trata de la música que hacemos, que no es afeminada, pero tampoco brutal en su arrogancia. Es una de las cosas que siempre estoy intentando: confirmar una imagen sexual y por el otro lado negarla"

Lo cierto es que Thom Yorke escribió el tema mientras estudiaba Arte y Literatura en la Universidad de Exeter, y que hubo una muchacha atractiva quien lo inspiró en esos momentos.

Lo que pocos saben es que en realidad, la canción se refiere a la infancia del cantante, por lo cual la letra es una suma de tristes recuerdos disfrazados. Si bien es sabido que Thom nació con una parálisis facial congénita, él prefiere no hablar del tema o de su infancia. En su niñez tuvo que ser sometido a varias operaciones, hasta los casi seis años tuvo su ojo izquierdo paralizado y fue en la última intervención cuando quedó con una leve, pero notable, caída de párpados por la cual a partir de ese momento tuvo que llevar un parche en el ojo.
Toda esta serie de eventos desafortunados, lo marcaron y dejaron un poco tímido, haciéndolo sentir "creep", sobre todo al relacionarse con miembros del sexo opuesto, según contó uno de sus amigos íntimos en una reciente entrevista.

Nota: muchos críticos afirman que Creep es el verdadero "himno del rechazado". El cantante rse divierte con dicha denominación pero no le importa ponerse serio y decir que durante algunos años recibió cartas de asesinos, comentándole lo mucho que se indentificaban con el tema.


Fuente:
http://www.indyrock.es/radio2.htm#BIOGRAPHY
http://mentalfloss.com/

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Lago en el Cielo:

Un lago en el cielo
quiero ser suave
para evitar tu dureza
apago tu fuego
enciende mi agua
puede que no haya certezas
Vamos despacio
para encontrarnos
el tiempo es arena en mis manos
sé por tus marcas
cuanto has amado
más de lo que prometiste
Hoy te apuré
(estaba tan sensible)
son espejismos que aumentan la sed
si adelanté no me hagas caso
a veces no puedo con la soledad
Vamos despacio
para encontrarnos
el tiempo es arena en mis manos.
sé por tus marcas
cuanto has dejado
para olvidar lo que hiciste
sentir algo que nunca sentiste
Sos el paisaje más soñado
y sacudiste las más sólidas tristezas
y respondiste cada vez que te he llamado.


Si bien sabemos que las letras de Cerati son un poco ambiguas en lo que respecta a su significado, el mismo Cerati las escribe para que cada uno de las personas que escuche cualquier pista pueda sacar conclusiones o incluso buscarle un significado íntimo y personal a cada tema. Esto hace que los temas compuestos por Gustavo sean únicos. Más de una vez hemos escuchado decir a Zeta Bosio y a Charly Alberti que ni ellos entendían lo que quería expresar Gustavo Adrián en las letras, y bueno he aquí la cuestión planteada en el párrafo anterior.
Lago en el Cielo es una pista del CD "¡Ahí Vamos!", CD con el cual el mismo Gustavo se declara hasta identificado con el título que eligió.
La letra de dicho tema en general y en una vista de perspectiva personal a lo que es el significado de la misma se orienta a una nueva relación que se origina entre dos personas. Durante todo el tema se habla sobre una cuestión más que importante en la vida de cada persona: el tiempo. Todos sabemos que las cosas se dan paso a paso, que no todo en la vida es cuestión de un día para el otro, y para que alguien se convierta en algo especial lleva mucho tiempo. Esta canción apunta precisamente a eso. Otra de las ideas principales del tema es la incertidumbre con la que se entabla una nueva relación viniendo lastimado de otra. El ser humano por naturaleza siempre se anticipa o quiere estar atento ante cualquier semejanza de un hecho indeseable del pasado, en otras palabras: evitar malas experiencias del pasado. Uno tiene que ser optimista, y empezar cada relación de cero, sin importar que haya pasado en el pasado y dejar las comparaciones de lado, porque cada persona es un mundo diferente. El tercer verso de la canción principalmente apunta a un tema tan temido por cualquiera: la soledad. ¿A quién le gusta estar solo? A NADIE. Más allá de lo que se pueda sentir en el momento que se conoce a alguien nuevo, uno se encuentra impaciente por llenar un vacío que le pudo haber dejado otra persona. La expresión "si adelanté no me hagas caso..." es una metáfora de un impulso sobre quién canta. ¿Impulso? No me vas a decir que nunca sentiste por alguna persona que apenas conocés y comienza a ocupar algo de simpatía en tu vida o que simplemente te haya ayudado en alguna cuestión importante para vos ganas de darle un abrazo. A eso es lo que se refiere Gustavo (creo yo) cuando habla de "adelantar". El último verso de la canción y con la que termina la letra antes de volver a repetir el estribillo es la parte más bella de la pista. ¿Quién nunca no ha soñado con qué le digan que es el paisaje más soñado? ¿Que pudo con todas las tristezas de alguien? ¿Que siempre estuvo cuando más lo precisaban? Es por ello que toda la canción en sí engloba un mensaje simple: ir despacio, el tiempo apremia a todos y quién sabe que esa persona que conoces y qué es nueva en tu vida puede ser el regalo más soñado y ser único, tanto para representar cosas que nunca sentiste.







Espejismo
(Beilinson - Solari)

La tierra gira, hoy, menos veloz
(en ciertas cosas, el diablo siempre es neutral).
Pasará, ya pasará
este espejismo pasará...

Cerrá los ojos y ves la boutique del rock
y sus jugadas que siguen saliendo bien.
Lo mejor de nuestra piel es lo que no nos deja huir...

Contra las cuerdas vas a desafinar
canciones tristes, bohemias, del corazón.
Borra el rastro tu dolor
y ya no te arrepentís

Una canción muy nostálgica, muy triste, esa melodía que antepone Skay a las palabras del Indio son el cóctel perfecto que invaden el corazón de todo ricotero cuando la escucha.
Creo particularmente que habla de un "viaje" con alguna droga. Alguna experiencia particular del indio tal vez.
Bastante claro resulta cuando el Indio expresa que la Tierra gira menos veloz, sus sentidos parecen haberse alterado. Y siempre sorprendentes las metáforas del indio a la hora de describir cosas tan concretas... “En ciertas cosas el diablo siempre es neutral” Creo que esa asociación metafísica con el viaje psicodélico es más difícil de explicar, particularmente desde lo personal, por no haber hecho la experiencia. Pero supongo que el Indio se refiere al sentimiento de lejanía, de sobrepasar los muros de la conciencia, de ese diablo neutral, y para explicarlo mejor voy a citar al Indio que cierta vez dijo ... “La droga es siempre la droga, eso que está ahí. Los que somos diferentes somos nosotros, según lo que hacemos con ella”. Tal vez se refiera a esa neutralidad, pero la interpretación es muy subjetiva.
“Este espejismo pasarᔠ, el viaje, el efecto se disipará.
“Cerrás los ojos y ves la boutique del rock”. El hecho de cerrar los ojos, relacionado con ese viaje que está experimentando. La boutique del rock creo que hace alusión a la regularidad de las drogas en el ambiente del rock, como una especie de boutique, de farmacia. “Sus jugadas que siguen saliendo bien, lo mejor de nuestra piel es que no nos deja huir”. A pesar de todo, es muy difícil, como diría el gran Moris en su fantástico tema “De nada sirve”,... “escaparse de uno mismo”. Por eso la piel no nos deja huir, si bien deja divagar al espíritu, siempre el estado natural vuelve cuando el efecto de la droga se disipa, entonces la realidad sigue tal cual. Las jugadas de esa “boutique” sin embargo siguen saliendo bien, porque la gente busca de una forma u otra escaparse de esa realidad.
“Contra las cuerdas vas a desafinar, canciones tristes dueñas del corazón” Puedo verlo desde 2 perspectivas. Asociarlo con el método que muchos músicos emplean para componer, es decir, intoxicarse con drogas para dejar volar la conciencia y lograr crear obras psicodélicas como han sabido hacer grandes bandas como Los Beatles o Pink Floyd.
O más bien metafóricamente, refiriéndose a las cuerdas que sostienen nuestro espíritu, desafinándolas, transformándolas en cosas tristes, que habitan en el corazón.
“Borra el rastro tu dolor y ya no te arrepentís”. Es decir, le produce una sensación en la cual cree que sus dolores son formateados, disipados.

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"Sé que el mar'' describe un poco el momento de entender que estamos inmersos en una realidad mucho más basta, misteriosa y profundamente interconectada de lo que normalmente percibimos. Que nuestra locura es a veces la mejor guía y que el mero hecho de respirar es ya una batalla ganada, motivo de enorme dicha y agradecimiento.
Y el mar como llave y metáfora del diálogo simple y profundo del silencio y su música; y como foco y corolario... el Amor, aquel puente a todo lo que vale la pena."
Fuente :Guillermo Bonetto.






Su nombre inicial fue "en la calle de la sensación" y no paso mucho tiempo para que sea considerada como una de las mejores composiciones en la carrera artística de Charly Garcia.
Con el proyecto de la formación de una nueva banda aun sin nombre, ni canciones ni discos y faltando aun la incorporación de un baterista y un bajista, Charly y Lebon deciden tomarse unas vacaciones en la playa de Buzios junto a sus familias. En este contexto surge la inspiracion para escribir lo que fue la gran mayoria de todos los temas que en un futuro integrarían el primer álbum oficial de la banda. Entre estos temas estaban Seminare, El mendigo en el anden, la reescritura de "Nena" (Tema de la época de Sui Generis, que luego fue editado bajo el nombre de "Eiti Leda"), entre otras.


