Interpretemos la letra de las canciones

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"Esta canción empezó como una extension de Map of the Problematique con una influencia de los principios de The Police. Esta básicamente basada en el libro "1984" de George Orwell particularmente la relación de Winston y Julia y la descripción del acto del sexo y amor como algo político, el único lugar que ofrece libertad del Gran Hermano. La canción también es acerca de cualquier amor que cruza fronteras como la religión o fuertes opiniones políticas y el subsecuente reconocimiento de la no importancia y división de dichas creencias'', según ha manifestado Matt Bellamy .



Continuando con  Bellamy, en lo que respecta al sencillo Uprisigng,  afirmó que "resume lo que muchas personas sienten cuando lo que se necesita es un cambio".
La letra trata una de las temáticas que más apasionan al vocalista y compositor principal: la revolución ante un sistema opresor. El primer verso es simple y fuerte: la paranoia ha florecido.  No es ajeno a nosotros que cada que estalla alguna movilización social estalle, a la par, la paranoia. Pocas cosas hacen "florecer" el pánico colectivo de la forma que lo hace una movilización social. Desde el primer verso, Muse ya está dando a las pautas para entender que la canción habla del punto crítico de una revolución; una Resistencia, como lo afirma el disco.
La letra continúa afirmando que las Relaciones Públicas van a transmitir drogas para mantenernos a todos controlados, con bajo perfil ("dumbed down") y esperan que no lleguemos a ver la verdad a nuestro alrededor. A lo que se refiere con esta estrofa es a los medios masivos de comunicación. Rescata el argumento del control que ejerce un sistema sobre los individuos con el propósito de silenciar su conciencia. Tomando como punto de partida la obra de George Orwell, podría hablarse de la llamada telepantalla, el instrumento utilizado por el gobierno del Gran Hermano tanto para escuchar y atiborrar de propaganda hipnotizante al pueblo; sin embargo, esto es aplicable también a la sociedad actual en la forma en que los medios transmiten ciertos contenidos, muchas veces con el objetivo de distraer lejos de informar. Distraer para "evitar que lleguemos a ver la verdad".
La siguiente estrofa habla de "promesas y bonches de mentiras que nos mantienen atrapados en la codicia". Con esto puede referirse a las campañas y propagandas políticas. Promesas, escenarios que se plantean pero que quedan terminan siendo un montón de mentiras, quedan desvanecidos por la avaricia y la codicia.  Después se mencionan "cinturones que aprisionan nuestras mentes, una cinta interminable que mantiene la verdad confinada" como modo de reforzar la premisa de un control mental a través de mantener la verdad oculta y lejos del alcance de la población.
El coro hace una oposición a todo lo establecido en las primeras estrofas: no van a forzarnos, van a dejar de degradarnos, no van a controlarnos, vamos a ser victoriosos. Cuatro versos cortos que llaman a cambiar ese sistema opresor anteriormente descrito, que llaman a la resistencia.
Después del primer coro, cambia un poco el discurso de la canción. Deja de describir al sistema y continúa con el llamado al levantamiento. Da una respuesta contraria a ese control de mente, deja que la revolución lleve su curso, abre los ojos, no tengas miedo a morir. Levántate, toma el poder ("take the power back"), "es tiempo de que a los gatos gordos les dé un ataque cardiaco" —con esto último se refiere a derrocar a los mandatarios, a los "peces gordos" propietarios del capital y el sistema en general—. El tiempo ha llegado y tenemos que unirnos para ver nuestra bandera ascender.
El último verso antes de los coros finales y puentes musicales podría considerarse el llamado más fuerte. Directamente está pidiendo unión para poder levantar al país entero. "Ver la bandera ascender" como símbolo del pleno ejercicio de la libertad.

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Wish you were here

Eres de esas personas que se cree capaz de diferenciar el cielo del infierno. Lo bueno de lo malo. Crees en las evidencias, que todo se puede medir para determinar si está en un saco o en otro, pero se te olvida que a veces lo irracional dicta nuestras decisiones. Nadie es tan racional como se cree. Pink Floyd lo sabía y lo plasmó en "Wish You Were Here", algo más que una de las mejores canciones de la historia del rock.



Muchos creen que es una canción de amor y algunos la dedican a sus parejas  pero los fans de Pink Floyd saben el significado de la misma.

Wish you were here (Ojalá estuvieses aquí).



"Wish you were here", la canción más nostálgica del disco, y en la que queda manifiesto el cansancio y el hastío que produce el éxito.  La canción este dedicada a Syd (admitido por Roger y Gilmour en Live 8 )el primer líder de la banda luego reemplazado por Roger y David quienes manifiestan en varias canciones el recuerdo por Syd  Lo que es claro, es que no se trata de una canción de amor, como muchos piensan. Roger se acuerda de los viejos tiempos, donde todo era mejor y más fácil. Cuando Syd estaba con ellos.



Así que, así que crees que puedes distinguir el paraíso del infierno, cielos azules del dolor. ¿Puedes distinguir un campo verde de un frío raíl de acero? Una sonrisa

de un cumplido, ¿Crees que puedes distinguir?.