Han pasado ya mas de treinta años desde que Seminare ha visto la luz, y hasta el día de hoy todavía sigue cautivando a tantas personas, y eso se debe a su letra lo que la convierte en esa balada de amor que tanto gusta particularmente entre las chicas.


Cuenta acerca de dos jóvenes y la historia de amor que sucede a su alrededor.
Aquí el joven encarna al personaje romántico que intenta luchar por lo que ama siendo capaz de arriesgarlo todo o pelear contra cualquier obstáculo para hacer realidad su mayor anhelo.




Llega un momento donde se ve a si mismo abatido ya sin esperanzas, debido a que por mas que lo intente y lo de todo por ella, para esta chica nada es suficiente. ("Te doy Dios, quieres mas...").
La distancia que los separa a ambos pareciera ser el hecho de pertenecer a clase sociales diferentes ("...es que nunca comprenderás a un pobre pibe").
Pero a pesar de la superficialidad que abunda en su amada, sus ilusiones lo convencen de que en lo mas profundo de su corazón ella siente algo por el ("Si pudieras olvidar tu mente frente a mi, se que tu corazón diría que si.")
Motiva a su amada a buscar en lo profundo de su ser aquella verdad oculta demostrándole que tal vez no puede darle un futuro lleno de lujos o placeres pero le asegura que siempre estará a su lado para cuidarla y darle su amor.


Una historia donde el mismo amor que lo lleva a continuar adelante, tristemente desmorona sus sentimientos poco a poco.


Fuente:Revista Pelo, Rolling Stones.

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Para vivir- Pablo Milanes.



Esta es una canción del cantautor cubano Pablo Milanés, editado primeramente en el disco con el mismo nombre. A pesar de ser una de sus primeras canciones (y una muy triste), es aún una de las más conocidas y favoritas de la gente.


La primera etapa de la nueva pareja se centra en la pasión, conocerse mutuamente y pasar días enteros pensando el uno en el otro. Con el pasar del tiempo, se llega a una estabilidad agradable en la cual se atenúan un poco estos elementos, sin embargo a veces una relación lleva otro camino, en el cual no solo se borran aquellos lindos momentos, sino que cada día el cansancio de la situación se va tornando insostenible.






Cuando uno se apresura demasiado o cuando las diferencias se van acrecentando con el tiempo, se mira todo en retrospectiva para entender el porqué de lo que está pasando. Es entonces que se nota claramente que no bastaba con que una persona entienda y que muera por la otra; o que en contraparte la otra persona sirva de refugio para los fracasos. En la mayoría de los casos falta aquél factor desconocido que hace que un sentimiento vaya evolucionando en vez de morir, eso que llaman amor para vivir.


En otras ocasiones, por costumbre o temor a la soledad, se continua el tal vez tortuoso camino espinado, esperando que algún día el tiempo se hiciera cargo del fin y mientras tanto seguir jugado a hacer feliz a la otra persona. Faena arriesgada ya que el dolor no es menos y lo peor es que luego ya no se puede sentir.


En el mundo del amor las personas van creando corazas en el corazón después de cada herida, a veces a tal nivel que ya se convierte en una mortaja. Y aunque el llanto es amargo, piensa en los años que se tiene para vivir. La tristeza pasa, el corazón sana y el amor se transforma.




American pie - Don McLean.






¿Cuándo fue el "día en que la música murió"? ¿Quiénes son el rey, la reina y el juglar? ¿Cuál es el dulce aroma que perfuma el aire donde los sargentos tocan al compás de una marcha? ¿Por qué Satanás ríe con placer? ¿De quién se despide el coro cuando canta "Bye-bye, Miss American Pie"?


Esos son apenas algunos de los misterios en la críptica letra de la clásica canción "American Pie", de Don McLean, que los amantes del rock y pop han estado tratando de interpretar durante más de cuatro décadas.
El significado de 'American Pie' es que nunca tendré que volver a trabajar
Don Mclean
Según algunos, el tema –catalogado por algunos como la "Canción del Siglo"– describe la historia del rock durante su período más inspirado y turbulento.
Y esto podría confirmarse, o desmentirse, luego de que este martes se subastara en Nueva York el manuscrito original de 1971, el que incluye 16 páginas en el puño y letra de McLean, con versos alternativos y sendas anotaciones.
El manuscrito estuvo olvidado y escondido en una caja en la casa del autor durante 43 años.
Y se vendió este martes por US$1.205.000.
El himno de una generación
Más allá del valor del documento mismo, para los aficionados de "American Pie" hay un tesoro más valioso: los borradores, sin editar, revelan el proceso creativo detrás de la canción "de principio a fin", según Tom Lecky, de la casa de subastas Christie's.




"Se ven grandes momentos de inspiración, se le ve intentando cosas que no funcionaron. El camino que tomó inicialmente y que después no quiso seguir", explicó Lecky.
"Esas palabras que todos conocemos tan bien no estuvieron fijas al comienzo", destacó.
Se ven grandes momentos de inspiración, se le ve intentando cosas que no funcionaron. El camino que tomó inicialmente y que después no quiso seguir
Tom Lecky, Casa de Subastas Christie's
Y aunque durante años Don McLean mantuvo silencio respecto al mensaje y significado de su más famosa canción, el cantante manifestó recientemente que "el escrito y las letras revelarán todo lo que hay que revelar".
Pero, ¿podrá ser tan diferente a las teorías que los estudiosos de "American Pie" han arrojado todo este tiempo?
La canción es definitivamente épica y bien merece el título de "Canción del Siglo".
Sus seis versos, con el pegajoso coro intercalado, duran más de ocho minutos y, según muchos expertos, describen la historia del rock'n'roll desde sus orígenes en los inocentes años 50, su espléndido desarrollo durante los turbulentos 60 y su decadencia al entrar en los 70.
McLean combina esta cronología con su propia experiencia, enfrentado a los acontecimientos mundiales y a la transformación de las tendencias musicales que se vuelven la pista sonora de una adolescencia optimista, luego de una juventud rebelde y, finalmente, de una madurez desilusionada.
Fue así que se convirtió en el himno de toda una generación, que memorizó cada verso y los trasmitió a sus hijos y estos a los suyos, quienes ahora los tararean tal vez sin saber qué significan.
"Bye-bye, Miss American Pie, drove my Chevy to the levy but the levy was dry..."
("Adiós, señorita del Pie Americano, fui en mi auto Chevy hasta el dique pero el dique estaba seco...").
Para muchos, esos versos esconden la añoranza de tiempos pasados.
Nada es más "americano" (o estadounidense) que el pastel de manzana (apple pie), el automóvil marca Chevrolet (Chevy) y la sensación de libertad y aventura que le brindaba para ir a donde quisiera.
McLean, cantando en primera persona, se está despidiendo de todo esto porque, como dice en el sombrío comienzo del tema, fue "el día en que la música murió" ("The day the music died").
Es una referencia específica al 3 de febrero de 1959, cuando tres estrellas de la música popular murieron en un accidente de avioneta: el pionero del rock Buddy Holly, el DJ conocido como the Big Bopper, y Richie Valens, uno de los primeros latinos del rock y autor de "La Bamba".
El rock y la sociedad se transforman
La noticia de la tragedia no sólo transformó la música y a sus intérpretes, transformó el mundo de McLean y los valores con los que se crio.


Ya no es el energético potrillo conduciendo confiado en su camioneta con un clavel en la solapa y ha perdido a su novia, a quien ve bailando con otro en la danza de la escuela.
Con la pérdida de la inocencia también tambalean los íconos de su adolescencia. Elvis el "rey del rock" es usurpado por un "juglar" vestido con "una chaqueta prestada de James Dean".
Escribiste el Libro del Amor?¿Puede la música salvar tu alma mortal?
"American Pie" de Doug Mclean
"And when the King was looking down, the jester stole his thorny crown..." ("Y cuando el Rey no estaba mirando, el juglar robó su corona de espinas"), dice la canción.
Y el juglar no es otro que Bob Dylan, la "nueva voz de la generación de los 60" que en muchas canciones hace referencia al personaje bufonesco y quien, en la carátula de su álbum revelación, está vestido en una chaqueta de cuero a la "James Dean".
Entran luego en la escena, el "cuarteto tocando en el parque" ("The quartet playing in the park"), en referencia a los Beatles, a quienes también identifica como los "sargentos" en alusión al famoso álbum "La Banda del Sargento Pepper".


Este período está enmarcado por el llamado "Verano del Amor", de 1967, que impregnó el aire de marihuana, el "dulce perfume" que menciona McLean.
"American Pie" está cargada de simbología religiosa, pero eso es lo que el rock es hasta cierto punto.
Sus letras son una especie de biblia, un mantra de las jóvenes generaciones: "¿Escribiste el Libro del Amor?¿Puede la música salvar tu alma mortal" ("Did you write the Book of Love? Can music save your mortal soul?").
Son el amor y la salvación predicados por las nuevas deidades como John, Paul, George, Ringo y otros en respuesta a la guerra institucionalizada por los gobiernos en el poder, la brutalidad de la policía, la violencia politizada.
El diablo y su séquito
Pero donde hay dioses, también hay demonios y agentes del infierno.