Roger habla de la ambigüedad de la vida, de lo difícil que es distinguir entre lo bueno y lo malo, de lo difícil que es vivir, en definitiva. Probablemente habla a Syd, ya que era el que más claro parecía tener las cosas en un principio, pero al final fue el que peor acabó, por lo que la ambigüedad aumenta.



Y ¿Consiguieron transformar tus héroes en fantasmas? ¿Cenizas calientes en árboles?. ¿Aire caliente por brisa refrescante? ¿Confort frío por cambio? ¿Y canjeaste participar en parte de la guerra por un papel principal en una jaula?



Roger le pregunta a Syd sobre lo que le pasó, sobre lo que hizo el mundo con él, como resistiéndose a creerlo.



Como desearía, Como desearía que estuvieses aquí. Somos solo dos almas perdidas, nadando en una pecera, año tras año. Corriendo sobre el mismo viejo suelo. ¿Qué hemos encontrado? Los mismos viejos miedos. Ojalá estuvieses aquí



La parte más nostálgica y melancólica de la pieza. Roger explica a Syd, que al final, los dos se encuentran en la misma situación, encerrados en un mundo que no entienden, hastiados y cansados, siempre haciendo lo mismo, con los mismos miedos. El éxito no arregla nada, al contrario, te ata, te arrastra. Roger concluye deseando que Syd estuviese con él, pues así por lo menos se tendrían el uno al otro.


Shine on You Crazy Diamond



"Shine on You Crazy Diamond" es una composición de nueve partes de Pink Floyd cuyas letras fueron escritas por Roger Waters y música compuesta por Waters, Richard Wright, y David Gilmour. Fue tocada por primera vez en el tour de 1974, y grabada para el álbum conceptual de 1975 Wish You Were Here. La canción fue hecha con la intención de que durara todo un lado del disco como "Atom Heart Mother" y "Echoes", pero resultó más larga de lo que un solo lado del vinilo permitiría, por lo que fue separada en dos partes al principio y al final del álbum. Es la canción más larga del grupo (juntando sus dos partes), durando 26:11, seguida de Atom Heart Mother del álbum Atom Heart Mother, de 23:42, y de Echoes del álbum Meddle, que dura 23:34. El tema está dedicado a Syd Barrett, quién fue uno de los miembros originales de la banda.

Shine On You Crazy Diamond Parte I-V

(Sigue Brillando Diamante Loco)

Esta canción también está dedicada a Syd Barrett (Miembro fundador de Pink Floyd que abandonó el grupo muy pronto debido principalmente a sus problemas con el LSD). Syd es el "Crazy Diamond" (Diamante Loco). Este calificativo puede ser debido a que Barrett se convirtió rápidamente en una estrella del Rock, pero debido a sus problemas con las drogas, su caida fue tremendamente rápida, de ahí lo de "Crazy Diamond" un diamante que esta loco, porque no brilla como los demás, el diamante loco tiene mayor brillo, pero brilla durante muy poco tiempo (Syd fue una estrella que brilló intensamente pero durante muy poco tiempo). El termino "Diamond" podría estar influenciado por la canción de los Beatles "Lucy in the Sky with Diamonds", cuyas iniciales son LSD, la droga a la que Syd era adicto.



Recuerda cuando eras joven, brillabas como el sol. Sigue brillando Diamante Loco. Ahora hay una mirada en tus ojos como agujeros negros en el cielo. Sigue brillando diamante loco.



En los primeros versos de la pieza, Roger habla del antes y el despues de Syd. Cuando este no tenía problemas con el LSD, era un joven feliz con una mirada brillante y llena de vida (Brillabas como el sol). Pero ahora la mirada de Syd es fija y penetrante, (Como agujeros negros en el cielo), a causa de las drogas. Los agujeros negros son estrellas al igual que el sol, pero a diferencia de este, los agujeros negros arrastran a su interior todo lo que pasa a su alrededor (como la droga), consumiéndolo, mientras que el sol es todo lo contrario, es símbolo de vida, y su luz y calor nos da la energía que necesitamos para vivir. En este párrafo, además, Roger incita a Syd para que vuelva a ser el de antes, para que su arte no se apague, para que su arte no se muera, para que muestre de nuevo todo su talento, de ahí la frase "Sigue brillando Diamante Loco".



Fuiste alcanzado en el fuego cruzado de la infancia y el estrellato, sopló en ti la brisa de acero. ¡ Enciéndete objetivo de risas lejanas, enciéndete extraño, leyenda, mártir y brilla!



Una de las causas de los problemas de Syd fue que alcanzó el éxito muy joven, de ahí la frase "Fuiste alcanzado en el fuego cruzado de la infancia y el estrellato". Respecto a la expresión "Brisa de acero", no hay nada del todo claro. Una posible interpretación es la que dice que "la brisa de acero" es el sonido de la guitarra eléctrica (Syd era el guitarrista del grupo). Con "Sopló en ti la brisa de acero", Roger podría querer decir que a Barrett le atrapó el encanto del sonido de la guitarra. Otra posible opción es la que considera que la "brisa de acero" representa el límite que no debemos atravesar y que Syd cruzó al abusar de los alucinógenos. A pesar de todo, la interpretación de este término es controvertida, y esta sujeta a diversas opiniones.

A continuación Roger vuelve a incitar a Syd a volver a ser el de antes, a volver a ser una estrella, con la expresión "¡Enciéndete objetivo de risas lejanas (Se refiere a la gente que se mofaba de Syd cuando este estaba drogado encima del escenario, y sus dedos no eran capaces de tocar), enciéndete extraño (Realmente nadie conocía a Syd de verdad), leyenda (por todo lo que ha representado Syd en la história del rock), mártir (otra víctima del Rock que cae en el mundo de las drogas) y brilla!".



Alcanzaste el secreto demasiado pronto, le lloraste a la luna. Sigue brillando diamante loco. Amenazado por sombras en la noche, y expuesto a la luz. Sigue brillando diamante loco.



Syd se convirtió en una estrella cuando era demasiado joven y esto lo acabó pagando (de ahí lo de "Alcanzaste el secreto demasiado pronto"). Con "le lloraste a la luna" Roger podría estar intentando describir lo que le hubiera gustado a Syd haber estado en el grupo cuando llegó el éxito de "Dark Side of the Moon". Seguro que Syd se murió de rabia al enterarse del éxito que él hubiera podido tener de seguir con Pink Floyd.

Syd muchas veces iba drogado a los conciertos y los focos y las luces del escenario mostraban claramente su estado, de ahí lo de "Amenazado por sombras en la noche, y expuesto a la luz".



Bien, dabas la bienvenida con una aleatoria precisión, montado sobre la brisa de acero. ¡Enciéndete delirante, observador de visiones, enciéndete pintor, flautista, prisionero, y brilla!



"Dabas la bienvenida con una aleatoria precisión", dependiendo de su estado (drogado o no), Syd recibía mejor o peor a los demás. "Montado sobre la brisa de acero", hemos pasado de "Sopló en ti la brisa de acero" a "Montado en la brisa de acero", hay una evolución. Si tomamos como significado de "Brisa de acero" al sonido de la guitarra, nos indicaría que a Syd ya no solo le atraía la guitarra sino que la tocaba. Tomando el otro significado que dimos anteriormente (Brisa de acero=Límite), Waters nos estaría diciendo que Syd ya estaba al borde del límite, a punto de sobrepasarlo con el abuso de LSD. Por ultimo Roger vuelve a la idea principal de toda la pieza: El recuperar a Syd. Esta vez aplica otros adjetivos: Delirante, observador de visiones, pintor (Syd era aficionado a la pintura), flautista (por "The Piper at the gates of Dawn"), y prisionero (del LSD).

Shine On You Crazy Diamond (Parte VI-IX)

(Sigue Brillando Diamante Loco



El Disco termina como empienza, con "Shine On", en esta parte 2 se incide en lo mismo que en la primera parte. El deseo de que Syd vuelva a ser el de antes, de que recupere su brillo.



Nadie sabe donde estás, cuan cerca o cuan lejos. Sigue brillando diamante loco. Acumula muchas mas capas y me reuniré allí contigo. Sigue brillando diamante loco.

Y nos abrasaremos en la sombra del triunfo de ayer, y navegaremos en la brisa de acero. ¡Enciéndete chico-niño, ganador y perdedor, Enciéndete minero de la verdad y el engaño, y brilla!



En este párrafo, encontramos uno de los términos más comprometidos y difíciles de interpretar "Pile many more layers" (Acumula muchas capas). Una interpretación, (a mi parecer la más coherente), es que esta expresión quiere decir algo así como "aguanta unas poco más las presiones de cada día", es decir luchar para que el estrés diario no acabe contigo y puedas llegar a viejo, y así poder recrearte en el triunfo del ayer, algo como resistir hasta el final, soportando la rutina de cada día. Roger le pide a Syd que aguante un poco más. Una interpretación muy bonita al respecto, es la que dio un chico en "Echoes Digest": Si acumulas muchas capas sobre el carbón, aumenta la presión, y con el tiempo este se convierte en un diamante.

"Navegaremos en la brisa de acero", aquí hay una progresión evidente: Soplar, montar y navegar. Atendiendo a los dos significados que dimos anteriormente sobre "brisa de acero", "navegar en la brisa de acero" podría significar volver a tocar la guitarra, pero ahora sin presiones, disfrutando. Con el tiempo, si Syd aguanta, el grupo y él podrían volver a tocar, sin tensiones. Considerando el significado brisa de acero = límite, podría querer decir algo como "nos reiremos de los límites", o "controlaremos los límites".

El resto del párrafo, creo que queda suficientemente claro, ya que reincide en la temática y estructura de "Shine On" parte 1.


Fuente:
Historia del Rock.
Wikipedia.
Revista Rolling Stones.
Revista SolomusiK.

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Realmente es fantástico descubrir el significado y la historia que hay detrás de una canción por su autor que a veces contrasta con la de muchos fans y admiradores de la música. :smile:



"Beautiful Girl", fue el quinto single lanzado a nivel internacional del álbum de 1992 Welcome to Wherever You Are, por la banda de rock australiana INXS. La canción fue escrita por Andrew Farriss, quien se inspiró para escribir esto por el nacimiento de su hija. En una entrevista por Debbie Kruger,1 el tecladista de INXS explicó: "Yo estaba escribiendo canciones como "Baby Don't Cry" y "Beautiful Girl"y las letras hablan sobre lo maravilloso que es tener algo más en tu vida aparte de ti que preocuparse y pensar ". La cosa más rara acerca de esta versión, fue en los EE.UU. sólo estaba disponible en formato de cassette y no en formato digital (disco compacto).