Y con eso se abre el telón sobre Jack Flash: nada más y nada menos que Mick Jagger y los Rolling Stones que, en esa época tenían éxitos titulados "Jumpin' Jack Flash" y "Simpatía por el Diablo".
En diciembre de 1969, los Rolling Stones dieron un concierto gratis cerca de San Francisco, para toda esta "generación perdida en el espacio" ("A generation lost in space") que se tornó violento.
El conjunto contrató al rudo grupo de motociclistas Hell's Angels (los Ángeles del Infierno) para mantener el orden del público. Uno de ellos terminó matando de una puñalada a un espectador mientras Mick Jagger cantaba en el escenario envuelto en una diabólica capa roja.
Ningún ángel nacido en el infierno pudo romper ese hechizo satánico
"American Pie" de Doug Mclean
"Ningún ángel nacido en el infierno pudo romper ese hechizo satánico" ("No angel born in hell could break that Satan's spell"), cantó McLean.
Para muchos observadores ese evento puso punto final al idealismo de los 60. El idealismo, tan vívidamente expresado en la música, había muerto.
La música murió, aunque no literalmente. La música rock, como todo arte, tiene ciclos que también reflejan el vaivén de la historia. Se regenera, se desarrolla, llega a su auge y luego desciende.
Pero, realmente, no desaparece. Por eso es, tal vez, que generación tras generación se reencuentra con "American Pie" y la hace suya. Nuevos artistas graban sus propias versiones, una de las más destacadas siendo la de Madonna.
Y Don McLean, a través de sus manuscritos, esta vez ofrecerá una explicación sobre el significado de su éxito discográfico que será mucho más amplia que la que había venido dando durante años, cada vez que era interrogado.
"El significado de 'American Pie' es que nunca tendré que volver a trabajar", era su respuesta.


Fuente:BBC Mundo.

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Queen - Save me.



Todas las canciones de Queen, creo que tienen muchisima fuerza y expresan de una manera espectacular lo que quieren decir, son unos músicos geniales y Freddie el mejor cantante que hay, un ídolo, una leyenda del rock, te hacen sentir el dolor, llorar, reir... sentirte totalmente identificado.
Escribía para hablar de una canción en particular: Save Me. Como bien dije, todas me expresan algo, pero Save Me, su letra expresa el dolor de alguien que no sabe cómo una relación puede llegar al punto de preguntarse "¿fue desperdiciado todo ese amor?", cosa que muchas veces me pregunté también yo. Aparte, es impresionante la fuerza, con las ganas que dice "sálvame, no puedo enfrentar esta vida solo", y quién no tuvo ganas más de una vez de decir "aquí hay un alma para alquilar o rentar", tiene una letra hermosa, pero creo que si no la cantara Freddie y Queen no sería lo mismo, son ellos los que trasmiten todos esos sentimientos, es impresionante... simplemente magnífico.
Save Me es una canción que muestra a alguien hundido en un profundo dolor y que busca a aquella persona que le prometió amarlo para que lo salve. Cuando dice que está desnudo ("I´m naked and I´m far from home") da a entender cuán solo se encuentra. Esta canción es una obra de arte.

Mas allá del significado de la letra (bastante simple y claro en este caso), escuchar una canción de Queen de este tipo, me produce un estado de elevación difícil de describir. No cabe duda que el lenguaje musical (las melodías, los coros angelicales, las complejas e inextricables armonías) posee la virtud de penetrar lo mas profundo del espíritu. Aunque se precisa mucho para lograr tal cosa. Queen logra esto como ningún otro grupo.
Escuchar un gran tema de Queen es quedar, de pronto, inmerso en un mágico e intemporal refugio. Refugio que nos separa, por inmensurable sima, de las vulgaridades y sin sentidos del mundo. Un paréntesis en el cual cesa la lógica de los procesos mundanos, un "sin tiempo" que, en mi caso al menos, es el oxígeno del alma. Algunas veces un buen libro nos depara un goce similar, rescatándonos por un momento de los oscuros dédalos cotidianos.
Si hasta en Save me, Freddie pareciera ser cualquier cosa menos humano, con una voz angelical que tal vez ni la lira de Orfeo podría igualar.
Aparte de que, "Save me" posee un mensaje imperecedero: siempre necesitamos de un otro que nos salve. ¿Qué sería de nosotros si a cada paso que damos en nuestra vida no apareciera siempre alguien que nos rescata?, tal vez sin darnos cuenta, pero creo que, secretamente, siempre hay un otro que nos salva, y por eso sobrevivimos hasta hoy.
Todos sentimos en algún momento lo que sentía Dante al inicio de la Divina Comedia "me encontraba solo en una oscura selva, suyo solo recuerdo evoca su pavor y temor a la muerte". Save me, es esa imperecedera llamada hacia alguien que nos rescate de esa "selva oscura".


Los mocosos -Los piojos.




Este es un tema que habla de las estaciones de trenes y los pibes que piden plata, donde se los ve a veces drogándose acabando con su futuro. Es, probablemente, el tema que mas identifica a Los Piojos con sus fanáticos.

"En la tierra del ruido y la prostitución,y las calles mugrientas, con mercados hambrientos que perforan la estación como largas culebras...", describe un poco como son las estaciones y como es viajar en tren. Prostitutas en algunos lugares, ruidos de autos, gente apurada, y los negocios en las estaciones.

"Los mocosos se trepan y se van hacia el sol, en los trenes de piedra", los pibes que viven en la calle y no tienen donde ir, andan pidiendo plata en las estaciones y arriba del tren.

"Me pregunto porqué esa gente no ve detrás de los ventanales, los mocosos se trepan y se van hacia el sol a buscar a sus madres, los mocosos se trepan y se van hacia el sol, a buscar a sus mamás", critica a las personas que parecen estar ciegas en su mundo, y no ven el problema que hay frente a sus narices ignorándolo y sin hacer ningún esfuerzo por ayudar.

"¿Creíste estar en su lugar?" Es una pregunta con un poco de doble sentido, diciendo que siempre hay gente que está peor que uno.

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TODO CAMBIA.

""Julio Numhauser""" compuso la canción Todo cambia luego de tener que irse de Chile. La canción transmite con imágenes de gran belleza sus emociones en el exilio frente al cambio, al punto de escribir un poema de validez universal. La letra llama a aceptar el cambio, como algo natural, pero también a preservar los sentimientos y valores profundos, así como a esperar que "lo que cambió ayer, tendrá que cambiar mañana".
MERCEDES SOSA LA CANTO Y LA HIZO POPULAR ACA EN ARGENTINA A fines de la década del 70, la Junta Militar estaba implementando una política de represión que cobraría la escalofriante cifra de 30 mil desaparecidos políticos, MERCEDES luego de ser detenida durante un concierto en la ciudad de la Plata junto a 350 espectadores, debió exiliarse.

"""EN SINTENSIS, TODO CAMBIA MENOS EL AMOR A LA PATRIA""""

Pero no cambia mi amor
por más lejos que me encuentre.
Ni el recuerdo ni el dolor
de mi pueblo, de mi gente.



TODO CAMBIA DE JULIO NUMHAUSER

Esta canción fue  compuesta por el chileno Julio Numhauser exhiliado en Okar, un pueblo de Suecia, tras el golpe de estado de Pinochet, en 1973. Julio Numhauser fue fundador del grupo Quilapayun y su canción ha sido interpretada por un buen número de cantantes pero quién ha popularizado la misma es Mercedes Sosa. Se incluyen aquí la versión original de Numhauser y la interpretación de Mercedes Sosa y Rosario


La versión más conocida, la interpretada por Mercedes Sosa.


TODO CAMBIA

Cambia lo superficial.
Cambia también lo profundo.
Cambia el modo de pensar.
Cambia todo en este mundo.


Cambia el clima con los años.
Cambia el pastor su rebaño.
Y así como todo cambia,
que yo cambie no es extraño.

Cambia el más fino brillante
de mano en mano su brillo.
Cambia el nido el pajarillo.
Cambia el sentir un amante.

Cambia el rumbo el caminante,
aunque esto le cause daño.
Y así como todo cambia,
que yo cambie no es extraño.

Cambia, todo cambia.
Cambia, todo cambia.
Cambia, todo cambia.
Cambia, todo cambia.

Cambia el sol en su carrera
cuando la noche subsiste.
Cambia la planta y se viste
de verde en la primavera.

Cambia el pelaje la fiera.
Cambia el cabello el anciano.
Y así como todo cambia,
que yo cambie no es extraño.

Pero no cambia mi amor,
por más lejos que me encuentre.
Ni el recuerdo ni el dolor
de mi pueblo, de mi gente.

Y lo que cambió ayer,
tendrá que cambiar mañana.
Así como cambio yo
en esta tierra lejana.

Pero no cambia mi amor,
por más lejos que me encuentre.
Ni el recuerdo ni el dolor
de mi pueblo, de mi gente.

Y lo que cambió ayer,
tendrá que cambiar mañana.
Así como cambio yo
en esta tierra lejana.

Cambia, todo cambia.
Cambia, todo cambia.
Cambia, todo cambia.
Cambia, todo cambia.



Es lamentable e injusto que no se diga que en 1920 Don Alfonso Carrizo catamarqueño hizo la recopilación de este estilo que se cantaba en la época popularmente...es probable que Julio se haya llenado de plata con los derechos y está bien porque la música es de él pero la letra no es de él...es un choreo total del estilo escrito en los libros de Carrizo muchísimo antes del 74...es más don Alfonso murió en 1957...lean la letra original y sean honestos...

Muda la vana esperanza (estilo)
Recopilación: Juan Alfonso Carrizo

Muda la vana esperanza
muda todo lo profundo
de modo que en este mundo
todo presenta mudanza
Muda el fiel de la balanza
muda el clima de los años
muda el agua desde antaño
por su vertiente menuda
Y así como todo muda
que yo mude no es extraño

Muda el más fino diamante
de mano en mano su brillo
muda el nido el pajarillo
muda el pensar un amante
También muda el navegante
su rumbo con mucho amaño
y con disgusto tamaño
muda de traje una viuda
Y asi como todo muda
que yo mude no es extraño

Muda en el agreste llano
su guarida el bayo puma
mudan los mares su espuma
muda cabello el anciano
Muda la planta en verano
sus hojas sin grave daño
muda el pastor su rebaño
para ver si dios lo ayuda
Y así como todo muda
que yo mude no es extraño

Muda el sol en su carrera
cuando la noche no existe
muda el campo y se reviste
de verde la primavera
Muda de pelo la fiera
muda de color el pan
muda el niño ante el regaño
que en su amor vierte la duda
Y así como todo muda
que yo mude no es extraño.

Juan Alfonso Carrizo




Fuente:"EDUCACIÓN PARA LA SOLIDARIDAD" otra mirada hacia la educación.

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Libre - Nino Bravo.

No falta en la listas de reproducción de cualquier fiesta que se precie. La hemos cantado en multitud de ocasiones; su letra y melodía inspiran alegría, libertad e incluso exaltación. Pero una de las canciones más exitosas de la música española, «Libre» de Nino Bravo, esconde también una triste historia en su origen.

Debemos trasladarnos hasta el corazón de Europa. Corría el año 1962 cuando el recién estrenado muro de Berlín cobraría su primera víctima y probablemente la más notoria.

Peter Fechter era un obrero de la construcción alemán que -cansado de esperar- un día intentó escapar de la República Democrática Alemana junto con su amigo Helmut Kulbeik.

Ambos habían tramado un plan para esconderse en un taller de carpintería cerca del «muro de la vergüenza» donde observarían a los guardias y después saltarían desde una ventana en el momento adecuado hasta el llamado corredor de la muerte (un espacio entre el muro principal y un muro paralelo que recientemente se había empezado a construir). Si todo salía bien, correrían por este corredor hasta una pared cercana al checkpoint Charlie, en el distrito de Kreuzberg en Berlín occidental.

Pero su aventura no tuvo un final feliz, al menos para Fechter, que al tratar de escalar la pared final fue avistado y disparado por los guardias, cayendo de nuevo en el lado este. Estuvo gritando y desangrándose durante cerca de una hora, pero no recibió ayuda médica de ninguna de las partes, que tenían miedo a posibles represalias.

Tras la reunificación alemana, se construyó un monumento en su honor y el de las otras 270 personas que perdieron su vida tratando de buscar la libertad. Una libertad que también supo dedicar Nino Bravo a nuestro amigo Peter Fechter.



Born in the USA – Bruce Springsteen



Si escuchas esta canción, pensarás que es un himno al orgullo americano al orgullo estadounidense, pero la realidad es que la gente escucha lo que quiere escuchar y que lo que quiere creer, la canción fue realmente creada para mostrar como eran tratados los veteranos de la Guerra de Vietnam cuando regresaban a casa.

Esta canción es la antítesis de el sueño americano la canción captura los sentimientos de la clase trabajadora en una América post-Vietnam.

El mismo Bruce Springsteen comenta que el protagonista de esta canción es un ciudadano aislado del gobierno, aislado de su familia hasta el punto en el que nada tiene sentido.


Total Eclipse of the Heart - Bonnie Tyler





Es sin duda alguna, una de las canciones más famosas de la década de los ochenta. Además de la versión original interpretada por Bonnie Tyler, esta composición ha sido traducida a varios idiomas y siguen realizándose numerosas versiones de este clásico año tras año.
La historia que se narra en esta canción se encuentra contada por una mujer que sufre, en demasía, las consecuencias de una ruptura amorosa. La soledad y los recuerdos de lo que vivió con aquella persona especial en el pasado siguen atormentándola. Ahora, únicamente le pide que se dé la vuelta a mirarla nuevamente como lo hizo anteriormente; no obstante, ella sabe que esto nunca ocurrirá porque se ha presentado un eclipse total en su corazón donde ella jamás podrá volver a brillar para los ojos de él.
En la mayoría de las estrofas es recurrente el verso "Turn around" (Date la vuelta), el cual es interpretado por una voz masculina. Esta frase podría contar con dos interpretaciones: 1) la narradora le pide a la otra persona que vuelva a mirarla nuevamente como antes lo hacía o 2) una petición de su ex pareja —incluso se escucha la voz de un varón— para que la protagonista dé la media vuelta y deje de insistirle.
A continuación se comenzará con el análisis de cada una de las estrofas omitiendo estos versos intercalados que ya se han explicado en el párrafo anterior. En la primera estrofa, la narradora expresa cuál es su estado actual, ella se siente bastante solitaria y esto se agrava cuando recuerda que él —su antigua pareja— nunca volverá a su lado. La soledad la agobia en demasía y la tiene envuelta en una profunda depresión en donde ella ya se ha cansado de llorar y de "escuchar cómo caen sus lágrimas".
Además de la soledad, los recuerdos son los principales enemigos de la narradora, ya que le hacen creer que los mejores años de su vida se han ido para siempre y que ahora sólo le esperan años de sufrimiento rememorando todo lo acontecido. Estas crisis se agravan en el momento en que ella recuerda cómo la miraba aquella persona especial con sus ojos brillantes, cosa que es lo que —realmente— la hace derrumbarse ante la idea de que las cosas han cambiado y que no podrán ser como antes.
En la segunda estrofa, la protagonista cuenta que, constantemente, se encuentra inquieta y que sueña con atreverse a hacer algo "salvaje", cosa que podría ser entendida como su deseo de regresar a pedirle que retomen su relación. Ella se siente abatida y desvalida, pero al mismo tiempo siente furia y miedo por todo lo que ha ocurrido. Tiene miedo de poder rehacer su vida, se siente furiosa porque —seguramente— ella fue la causante del rompimiento y desvalida porque no hay nada que pueda hacer para remediar lo ocurrido.
Ya en el coro, la dinámica de la canción cambia bastante desapareciendo la voz masculina que alternaba con algunos versos. En estas estrofas que conforman el coro, se da el quiebre emocional de la narradora, ya que confiesa que necesita que su antigua pareja regrese a su lado esa misma noche; incluso menciona que lo necesita más que antes. Esto, seguramente, a que con la distancia y el sufrimiento se ha percatado que él era realmente valioso para ella.
Ella le comenta que si él decide abrazarla una vez más, esto será para siempre, esto no sería ningún error, ya que están destinados a pasar el resto de su vida juntos. Estos versos permiten apreciar cuál es la concepción que tiene la narradora de la situación, da a entender que se trataba de una relación idílica, únicamente faltaría obtener la visión del otro individuo implicado para poder contrastarla con la de la protagonista, pero si él no ha decidido aceptarla nuevamente podría tener motivos para no hacerlo.
Asimismo, la protagonista menciona que el amor que sigue sintiendo hacia él se hacia él se ha convertido en una sombra que la rodea a todo momento. Se ha obsesionado y desea, fervientemente, regresar a su lado y los mismos recuerdos la conducen a esta especie de crisis de ansiedad donde ella no sabe qué hacer a continuación y siente que vive en una continua obscuridad. Todo esto queda sintetizado en el último verso de una de las estrofas del coro: "We're livin' in a powder keg and givin' off sparks" (Estamos viviendo en un barril de pólvora que está haciendo chispas), ambos se encuentran en un estado de cierta pasividad afectiva y únicamente basta una chispa para que el amor que profesaban el uno hacia el otro pueda reactivarse.
La narradora continúa insistiendo que desea verlo esa noche, si él acepta esa noche escribirían el primer día del "para siempre", ya que no volvería a cometer los errores de antaño. No obstante, se da a entender la negativa por parte de él, ya que la protagonista cambia por completo el sentido de los siguientes versos de la canción dando a entender que alguna vez ella estuvo completamente enamorada, pero ahora se cae en pedazos sin poder hacer nada para solucionarlo. En su corazón se ha presentado un eclipse eterno que le impide volver a amar, pero que deja ver un pequeño halo de luz que le recuerda el amor que añora y le atormenta, a la vez. Alguna vez tuvo para ella toda esa luz que se deja entrever, pero ahora sólo quedan los recuerdos: "Now there's only love in the dark" (Ahora sólo hay amor en la obscuridad).
Una última estrofa continúa expresando la melancolía de la narradora ante la imposibilidad de recuperar lo que perdió debido a ese eclipse total y absoluto que se presentó en su corazón. Ella valora que su antigua pareja fue la única persona capaz de valorarla y apreciarla por lo que realmente es, por esto mismo ella lo sigue teniendo en una alta estima donde, incluso, ella estaría dispuesta a darlo todo por él. La canción concluye con varias súplicas de que aquella persona con los ojos brillantes dé la media vuelta para mirarla nuevamente.

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"Johnny B. Goode"

"Johnny B. Goode" es una canción escrita e interpretada por Chuck Berry en 1958. Forma parte del disco Chuck Berry is on Top publicado en 1958.
Es considerada por muchos criticos musicales como una de las primeras canciones de rock and roll puro de las que se tiene constancia.

La canción puede interpretarse como la versión musicalizada en rock and roll del sueño americano ya que nos relata la historia de un joven de campo que vive en la pobreza y tiene el sueño de convertirse en una estrella a base de arduo esfuerzo y su destreza tocando la guitarra (como dice el tema, el joven podia "tocar una guitarra como si fuera una campana")

Aunque en varias partes de la letra se puede notar un toque autobiográfico, Berry ha mencionado tambien que parte de la inspiración tambien vino de Johnnie Johnson que era el pianista y compositor en varias canciones del musico estadounidense que fue influencia en muchas bandas de rock que vinieron con el tiempo.
Se dice que Johnson estaba algo "pasado de copas" junto a Chuck Berry y que en esa junta el guitarrista le respondía siempre a su amigo con la frase "Johnnie be good". Al acordarse de esas llamativas palabras, empezó a escribir la canción.
A pesar de que Johnny Johnson colaboró en ideas para este tema junto a Chuck Berry, quien tocó el piano en la grabación fue Lafayette Leake, se deconoce el por qué no participó Johnnie.