La banda está grabando un disco en memoria de Michael Hutchence. Brandon Flowers de la banda The Killers reveló que él grabó la canción "Beautiful Girl" con la banda sin embargo, después de escuchar la versión de Pat Monahan de la banda Train, él decidió aplazar la grabación2 El álbum está siendo producido por James Ash de Rogue Traders.

Esta canción fue utilizada para una campaña de concienciación de televisión estadounidense acerca de los efectos de la anorexia.

Fuente :Wikipedia.



One es una de las canciones más famosas de la banda de Rock irlandesa U2. Es el tercer titulo del álbum Achtung Baby, sacado el año 1992. Ademas aparece en varias recopilaciones de grandes exitos de la banda.

No existe una explicacion sobre el contenido de la letra. Pero existen varias versiones que intentan decifrar la letra. Por ejemplo, algunos autores dicen que Bono habla sobre un chico a punto de morir de VIH y su padre; otros dicen que es una relación entre dos personas que deberían estar unidas.

Tiempo mas tarde Bono daría una pista sobre lo que quiere comunicar la cancion: "habla del dolor de un chico homosexual ante la incomprensión por parte de su padre". Bono no entiende, según manifestó en una entrevista a un suplemento de EL MUNDO, que sigan poniendo esta canción en bodas y semejantes, cuando en realidad no tiene nada que ver con un amor de una pareja, lo cual explica la vestimenta del grupo en el video que tiene como escenario principal Berlin, y en el que se ve a un señor mayor en un extremo del sofá, y al otro extremo un miembro de la banda con ropa de mujer.

En el año 1993 se realizó una versión especial de One en donde el grupo R.E.M., Larry Mullen y Adam Clayton de U2, la tocaron en vivo; ese grupo se ha denominado Automatic Baby y se presenta como una rareza a escuchar.

Otro dato sobre esta canción: inspiró el nombre de la fundación ONE Campaign, que combate contra la pobreza de África.







Fuente:Revista Rolling Stone y Wikipedia.

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Una canción que tiene muchas versiones y fue utilizada para series y películas ,el primer éxito como solista de Phil.

¿Phil Collins la venganza esta en el aire?


"¿Era la letra de una canción del batería de Génesis o era la voz de la conciencia quien le hablaba a este hombre? Se sentía identificado con la letra. La canción hablaba del oscuro secreto que ocultaba en su interior. Se sintió odiado. Se sintió avergonzado. Se sintió culpable"
Phil Collins no solo comenzó su carrera solista con 'In the air tonight'. Además, esta canción le sirvió para poner en su sitio a un desalmado que años antes no había ayudado a salvar la vida de una persona cercana al batería. Collins localizó a este ser inhumano, lo invitó al concierto y le cantó la canción mirándolo fijamente. El hombre se sintió tan culpable que después se suicidó. O quizá sucedió de otra manera...