Chuck ha dicho que al principio escribio el tema con la frase 'coloured boy' ( en español "chico de color") en vez de 'country boy' (que viene siendo "chico del campo"), pero los hermanos Chess (que eran los productores del disco) decidieron que eso no vendería y tambien podria traer problemas raciales lo cual traeria la censura en los medios.
Otro dato sobre el tema: Como una posible fuente para el apellido del personaje de la canción, se ha señalado que viene del lugar donde nació Berry, especificamente Goode Avenue en St. Louis.

El sonoro riff de guitarra que se escucha en la apertura de "Johnny B. Goode" puede ser considerados como uno de los riffs más famosos de la historia de rock and roll. Es esencialmente basado en el riff de una canción de Louis Jordan's publicada en 1946 titulada "Ain't That Just Like a Woman" que fue interpretado por el guitarrista Carl Hogan.

Este clasico del rock and roll fue elegida como uno de los logros más grandes de la humanidad dentro de la colección de obras culturales que se mandaron en la sonda espacial Voyager I.
Además, esta canción fue colocada en el puesto 7 dentro del ranking de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, según la perspectiva de la revista Rolling Stone, y el puesto número uno en la lista de Las 100 canciones de guitarra más grandes de todos los tiempos, hecho por la misma revista.

De hecho ,consciente de la importancia de la canción a su fama y su imagen como musico, Berry ha escrito dos canciones sobre su personaje Johnny, "Bye Bye Johnny" y "Go Go Go", hasta le hizo un álbum instrumental titulado como "Concerto in B. Goode".

Otra de la apariciones clasicas de esta canción es la que se hizo en la famosa pelicula Regreso al futuro, donde el personaje principal Marty McFly, interpretado por Michael J. Fox, tocó esta canción en un baile de instituto de manera magistral. De hecho en la cinta se infiere que fue McFly quien inspiró a Chuck Berry ya que mientras tocaba un musico llamaba a "Chuck" para contarle el nuevo sonido que estaba deleitando sus oidos. En ese tono humoristico se da a conocer que el nacimiento de los ritmos siguientes de las piezas de rock, y eventualmente la aclamada Johnny B. Goode vienen del protagonista y con el sentido que la película imprime, o sea al concepto de los actos y consecuencias a través del viaje en el tiempo.



DO YOU REMEMBER ROCK'N'ROLL RADIO? / THE RAMONES
"Do You Remember Rock 'n' Roll Radio?" es una canción de la banda de punk-rock The Ramones. Esta canción escita por Joey Ramone fue el segundo sencillo lanzado para promocionar el disco End of the Century de 1980.
Lo que mas llamó la atención entre le publico fiel a la banda fue el radical cambio de sonido que trae esta pieza. Esto se debe en parte a un intento de alcanzar el éxito comercial con la labor de su nuevo productor, el famoso Phil Spector.

Esta banda que conquistó el mundo con sus canciones de tres acordes se fue en una experimentacion mas compleja en "Rock 'n' Roll Radio" basandose en muchas canciones pop de la década de los 50 que la banda creció escuchando. The Ramones le intentaba devolver al rock and roll sus raíces más básicas dejando de lado los movimientos de finales de la decada de los 60's con el rock Psicodelico y los inicios del pop setentero.

La letra de la canción es una referencia al por qué formaron una banda de este estilo musical y ademas se da el lujo de mencionar muchas de las influencias juveniles de miembros de la banda como: John Lennon, Jerry Lee Lewis y The Beach Boys. Otra de las ideas que plantea la letra es que el rock and roll siempre esta cambiando y que eso hace que no desaparesca.

Musicalmente se utilizaron junto con la guitarra, batería y el bajo, un piano, trompeta, trombón y saxofón. Al igual que en esos clasicos del rock & roll de 1950, el saxofón es el principal instrumento en lugar de la guitarra.
La apertura y el cierre de la canción muestra una emisora de radio de una sintonía de rock 'n' roll.

Esta canción es una de las mas famosas de la banda oriunda de Queens y se ha convertido en una de sus piezas mas perdurables. Cuando era ejecutada en vivo, la parte del saxo era reemplazada por una gran parte de bajo.

Debido a su exito y en homenaje a esta canción de los Ramones, en el año 2005 fue creado un programa de radio llamado "Rock 'n Roll Radio" en la radioemisora WESU Middletown bajo el dial 88.1FM, que es una radio del estado de Connecticut en "yanquilandia".
Otro dato sobre este temazo es que en los partidos del club español Alavés (actualmente en la segunda división) se coloca esta canción por los parlantes del estadio de Mendizorroza mientras ruda la pelota por el cesped.

Existe tambien una varsión hecha por los "enmascarados" de Kiss, la cual aparece en el álbum homenaje de los Ramones We're a Happy Family: A Tribute to the Ramones.

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CARUSO -LUCIO DALLA.

La canción está inspirada en la muerte del gran tenor italiano Enrico Caruso, y habla del dolor y los anhelos de un hombre que, estando a punto de morir, mira a los ojos a una niña muy querida para él.

Según explicó Lucio Dalla en una entrevista publicada por Il Corriere della Sera,3​ la canción se inspiró en las historias sobre la muerte de Enrico Caruso que le contaron los propietarios de un hotel de Sarrento en el que se alojó una vez que se vio obligado a hacer una escala allí con su barco. Dalla pasó la noche en la misma habitación en que, muchos años antes, Caruso había pasado algunos de sus últimos días. Los propietarios del hotel le hablaron de la pasión que por aquel entonces Caruso sentía por una joven a quien le estaba dando lecciones de canto. Enrico Caruso, una gran leyenda de la ópera, era uno de los más grandes y más buscados después de los cantantes durante finales de los 19 y principios del siglo 20. Vivió una vida muy difícil y bastante infeliz que se hayan registrado muchos desafíos y problemas con los teatros de ópera italianos, pero ganó más fama y el éxito en los Estados Unidos.

Él nació en una familia muy pobre en Nápoles. Él estaba a menudo involucrado con las mujeres y tuvo varios amoríos con mujeres casadas prominentes en las artes escénicas. Estos amores a menudo terminaban mal. Con Ada Giachetti (su más apasionada y más larga historia de amor) que ya estaba casado, tenía dos hijos, pero al final ella lo dejó por su chofer. Entonces conoció y se casó con una mujer 20 años menor que él, Dorothy Parque Benjamin, sólo unos pocos años antes de morir, a quien Lucio Dalla describe en esta canción "Caruso". Con ella tuvo una hija llamada Gloria.

Guardò negli occhi la ragazza quegli occhi verdi come il mare
Poi all'improvviso uscì una lacrima e lui credette di affogare
Te voglio bene assaje ma tanto tanto bene sai

En la canción que dice "Surriento", en el dialecto napolitano que significa Sorrento. Es el lugar donde pasó muchos días en la convalecencia antes de que finalmente murió en Vesuvio Hotel en Nápoles. La música y las palabras del estribillo

Te voglio bene assaje
ma tanto tanto bene sai
è una catena ormai.
che scioglie il sangue dint'e vene sai...

se basan en una canción napolitana, titulado "Dicitencello vuje", publicado en 1930 por Rodolfo Falvo (música) y Enzo Fusco (texto) por escrito de acuerdo con la mejor tradición de la napolitana "romances" con un estilo operístico fuerte.

En un italiano puede decir "Ti voglio bene" a cualquier miembro de la familia o un amigo cercano, pero la frase se utiliza rutinariamente hacia el amor romántico de uno. Las palabras exactas de la canción son: "Te voglio bene assaje, del tanto ma beneficio del tanto sai" y son, en dialecto napolitano, es decir: Te quiero mucho. Muy mucho, ¿sabes? "Seguido por las líneas:". Hemos formado un (cadena) de bonos a estas alturas, que se deshiela la sangre en mis venas, ya sabes "




HISTORIA DE LA CANCION "CARUSO"- La primera y original versión de esta canción fue escrita y cantada por Lucio Dalla, que dedicó esta canción a Caruso después de haber estado en Sorrento y haber quedado impresionado por la belleza de esta ciudad.
A Lucio Dalla se le estropeó el barco y en Sorrento solo había disponible el lujoso apartamento en el Grand Hotel Excelsior Vittoria, donde Caruso vivió los dos últimos meses de su vida y donde se conservaban intactos sus libros, sus fotografías y su piano.
Angelo, que tenía un bar en el puerto le contó esta historia ... y él nos la regala con música. Caruso estaba enfermo de cáncer en la garganta y sabía que tenía los días contados pero eso no le impedía dar lecciones de canto a una joven de la cual estaba enamorado. Una noche de mucho calor no quiso renunciar a cantar para ella que lo miraba con admiración, así que, aún encontrándose mal, hizo llevar el piano a la terraza que daba al puerto y empezó a cantar una apasionada declaración de amor y sufrimiento. Su voz era potente y los pescadores, oyéndole, regresaron al puerto y se quedaron anclados bajo la terraza. Las luces de las barcas eran tantas que parecian estrellas o quizás las luces de los rascacielos de Nueva York... Caruso no perdió las fuerzas y siguió cantando sumergiéndose en los ojos de la muchacha apoyada al piano. Esa noche su estado empeoró. Dos días más tarde, el 2 de agosto de 1921, moría en Nápoles. Esta canción narra el drama de esa noche... con luces y sombras del pasado... con muerte y vida...
un hombre enfermo que busca en los ojos de la muchacha un futuro que ya no existe...
un testamento de amor... este fue su último concierto... y este fue su excepcional público... el mar, las estrellas, los pescadores, las luces de las barcas y su amada...
Fuente:nuevopatio.blogspot.com

MUJER AMANTE -RATA BLANCA.

Rata Blanca es una banda de heavy metal proveniente de Argentina, formada en el año de 1985. La banda tiene una amplia trayectoria y una larga historia; pero en esta ocasión nos centraremos en una de sus más populares canciones, "Mujer Amante", y es que ésta canción es una de las favoritas para dedicar en términos románticos, pero ¿realmente saben qué significa la letra? ¿están seguros de que está canción fue compuesta por Adrían Barilari y Walter Giardino para un "one night stand" del cuál un hombre terminó enamorado y deseoso de encontrar a esa misteriosa mujer que lo conquistó, dejando en él lujuria total?

Si leemos bien la letra de la canción, para nada es eso, incluso la misma letra nos da pistas sobre lo que realmente trata, con frases como "Haz que mi sueño sea una verdad. dame tu alma hoy, haz el ritual. llévame al mundo donde pueda soñar... Corazón sin dios, dame un lugar en ese mundo tibio, casi irreal... dame un lugar en ese mundo tibio, casi irreal."

Pero en realidad, la letra de la canción sugiere que la mujer de la que se habla es un súcubo, éste de acuerdo a las leyendas medievales occidentales, es un demonio que toma la forma de una mujer atractiva para seducir a los varones, sobre todo a los adolescentes y a los monjes, introduciéndose en sus sueños y fantasías. En general son mujeres de gran sensualidad y de una extrema belleza incandescente. La apariencia de los súcubos suele pintarse casi universalmente como seductoras mujeres desnudas o con ropas muy pequeñas y reveladoras, con una belleza no terrenal, a menudo con alas demoníacas. De vez en cuando, se les dan otros rasgos demoníacos, como pueden ser los cuernos, una cola con una punta terminada en triángulo, ojos de serpiente, colmillos, serpientes enrolladas a su cuerpo, entre otras. A menudo, simplemente aparecen en los sueños como una mujer atractiva y desnuda de la que la víctima no puede deshacerse ni olvidarla, incluso después de despertar.

Así que antes de dedicar ésta famosa canción, piénsalo dos veces, y si es a vos a la que se la están dedicando, analiza bien lo que están tratando de decirte.


Fuente Gaby Diaz,MetalSV.

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Sia Kate Isobelle Furler pero conocida mundialmente por ser SIA y  su bellisima voz. Todos admiran esa manera de romper la voz al cantar casi como que es su sello personal por mas que much@s quieran hacerlo jamas se parecerá  a su estilo. :smile:
Cantante, Empresaria, compositora, productora, Diseñadora.
Es Mezzosoprano lírica.
Canta:Pop, dream pop, indie pop, electrónica, trip hop, jazz, Alternativo y seguramente buceara  otros generos porque esa voz puede todo.
Ademas de ser una de las cantantes mas famosa de los últimos 5 años, su historia y canciones guardan  mucho de su vida  y ha podido superar momentos muy tragicos y difíciles en su vida.Hoy elige tapar su bello rostro porque se manifesta en contra de la fama de hecho hay letras de sus canciones donde la manifiesta,


Alcoholismo y Suicidio: Sia - Chandelier
"Ante todos los miembros de la familia humana, independientemente de la religión que profese, se alza el enorme reto de ayudar a la humanidad a hacer frente al serio y tan extendido problema del alcoholismo con valentía, confianza y esperanza."  San Juan Pablo II. 22 de junio de 1984


Desde hace algunos días tengo esta canción pegada y no me la podía quitar de la cabeza, así que se me ocurrió escribir este artículo.

Chandelier (Candelabro de Techo), es una canción de Sia (Sia Furler), cantante australiana que con el álbum 1000 Forms of Fear (Mil Formas del Miedo) llegó al número 1 en ventas en Estados Unidos, habiendo estado con sus dos álbumes anteriores en el puesto 26 en 2008 y en el 37 en 2010. Lleva 291 millones de visitas en YouTube.

En honor a la verdad no tenía idea lo que realmente decía la letra, no la había escuchado detenidamente. Vi el video clip donde aparece una niña bailando de forma extraña y no entendí nada. Así que decidí interiorizarme en la cantante y en su canción.

Tras leer la letra creo haber entendido el tema detrás de la misma, su significado, a la vez el video ahora me parece espectacular, demasiado acorde con la letra de la canción cuya letra es un canto desesperado de una persona que está contemplando suicidarse para encontrar ayuda.

Este nuevo conocimiento me llevó a comprender la trascendencia de la canción y el video, considero que son un triunfo y que ojalá este artículo lleve a otros a lo que yo encontré, y que viéndolo nuevamente me emocionó hasta las lágrimas.

Siendo una canción tan popular me imagino que tal vez la has escuchado antes, o que tus hijos la han escuchado y siguen cantándola. tal vez leer esto te ayude a comprender el significado de la letra, a lo mejor así podrás comentarla con ellos y sacar algún buen fruto.


Si no has visto el vídeo, entendido o escuchado la canción, te recomiendo verlo ahora, luego leer lo que escribo y terminar viéndolo por segunda vez.
Sobre la cantante: Sia Furler pasó por un periodo de alcoholismo y drogodependencia farmacológica. Luego logró salir de ella y ha escrito canciones para un gran puñado de los artistas más reconocidos en los últimos tiempos (Rihanna, Beyonce, Eminem, etc., etc.), y para sus propio álbumes. No me detengo en esto porque no es tan importante. Alcohólica, drogadicta, logró salir gracias a Alcohólicos Anónimos, entre otras cosas. Cree en un ser superior, un Dios no cristiano, según tengo entendido.


Sia nos canta sobre el vacío existencial, el cual suele ir de la mano con el deseo de suicidio. No he leído a nadie que trate mejor este tema que Viktor Frankl. En su libro Ante el vacío existencial (editorial Herber), cuenta que en una estadística de una Universidad en que se tomaba por muestra a 60 alumnos que habían contemplado el suicidio, o lo habían intentado, el 85% de ellos intentó suicidarse porque no encontraban ningún sentido a sus vidas. El 95% de ellos tenía buenas notas y salud física y psíquica, en sus relaciones afectivas, familiares, financieras, todo bien... pero ¿para qué? "...la voluntad de sentido es una motivación sui generis, que ni puede reducirse a otras necesidades ni puede derivarse de ellas", nos escribe Frankl, esa voluntad de sentido, en definitiva, no se encuentra en cualquier parte.

Uno de los conceptos principales del psiquiatra es el de la "autotrascendencia de la existencia humana", explicando que "en todo momento el ser humano apunta, por encima de sí mismo, hacia algo que no es él mismo, hacia algo o hacia un sentido que hay que cumplir, o hacia otro ser humano, a cuyo encuentro vamos con amor. En el servicio a una causa o en el amor a una persona, se realiza el hombre a si mismo." Pero qué pasa cuando la persona ya no encuentra sentido a su vida.

Nosotros estamos "programados" para dirigirnos hacia Dios, si ponemos la mira en otros caminos que no tiendan a esa trascendencia que nos lleve a la Verdad entonces podremos encontrarnos con un vacío existencial, sin un objetivo real nos desperdigamos y podemos terminar en cualquier parte, haciendo cualquier cosa, como por ejemplo con una depresión mayor llegando incluso a contemplar el suicidio, cayendo antes, no siempre, en el alcoholismo o en las drogas.

Una lectura esencial para todo católico la encontramos en Santo Tomás, aquí "¿En qué consiste la bienaventuranza del hombre?" en su Summa Teológica. De la mano encontramos "al escritor del siglo XX", Chesterton, cuando decía que en el momento en que el hombre deja de creer en Dios, comienza a creer en cualquier cosa, que se puede entender también como buscar la felicidad en donde jamás se encontrará, tal como los explica el buey mudo:en los honores, en la fama o en la gloria, en el poder, en algún bien del cuerpo, en el placer, etc.

La relación del católico y el suicidio está más lejana que en otras creencias, podemos pensar en la idea del Core Belief del psiquiatra Aaron Beck, aplicándola al católico, bien formado, quien tiene una serie de creencias que forman su núcleo fundamental de pensamiento, que normalmente no cambian con el tiempo y quedan fijadas durante su formación, entre ellas encontramos que el suicidio no es una opción, solamente Dios sabe nuestro día y nuestra hora. Por lo que la contemplación del suicidio en un católico es más rara que en la de un ateo.

Siendo la música una expresión intelectual y emocional que pretende mostrarnos una realidad, en Chandelier encontramos una buena descripción sobre la vacuidad existencial que siente una persona con depresión, alcohólica y drogadicta, clamando al cielo, buscando una explicación, buscando un sentido a su vida, que se ha ido cayendo, sin valores, decayendo en la soledad y la angustia, y que solo encuentra tranquilidad tomando alcohol y drogándose, sin querer despertar de ese estado adormecido.

Revisemos la letra.

Comenzamos con el adormecimiento de la conciencia, de la realidad, "Las niñas que van de fiesta en fiesta no son lastimadas", rodeadas de otras personas y tomando y festejando piensa que tal vez así adormecerá el dolor, la vacuidad de su existencia. Ahora en la fiesta, ebria "No puedo sentir nada ¿cuándo aprenderé?", privándose de los sentidos gracias al alcohol y las drogas no siente dolor, no siente nada, pero esto no puede seguir, al día siguiente siente el remordimiento de volver a la vida, sin creer que aprenderá algo de la noche anterior. La felicidad no llega sola, y en depresión hay que buscar ayuda (ojalá encuentre a alguien que le extienda la mano.)