Un hombre tuvo suerte. Un día, sin esperarlo, recibió una entrada de primera fila para asistir a un concierto de Phil Collins en solitario. El propio Collins se había tomado la molestia de localizar a esta persona y de invitarla. El hombre no pudo rechazar semejante oferta y acudió al concierto. Se colocó en la fila más cercana al escenario y esperó disfrutar de la actuación. Cuando el cantante y batería comenzó a cantar 'In the air tonight', un foco apuntó directamente a su invitado. "He estado esperando este momento toda mi vida, oh, Señor", cantaba Collins saboreando el momento. "Si me dijeras que te estás ahogando, no te echaría una mano"; aquí el invitado comenzó a tragar saliva mientras el cantante no dejaba de mirarle fijamente. Las palabras que Phil Collins lanzaba le atravesaban como si fueran puñales: "He visto tu cara antes, amigo, pero no sé si sabes quién soy". Las frases de la canción hicieron que el hombre comenzara a recordar un incidente que ocurrió en el pasado. "Estaba allí y vi lo que hiciste; lo vi con mis dos ojos". Cada verso hacía que el hombre se sintiera más y más despreciable. "Así que puedes borrar esa sonrisa, sé dónde has estado". Mientras, el foco seguía delatándole y Collins no le quitaba el ojo de encima.
Aquel hombre que tuvo la suerte de acudir gratis a un concierto de Phil Collins recibió un castigo. La letra de la canción seguía en su cabeza torturándole: "¿Cómo podría olvidarlo? Fue la primera vez, la última vez que nos vimos. / Pero sé que sabes la razón por la que sigues en silencio, no me engañes. / El daño no se ve pero el dolor sigue creciendo. / No es raro ni para ti ni para mí". ¿Era la letra de una canción del batería de Genesis o era la voz de la conciencia quien le hablaba a este hombre? Se sentía identificado con la letra. La canción hablaba del oscuro secreto que ocultaba en su interior. Se sintió odiado. Se sintió avergonzado. Se sintió culpable. La única opción que le quedó para hacer callar a la voz de su conciencia fue el suicidio.
¿Cuál era este secreto que solo Phil Collins y él conocían? Muchos años antes, un joven Phil Collins y un amigo disfrutaban de un día de playa. Los muchachos se divertían nadando pero el amigo del pequeño Phil comenzó a ahogarse. Phil Collins corrió a solicitar auxilio a un hombre que estaba presenciando cómo el pequeño se estaba hundiendo en el agua, pero este desalmado le negó la ayuda y dejó que el chico muriera ahogado. Años más tarde, Phil Collins contrató a un detective para localizar a este cruel ser y cuando dio con él, le envió una entrada de primera fila para que asistiera a su concierto y poder cantarle la canción que le había "dedicado".
Escalofriante, ¿verdad? Pues ésta es solo una de las múltiples interpretaciones que se le dieron a 'In the air tonight', la canción que abría "Face value" (1981), el primer álbum en solitario del batería de Genesis. Existen infinidad de hipótesis sobre el acontecimiento en el que Collins se inspiró para componer uno de sus temas más conocidos. Cada versión es más dramática pero todas tienen el mismo hilo conductor. La versión habitual es la que dice que un amigo de Phil Collins o un pariente se ahoga en el agua; esto puede suceder tanto en una playa como en un río o después de caer desde un acantilado. Entonces el cantante, que no puede salvarlo, solicita ayuda a una persona cercana que ve cómo se ahoga pero que no hace nada por echarle una mano. Después de todo esto es cuando Collins trama su venganza contra este individuo invitándole al concierto y le canta la canción para que se sienta culpable. Aquí el desenlace también varía. El final más habitual y trágico es que este hombre, corroído por su mala conciencia, acaba colgándose de una soga; pero existen otros finales alternativos: la gente le humilla después de conocer la historia, pierde su trabajo, su mujer le abandona o le detiene la policía.
Por si esta teoría del que negó su ayuda a otro que se ahogaba no es suficiente, existe otra aún más macabra. El hombre que asistió al concierto gratis y en primera fila era en realidad un violador, y no un violador cualquiera sino el hombre que había violado a la mujer de Phil Collins. A esta historia se le puede añadir el final de los anteriores que se desee: humillación, despido, arresto, divorcio o suicidio.
Pero todavía se le puede dar una vuelta más a este relato. El cantante y batería escribió la canción después de una combinación de las dos historias. Phil Collins presenció cómo un hombre violaba a su mujer y tiempo después vio a este hombre a punto de ahogarse pero le reconoció y no hizo nada al respecto para salvarle la vida. En esta interpretación de los hechos, Collins no le invitaría al concierto sino que le daría el pasaporte directo para ir al más allá.
Por supuesto, ninguno de los acontecimientos narrados sucedieron de verdad, todos son el resultado del boca a oído, y la única situación de ahogo que inspiró a Phil Collins para la composición de 'In the air tonight' fue el resentimiento y la frustración tras el fin de su matrimonio con su primera mujer, Andrea Bertorelli. Pero, aún así, ni el propio autor tiene claro sobre qué trata el tema: "No sé de qué va esta canción. Cuando la compuse estaba pasando por un divorcio. Y lo único que puedo decir sobre ella es que surgió de la ira. Es la parte colérica o la parte amarga de una separación". Ante las interpretaciones que el público encontró en la letra, no le quedó más remedio que reírse: "Lo que lo hace aún más cómico es oír estas historias que empezaron hace muchos años, sobre todo en Estados Unidos, cuando alguien se me acerca y me dice: '¿De verdad viste a alguien ahogarse?'. Yo decía: 'No, es mentira'. Y cada vez que vuelvo a Estados Unidos, esto parece el teléfono escacharrado y la historia es cada vez más elaborada".
Una de las personas que también jugaría a este teléfono escacharrado fue Eminem, que en su tema sobre un fan obsesionado, 'Stan', e incluido en el álbum "The Marshall Mathers LP" (2000), hacía referencia a esta leyenda urbana: "¿Conoces esa canción de Phil Collins, 'In the air tonight' / sobre un tío que podía haber salvado a otro tío de ahogarse pero no lo hizo / y que Phil lo vio todo y le encontró en su concierto? / Las cosas son así, podrías haberme rescatado cuando me ahogaba".
Así que al final nadie resultó ahogado ni Phil Collins se tomó su tiempo para ofrecer su venganza en directo. Si 'In the air tonight' sirve para algo es para darse cuenta de que no hay que tomarse las canciones al pie de la letra. Y de que el público muchas veces es más imaginativo que el propio autor.

Fuente:La cara oculta del Rock.