Ella sabe que es a la que llaman para pasar un buen rato, para lograr placeres inmediatos, cree encontrar el amor allí, pero sabe que no es cierto "Yo soy a la que "llaman para pasar un buen rato", Mi teléfono está estallando con tantas llamadas, suena el timbre de mi casa. Siento el amor, siento el amor". Lamentablemente todos sabemos que ahí no encontrará el amor.

El estribillo dice relación con un juego alcohólico, de esos en que se dice algo o se entona una canción y se toma un golpeado, luego otro, y otro "1, 2, 3, Toma, 1, 2, 3, Toma"; "Tómalos todos, arroja los vasos hasta que ya no puedas contarlos"

(Ahora el coro sobre balancearse en un candelabro de techo me recuerdo a la última escena de La Guerra de los Rose con Michael Douglas y Katheleen Turner) La referencia que hace el coro a balancearse en el candelabro es claramente una alusión al suicidio "Yo quiero balancearme en el candelabro, en el candelabro". Ya no da más en esa vida vacía, sin sentido, contempla seriamente suicidarse. "Voy a vivir como si el mañana no existiera, como si no existiera", es vivir sin responsabilidades, sin preocupaciones, es simplemente deshumanizar la vida humana. Pero ahora quiere volar, escapar "Voy a volar como un pájaro a través de la noche, sentir como mis lágrimas se van secando." Luego, seguramente en los breves momentos de lucidez "Pero me estoy aferrando a la querida vida, no miraré hacia abajo. no abriré mis ojos" por el temor a lo que verá, mirar lo que hizo la noche anterior. Y así volvemos a la rutina del alcohólico "Mantener mi vaso lleno hasta que amanezca, porque solo tengo que aguantar, pasar, esta noche."

Pero dentro de esa vorágine hay algo en ella que sabe por lo que está pasando, tanto por la frase anterior cuando dice que se está intentando aferrar a la vida, como por la oración siguiente (que es la oración que me llegó más fuerte) cuando dice "Help Me" (Ayúdame), es notable que al escuchar la canción uno puede no darse cuenta de esta frase, no escucharla o no retenerla, ya que no es una pausa para llamar la atención a la misma, esa es la idea, que pase desapercibida la petición de ayuda, como muchas veces nosotros mismos no ayudamos a otras personas porque no entendemos o escuchamos sus gritos. Y ¿A quién le dice esto? si estamos en presencia de un monólogo interno de una alcohólica que describe el momento más bajo de su vida, por su depresión y adicciones, "Ayúdame, me estoy aferrando a la querida vida."

Solo quiere pasar esta noche, noche a noche, de forma repetitiva, tal como funcionan las adicciones, solo quiere atontarse, adormecerse, emborracharse y pasar cada noche, o sobrevivir para la siguiente. Y ahora viene el momento de lucidez absoluta, el destello que nos muestra lo que realmente piensa "El sol apareció, estoy echa un desastre. Ahora tengo que escapar, tengo que correr lejos de este lugar", pero al mismo tiempo se da cuenta de lo que hizo "Ahora viene la vergüenza, ahora viene la vergüenza."

¿Qué hace un alcohólico cuando siente esa vergüenza, cuando ve que todo lo que hace está mal, cuando quiere buscar ayuda y no se atreve, donde no hay una mano amiga, un católico u otra persona que se la extienda y la saque de ese lugar, aunque ella haya rechazado esa mano mil y una vez? Pues vuelve a la rutina, rápidamente, tal vez comenzando a tomar a penas encuentra algo que poner en el vaso, a cualquier hora, y comienza nuevamente  "1, 2, 3 toma, 1, 2, 3 toma. Arrójalos los vasos hacia atrás hasta que pierdas la cuenta."

Y así termina la canción de forma repetitiva, lo que hace el mensaje de desesperación más poderoso, con "Solo quiero pasar esta noche, solo quiero pasar esta noche, esta noche, esta noche, solo quiero pasar esta noche."


Esta es la interpretación que le di a Chandelier de Sia, otras personas le darán otra, millones de interpretaciones, pero yo solo puedo interpretar el arte, las obras de arte, desde mi visión del mundo, mi visión de la realidad, que es católica.

En When a Man Loves a Woman, con Andy García y Meg Ryan, podríamos imaginar que cuando el personaje de Ryan está hablando con el de García en la casa, en una de las mejores escenas de la película (aquella en que García da vuelta la mesa y vemos la real desesperación de una persona que quiere ayudar a su esposa alcohólica pero no sabe bien cómo hacerlo), ella estaría pensando en lo que esta canción dice, y dependerá del receptor del mensaje poder captarlo e interpretarlo. Ryan nunca dejó realmente de amar a García, pero el alcoholismo es una enfermedad muy fuerte y la forma en que podemos actuar frente a estas personas que padecen de la enfermedad es variada, y sin conocimientos sobre el mal no podemos realmente ayudar.

Ahora una apreciación del video clip que parece tan perturbador a primera vista.

Una idea de C. S. Lewis, que extrañamente no recuerdo haberla leído en los libros suyos que tengo, que se la leí a Josef Pieper, es que hay dos cosas que no se encontrarán en el Infierno: Música y Silencio. No hay tranquilidad en el Infierno, lo que si se encontrará será ruido y rechinar de dientes, tal como comienza el video con ese perturbador ruido de las luces mal ajustadas.

Entramos caminando a un departamento con colores monótonos, opacos. El departamento está claramente mal cuidado, como si hubieran habido múltiples fiestas en el mismo y el dueño, o arrendatario, no se preocupara del mismo. Vemos la pintura, en sus paredes, en las puertas, todas heridas por el paso del tiempo y la apatía hacia un hogar. Cuadros viejos con tonos también algo macabros, ni siquiera están centramos, no hay simetría alguna en el departamento. El refrigerador con dibujos, típicos de los niños que ponen sus padres allí como premio, pero siniestros, puras líneas negras sin armonía, todo mal. Despersonalizado, sin fotografías, sin arreglos, detalles, propios de personas que quieren su hogar. Hongos en las esquinas, bacterias, etc. Se asemeja a esos lugares que vemos en las noticias o películas que solo sirven para que los drogadictos se inyecten.

La niña protagonista del video sería una versión joven de la cantante (supongo que demasiado joven para ir de la mano con la canción pero lo suficientemente joven para impactarnos). Su vestimenta es una malla de color piel, no tiene ropa que la identifique como una persona normal, no tiene colores o accesorios, se nos muestra desnuda. Es una joven que quiere mostrarse tal como es, nos va a confesar algo aterrador, no quiere cubrirse ni esconderse, esta es ella y esta es su historia.

Puede haberse realizado este mismo video con un grupo de gente joven tomando y drogándose, mostrando los vasos caer al suelo, vomitando, haciendo todas esas cosas que vemos en las películas cuando se excede con el alcohol, o con otras drogas. Aquí de forma inteligente decidieron mostrarnos a una niña que junto con la locación, la iluminación, el vestuario, el baile y sus expresiones nos mostrará su alma atormentada.

Así, desesperada, no puede moverse como una persona normal, no puede mirar, nunca sonríe realmente, es una marioneta. Como tal se mueve, baila, como aparece en el video, con movimientos falsos, sin una voluntad propia, se cae, se levanta, choca, intenta abrir los ojos, intenta mostrarnos como actúa con la gente, gente que ella ve y nosotros no (gente que estuvo allí con ella, recreando como actuaba para ocultar su dolor). Movimientos inhumanos, como arañas, lo que sigue la idea de Viktor Frankl cuando dice que los animales no se preguntan por el sentido de la vida, solo los humanos, y esta niña está reducida a una vida casi animal.

Si es que han visto a un alcohólico, a gente borracha, completamente borracha; que choca con las paredes; se cae y se levante; que se ríe sin que nadie sepa por qué; que se mueve de un lugar a otro; que salta de un lugar a otro; que conversa con una persona y en la mitad de esa conversación pierde interés, o se le olvida, y comienza a conversar con otra; que te interrumpe una y otra vez, etc. He ahí el secreto del video, una vida vivida como una marioneta que es controlada en realidad por el alcohol y las drogas, que se come parte, gran parte, de la voluntad de la persona, que por dentro llora, clama al cielo... "Ayúdame."

El final del video es de las mejores escenas. Una marioneta, interiormente despedazada por sus adicciones, con depresión, que sigue pensando que tal vez debería colgarse del candelabro y terminar así con su vida, se despide de nosotros con una falsa sonrisa, forzada, repetitiva, con movimientos de despedida en los que no es tan difícil ver los cables que manipulan su voluntad, levantando sus manos, y la hacen despedirse como si nada estuviera pasando, mira su sonrisa, aquí no hay nada, aquí no hay vida. Y nosotros, la cámara, nos alejamos de este espectáculo, retrocedemos paso a paso, tal vez porque no vimos más allá de su actitud rebelde, adolescente, alcohólica, o tal vez porque a pesar de ello nos engañó -o nos dejamos engañar- de que nada malo pasaba. Tal vez pensamos que si vimos su sufrimiento no era nuestra responsabilidad hacernos cargo. Las razones por la que nos alejamos poco a poco pueden ser múltiples, y puede ser que no le pase nada, o que volvamos al día siguiente y la encontremos colgada del candelabro.

Tal vez, ahora, te gustaría dejar de retroceder, correr hacia ella, abrazarla, aunque te empuje y te diga cosas para herirte, para apartarte, abrazarla, no soltarla y decirle "Tranquila, aquí estoy para ayudarte" (ojalá alguna frase más original que esa.)