"John Sinclair" es una canción del músico británico John Lennon, que fue publicada un 12 de Junio del año 1972 en el polémico disco Some Time in New York City. Este trabajo musical, que era el tercero de caracter formal del ex-Beatle, es considerado por la prensa como uno de sus discos mas políticos y controversiales de toda su carrera musical. Es que cada pieza musical tenía una historia detrás que iba ligada con la protesta ante la sociedad moderna que estaba sumergida en la ignoracia, el odio y las guerras. Además STINYC era un disco doble, donde el segundo disco traía un par de canciones interpretadas en vivo en un recordado concierto de la UNICEF hecho en Londres un 15 de Diciembre de 1969 en el Lyceum Ballroom y que marcó el inicio de la carrera solista de este músico tras la capida de The Beatles. Y en su lado B, aparece un registro histórico para cualquier amante del rock: Una Jam Session junto al maestro Frank Zappa y su banda The Mothers of Invention,efectuada un 12 de Junio del año 1971.Pero la mejor muestra de que este disco no era un simple puñado de canciones para ser consideradas hits desechables estaba en el tema "John Sinclair", que era un discurso musical en apoyo a la liberación de ese mítico poeta y activista político oriundo de Detroit que había sido condenado en el año 1969 a 10 años de cárcel por microtráfico de Marihuana, tras ser pillado con las manos en la masa una noche en que le regaló dos porros a dos bellas damas que en realidad eran agentes de la policia encubiertos.Sinclair, que además era uno de los fundadores de un grupo radical marxista autodenominados Panteras Blancas (White Panthers), también tenía su gusto por la música y en especial del rock and roll. Esto se vió reflejado cuando se las dió de manager de la banda MC5 entre 1965 y 1969, dejando a la banda como la bandera cultural de su movimiento politico e ideológico, ya que como en más de alguna vez pronunció: El rock era la música de la revolución.Pero su detención nunca fue olvidada, y con el paso de los meses fueron muchos los activistas políticos que reunieron firmas y promocionaron el abuso de poder que caía sobre el poeta. Incluso, los Panteras Blancas declaraban que había todo un lío político detrás de este caso, ya que por sólo dos porros no podía recaer tanta injusticia en un pueblo donde, al parecer, la libertad simplemente era una estatua.Fueron muchos los esfuerzos que se hicieron para sacar a los medios la injusticia que vivía Sinclair. Entre las celebridades que apoyaban esta causa se encontraban el tambipén poeta Allen Ginsberg,la actriz Jane Fonda,y los activistas Jerry Rubin y Abbie Hoffman. Este último, fue quien se mandó flor de "numerito" en plena actuación de la banda The Who en el emblemático escenario del Festival de Woodstock en 1969. En esa ocasión, y sin estar preparado por la producción del evento, Hoffman se paró en el escenario mientras los Who afinaban sus instrumentos, pescó el microfono y gritó a viva voz:''¡Creo que esto es una mierda! Mientras que  John Sinclair se pudre en prisión...'' Pete Townshend, que no andaba de buen genio, increpó al activista para que se bajara del escenario e incluso, cuentan las malas lenguas, que intentó atacarlo con la guitarra por intentar politizar el show de su banda en tal mítico recinto.Tras ese fallido, pero comentando episodio, a mediados del año 1971 los amigos de Sinclair, sumados a los activistas de las Panteras Blancas, decidieron echar a andar un concierto a beneficio en Ann Arbor, con el fin de recaudar fondos para la familia del poeta y además transmitir el mensaje de las injusticias sociales. Uno de los promotores del evento fue Jerry Rubin, quien era amigo de John Lennon, y además fue quien lo invitó a participar de dicho evento. Las negociaciones con Yoko y John no fueron tan fáciles, ya que la pareja se encontraba en Nueva York dándole duro a la música y además pasaba por momentos muy marcados por la adicción a las drogas. Pero con el fin de que todo resulte positivo y puedan contar con el ex-Beatle en el escenario, Rubin decidió viajar al departamento de los Lennon con el director de evento, el señor Peter Andrews y Leni Sinclair, esposa del poeta, quien fue la encargada de contarle la historia de vida de su esposo al músico inglés.Tras escuchar la historia del condenado, Lennon admitió sentirse identificado con Sinclair, ya que él también fue victima de la corrupta policía que lo detuvo por posesión de marihuana en octubre del año 1968. Una vez que llegaron a buen puerto las negociaciones, Lennon les dejó muy en claro que ba a escribir una canción sobre la historia de este personaje, y que no tendrían problemas de utilizarla como himno de la campaña de liberación de este jóven oriundo de Detroit. "Ellos querían una canción sobre John Sinclair. Así que la escribí casi de manera artesanal. Siempre que alguien me pedía algo yo lo hacía. Soy capaz de escribir cualquier cosa y ponerle música, sea lo que sea. Pero jamás me gustó esa idea ni ese tipo de trabajo. Me gusta más las canciones que vienen de la inspiración. Nunca más volvería a escribir una canción como esa"mencionaría John en una entrevista que data del año 1980.Dos días antes del concierto, específicamente un 8 de Diciembre del año 1971 (miren la fecha!!), los encargados del evento llamaron a una conferencia de prensa para señalar que el evento llevaría por nombre The John Sinclair Freedom Rally, y que tendría como invitado a John Lennon. Fue en esa ocasión que aparecieron en la sala John y Yoko, quienes dieron sus impresiones sobre el evento y la causa judicial y además indicaron que tenían todas las ganas de comparecer en el juzgado en ayuda a Sinclair. Además de Lennon (que era el plato fuerte de este evento), estaban invitados artistas como Stevie Wonder, Bob Seger, Archie Shepp, Phil Ochs y la banda Commander Codyentre otros. Además se daría un espacio para una "performance" a cargo del poeta Allen Ginsberg.Tras esa conferencia de prensa y en cuestión de horas,el evento tenia vendidas 15 mil entradas...
El Viernes 10 de Diciembre a las 7 de la tarde en punto se llevó a cabo el tan esperado evento, en la Universidad de Michigan, que contó incluso con un breve discurso de agradecimiento en voz de John Sinclair desde la carcel por medio de una linea telefónica pirata.Recién a las 3 de la madrugada, aparecieron en escena John y Yoko para interpretar un puñado de canciones, entre las cuales estaba la mencionada '' John Sinclair'',que antes de ser interpretada, su autor le dedicó unas palabras a la multitud allí presente: "Vinimos aquí no sólo para ayudar a John sino que para poner en la mesa todo lo que está pasando y decirle a ellos que la apatía no existe y que podemos hacer algo ".Cabe señalar que en ese concierto los Lennon estuvieron acompañados por Eddie Mottau, Tom Doyle y Chris Osborne en guitarras acústicas, David Peel en bajo artesanal, Jerry Rubin, Frank Lanci y Billy Minelli en la percusión, y Leslie Bacon en los coros.Pero también era hora de mencionar una buena nueva que había ocurrido horas antes del concierto. Resulta que en una (rara) sesión flash, los legisladores del estado de Michigan anunciaron cambios radicales en las leyes sobre posesión de Marihuana, disminuyendo los cargos y las penas carcelarias. Eso ya era una buena señal...Pero la mejor noticia vino el 13 de Diciembre, cuando tras el pago de una fianza, Sinclair fue liberado de la prisión estatal de Jackson, lo cuál fue celebrado como un triunfo para los amigos de este poeta y activista, quien tras pasar unas horas con sus seres queridos lo primero que hizo fue llamar a John y Yoko para agradecerles de manera personal el apoyo a esta campaña. En esos días, Lennon y Ono se encontraban trabajando en los Record Plant East Studios el repertorio de su nuevo disco, donde iría incluida la canción.El 16 de Diciembre de ese año, y como un homenaje a este personaje, Lennon decidió interpretar esta canción en el David Frost Show con el fin de promocionar su nuevo trabajo musical que estaba preparando aún pero que ya tenía título en esos días: Some Time in New York City .