Los primeros síntomas de la depresión, del alcoholismo o la drogadicción suelen ser difíciles de detectar, a la vez hay que estar instruidos en estos temas. En esta canción vemos un canto a la vida de una persona que no se puede ayudar a sí misma, que busca la ayuda de Dios. ¿Podremos ayudarla?


Tal vez ahora puedas ver nuevamente el video y encontrar algo de lo que escribí en el mismo. Todavía me estremece.

https://www.religionenlibertad.com/blog/38597/alcoholismo-y-suicidio-sia--chandelier.html

LA BAILARINA QUE LA ACOMPAÑA EN LOS VÍDEOS Y RECITALES LA HA ELEGIDO ELLA , Y HOY PARA ELLA ES COMO UNA HIJA Y SINO AQUÍ TIENEN UNA MUESTRA DEL REGALO QUE LE HA HECHO POR SU CUMPLEAÑOS.
https://www.eonline.com/ar/news/973393/mira-el-grandioso-regalo-que-sia-le-dio-a-maddie-ziegler-por-su-cumpleanos
EN ESTA CANCIÓN MUESTRA  SU FORMA DE VIVIR DESPUÉS DEL INFIERNO QUE LE HA TOCADO VIVIR.

https://www.infobae.com/tendencias/2017/02/10/sia-el-misterio-de-la-famosa-artista-sin-cara-que-odia-ser-famosa/


Aquí podrán apreciar su  talento y buen humor, una autentica Sia.





Después del accidente que mató trágicamente a su primer amor, sufrió de una fuerte depresión y adicción a las pastillas, y a través de "I'm Here" nos contaba que ya estaba bien y limpia. Tal como en I'm Here, un tema recurrente en sus letras tiene que ver con la fuerza interior que tenemos para enfrentarnos al mundo, y es así como se gestó la única canción con contenido que ha tenido David Guetta en toda su carrera; soy a prueba de balas, no tengo nada que perder. Me derribaste, pero no caeré, soy de titanio, nos dice con fuerza, mucha fuerza.


La radiografía actual de Sia es esta: aparentemente tiene terror a hacerse famosa, ya que en EEUU está todo el mundo loco por su música, sobre todo desde que la "sacaron del closet" respecto a su trabajo previo, por lo mismo todas sus apariciones masivas han sido con algún hack que le permita no mostrar su cara.

(Puede que youtube e internet esté plagado de fotos de ella, pero salir en TV americana es cosa seria, y nunca más podrás vivir tranquilo)

Tal como les contábamos en Titanium sobre la fijación de la "fuerza interior", Sia junto a Weeknd y Diplo como productor crearon la canción que probablemente mejor represente el espíritu de Katniss Everdeen, la protagonista de The Hunger Games: Elastic Heart .




https://pousta.com/sia-es-brillante/







Disfruten de esta niña que hace un cover de una canción de Sia. :clap2: :clap2: :clap2:


https://es.wikipedia.org/wiki/Sia

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KESHA -PRAYING.

Kesha se embarcó durante el verano de 2016 en su tercera gira mundial Kesha and the Creepies: Fuck the World Tour1​ el cual empezó el 23 de julio de 2016 en Las Vegas y tuvo su fin el 29 de octubre de ese mismo año en Maine.2​ Durante ese tiempo ella escribió la mayoría de las canciones de su nuevo trabajo discográfico. Praying fue escrita entre enero de 2014, cuando Kesha estuvo ingresada en una clínica de rehabilitación y octubre de 2016, cuando la cantante anunció que tenía listos para grabar 22 nuevos temas y que su discográfica no le permitía lanzar.

Kesha anunció el lanzamiento del single en una serie de videos en Instagram. En una carta adjunta en el blog feminista de Lena Dunham, Lenny Letter, escribió sobre el significado de la canción: "He canalizado mis sentimientos de desesperanza y depresión, he superado obstáculos y he encontrado fortaleza en mí mismo, incluso cuando se sentía fuera de su alcance. He encontrado lo que yo pensaba que era un lugar inalcanzable de paz." Esta canción trata de llegar a sentir empatía por alguien más incluso si te hacen daño o te asustan. Es una canción sobre el aprendizaje de estar orgulloso de la persona que está incluso en momentos de baja cuando se siente solo. También se trata de esperar que todo el mundo, incluso alguien que te lastime, pueda sanar.
El tema va dedicado a Dr. Luke, el productor musical que abusó sexualmente de la cantante.
En 2010 saltó a la fama con el single 'Tik Tok', recogido en su primer álbum Animal y tras varios sencillos y un disco en 2012, Kesha parecía tener una prometedora carrera por delante. Pero en 2014 la cantante estadounidense dejó los escenarios para meterse en los juzgados.

Kesha entró en una batalla legal contra Lukasz Gottwald, más conocido como Dr. Luke, reputado productor de la industria por su trabajo con estrellas como Britney Spears, Pitbull, Katy Perry y Miley Cyrus, entre otros. Kesha denunció a Gottwald por abusos sexuales y emocionales en 2014, a lo que él respondió con una demanda por difamación e incumplimiento de contrato.
El contrato de Kesha con Dr. Luke, CEO del sello discográfico de Sony, Kemosabe Records, no permitía a la cantante producir música con ningún otro sello por lo que, mientras la disputa legal siguiera en pie, Kesha no podría producir su música.

De esta forma, la carrera de la joven de 30 años se vio varada. Pero todo cambió en abril de este año, cuando Sony Music, propietario de Kemosabe Records, decidió apartar a Gottwald de la compañía.
Aunque el juicio entre el productor y la cantante continua abierto, Kesha ya no está atada de pies y manos. El 11 de agosto se publicará de manera oficial el nuevo disco de Kesha, 'Praying', del que ya hemos podido escuchar su single oficial y dos sencillos más.

Tras años de silencio en la industria, Kesha ha apostado por explicar su experiencia en 'Praying', que cuenta con letras llenas de significado como se ha recuperado de la depresión motivada por su batalla contra Dr. Luke.

De hecho, el single oficial de su nuevo álbum va dirigido a Gottwald y arranca diciendo: "Casi consigues engañarme. Me dijiste que no era nada sin ti".
Pero tras la tormenta llega la Kesha más optimista, que asegura: "Me dijiste que estaba acabada, bien, estabas equivocado y ahora lo mejor está por venir".




NEW RULES -DUA LIPA.

Aunque muchos pensarían que a una celebridad como Dua Lipa jamás le romperían el corazón, la realidad es que New Rules (su más grande éxito hasta el momento) refleja la terrible experiencia de haber estado en una relación tóxica.

En entrevista para Teen Vogue, la cantante compartió que no siempre es fácil decir que no. De hecho, en el sencillo que disparó su carrera, Dua da una cátedra sobre cómo superar a tu ex. Como recordarás, la canción recita algo así como "Uno, no atiendas el teléfono: Sólo te llaman porque están borrachos y solos. Dos, no los dejes pasar: No quieres lidiar con el drama de tener que sacarlos de nuevo. Tres, no seas su amigo: todos sabemos donde eso termina (en la cama, de nuevo)", pero para ella hay una cuarta regla.

"Honestamente", afirmó, "bloquéenlos en las redes sociales"... Algo así como, ¿Ghosting?

Sin duda, New Rules es un curso de superación de tres minutos y 24 segundos, pero a veces la teoría se queda sólo en eso. La cantante reconoce que a veces no ha podido seguir sus propias reglas.

Dua relata en la entrevista que alguna vez fue atacada por esto y que para poner freno tuvo que responderle a la seguidora "cálmate, hermana". Ella sabe que es muy posible que cualquiera podría regresar con un ex, pero si sabe que los amigos estarán ahí, todo estará bien.

¿Será que su próximo éxito musical tenga otra gran lección de vida?

Actualmente Dua está promocionando su más reciente One Kiss, el cual hizo en colaboración con Calvin Harris, pero asegura que en cinco años le gustaría estar trabajando en su tercer disco, o bien en el segundo.

"Quisiera seguir haciendo esto y seguir siendo muy honesta. No quiero tenerle miedo a mis propios pensamientos".




SACRIFICE- ELTON JOHN.

En si nos habla de un engaño entre una pareja, por lo tanto después dice que eso no importa por que aunque al otro le duela la traición no le deja de querer y ese es el sacrificio que esta haciendo por quedarse con el que engaño, ya que no le importa el sentir celos o el no hablar aun sabiendose traicionado por que ama a esa sobre todas las cosas.

ES UNA SEÑAL HUMANA
CUANDO LAS COSAS SALEN MAL,
CUANDO EL PERFUME DE ELLA PERSISTE
Y LA TENTACIóN ES FUERTE.

EN EL LÍMITE
DE CADA HOMBRE CASADO,
EL DULCE ENGAÑO LLAMA
Y DESEMBARCA LA NEGATIVIDAD.

CORAZÓN FRÍO, FRÍO
ENDURECIDO POR TI.
ALGUNAS COSAS PARECEN MEJOR, CARIÑO,
CON SOLAMENTE ATRAVESAR.

Y NO ES UN SACRIFICIO.
SOLO UNA SIMPLE PALABRA.
SON DOS CORAZONES VIVIENDO
EN DOS MUNDOS SEPARADOS.
PERO NO ES UN SACRIFICIO,
NO ES UN SACRIFICIO.
NO ES UN SACRIFICIO EN ABSOLUTO.

UN MUTUO MALENTENDIDO
DESPUÉS DEL HECHO.
LA SENSIBILIDAD CONSTRUYE UNA PRISIÓN
EN EL ACTO FINAL.

PERDEMOS EL SENTIDO.
REMOVEMOS CIELO Y TIERRA.
NO HAY LAGRIMAS PARA CONDENARTE
CUANDO ARDEN LOS CELOS.