Fuente:Revista Rolling Stones.

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«Guantanamera» es una conocida canción popular cubana. La letra más conocida, adaptada por Julián Orbón, está basada en las primeras estrofas de los «Versos sencillos», del poeta cubano José Martí. La composición musical se atribuye oficialmente a José Fernández Díaz, más conocido como Joseíto. La canción ha sido adaptada y grabada en muchas versiones.
Existe controversia acerca de quién es el autor de la tonadilla de la «Guantanamera», habiendo diferentes teorías:

Joseíto Fernández y «El suceso del día»

Joseíto Fernández nos dice que «su biografía es la Guantanamera». Según dijo a Santiago Moreaux Jardines e Iraida Sánchez Oliva cuando éstos se documentaban para su libro La guantanamera, antes de «El suceso del día» y la CMQ Joseíto ya había cantado esta Guajira-son: «...unas veces era guajira guantanamera; otras, guajira vueltabajera, guajira holguinera o guajira camagüeyana; pero no la canté nunca como guajira santiaguera», más adelante trabajó en una estación de radio en la que también trabajaba una mujer de Guantánamo que estaba enamorada de él. Esta mujer de vez en cuando le llevaba algo de comer y se quedaba hablando con él, pero un día le sorprendió haciendo un pase a otra mujer, y enfurecida, le arrebató el bocadillo que le había llevado; entonces él agarró el micrófono y le cantó el estribillo de la «Guantanamera».

Sin embargo. Joseíto contó diferentes versiones del origen de la canción en diversas ocasiones. Por ejemplo, el 30 de noviembre de 1979, en la sección de correspondencia de la revista Bohemia un periodista cita a Joseíto diciendo: «Y un día, a Facundo Rivero, nuestro pianista, se le ocurrió que al terminar el programa que radiábamos por la CMCO (...) lo hiciéramos con una guajira. (...) Entonces compuse la Guajira Guantanamera. Y el éxito nos sorprendió a todos. (...) Esto ocurría allá por el año 1934».

Lo que sí es seguro es que trabajando ya en la CMQ, Joseíto comenzó a interpretar la canción en el programa «El suceso del día». Dada la estructura de la canción: A-B-A-B (o A-B-B-A), en versos octosílabos, la «Guantanamera» se prestaba a las improvisaciones, (como ocurría con otras canciones como «La Bamba» mexicana). Fernández empleaba la canción para comentar las noticias del día en el programa, y también para cerrar el programa. Según él mismo afirmó «lo mismo felicitábamos a una muchacha de Villa Clara, que pedíamos clemencia para un trabajador cesante». De esta forma, la «Guantanamera» rápidamente se convirtió en un medio para hacer comentarios amorosos, patrióticos, irónicos o sociales, y más importante, se convirtió en un éxito a nivel nacional.

Origen en Guantánamo
Sin embargo, según nos dice Karina Rodríguez en su artículo «La guantanamera: historia ¿conclusa?», la canción surgió en Guantánamo un sábado de julio de 1929, durante el cual un grupo de amigos se encontraba trabajando, mientras cantaban. Entre ellos se encontraba Herminio García Wilson, panadero de profesión, al que apodaban "El Diablo". El grupo de amigos vio pasar a una mujer hermosa y la piropearon, según dijo el propio Wilson, de forma completamente cortés. Pero ésta respondió ofendida, por lo que uno de ellos exclamó «¡Eh, qué se habrá figurado la guajira guantanamera esta!». Wilson buscó una música para acompañar la exclamación de su amigo, y la tocó esa misma noche durante una fiesta en casa de Silverio Bosch Dubois.

La canción, con su ritmo pegadizo, prendió, y comenzó a emplearse en los festejos y en las calles, siendo la letra adaptada en cada ocasión por el cantante, siendo respetado únicamente el estribillo. Dice Rodríguez que por entonces la gente solía advertirse: «Cuidado, que te van a cantar La guantanamera», pues la tonadilla se prestaba a la ironía, la protesta, «los líos de faldas y la crónica roja».

Rodríguez se apoya en las declaraciones de Héctor Tati Borges, historiador de Guantánamo, el cual aseguró que la canción ya había ganado fama en una radio local de la vecina Santiago, Radio CMKW, en una interpretación de Miguel Ángel González, «El guajirito del Edén», durante «El programa de las peticiones» de dicha cadena.

Otra declaración que parece avalar esta versión es la de Alejo Carpentier, en su libro, La música en Cuba, (México, 1946):

...hace poco una estación de radio de La Habana obtuvo un gran éxito de popularidad con una canción de buen corte campesino, titulada «La guantanamera», que había sido traída a la capital por auténticos cantadores orientales.
Alejo Carpentier, La música en Cuba, 1946

Pete Seeger y la internacionalización

La versión más ampliamente conocida de esa canción es la que adapta los primeros versos de los «Versos sencillos» del poeta cubano José Martí, los cuales fueron adaptados por Julián Orbón. Según el periodista López Nussa, en la revista Bohemia del 30 de diciembre de 1983, Pete Seeger, el cantante de folk, visitó un campamento de verano para niños en 1962, donde éstos le pidieron que tocara una canción que había traído uno de sus instructores. Se trataba de Héctor Angulo, el cual había estudiado con Orbón y conocía la versión con los versos de Martí. Seeger y Angulo quedaron reflejados como coautores de la canción, y Seeger, la popularizó en más de 35 países. Joseíto, quien había inscrito la «Guantanamera» en 1944, reclamó los derechos de autor y Seeger viajó a La Habana en 1971, llegando a un acuerdo. Según este relato, Joseíto hizo famosa la canción y el estribillo en el programa de radio, Julián Orbón le ajustó los «Versos sencillos», y su estudiante, la llevó a Nueva York, donde Seeger la internacionalizó.

Origen comunitario de la «Guantanamera»

Según el investigador musical Natalio Galán, la música de la «Guantanamera» encuentra sus raíces en el pasacallo que a su vez es una modificación del pasacalle español de 1730. Por lo cual, según Galán la «Guantanamera» es una modificación del Son Oriental, específica de la zona de Guantánamo, y la técnica utilizada (con sus modificaciones) provenía de España. La otra influencia importante en la canción es la montuna, y la fusión de estos dos estilos resulta en la guajira Guantanamera:

...la Montuna abandona el municipio de Guantánamo y los habaneros la descubren por 1927 —entre son y son que bailaban, pues sus vidas parecen haber seguido un fluir paralelo— llamándola guajira guantanamera, marcando con ello su cuna y fijándose la tonada que la caracteriza desde 1930.
Natalio Galán
Según esto, según María Argelia Vizcaíno, todo parece apuntar a que la tonada de la «Guantanamera» no es del siglo XX, ni se puede decir que Joseíto Fernández, u Orbón, ni ninguno de los mencionados fueran legítimamente autores, sino tan solo promotores e impulsores.

Letras
Aunque la letra más conocida internacionalmente es aquella que adapta las primeras estrofas de los «Versos sencillos» de José Martí, el propio carácter popular de la canción ha propiciado diversas variaciones.1tor de Cantares a Guantánamo, seis décimas cantadas y grabadas por Joseíto Fernández que constituyen la única «Guantanamera» con texto expresamente referido a la región más oriental de Cuba.


LA ERA ESTA PARIENDO UN CORAZON




Esta canción define de forma brillante el Internacionalismo.Una de las tantas canciones que Silvio dedico al ''El Che''. El internacionalismo es un movimiento política en el que Cuba, después del triunfo revolucionario, decidió que su causa  no debía limitarse a su libertad sino a la de todos los pueblos oprimidos. El propio Silvio participó viajando a Angola con el ejército. En esta canción, Silvio describe el significado del internacionalismo.




Le he preguntado a mi sombra
A ver como ando para reírme,
Mientras el llanto, con voz de templo,
Rompe en la sala
Regando el tiempo.
Mi sombra dice que reírse
Es ver los llantos como mi llanto,
Y me he callado, desesperado
Y escucho entonces:
La tierra llora.


En estas dos primeras estrofas Silvio se pregunta como se puede vivir sabiendo que hay personas que sufren. ¿Cómo puedo reír si hay gente que sufre?  La respuesta que consigue es el Internacionalismo. Podrás reír cuando veas los llantos de los demás como el tuyo. Entonces se da cuenta de que en todo el planeta se está pasando mal.


La era está pariendo un corazón,
No puede más, se muere de dolor
Y hay que acudir corriendo
Pues se cae el porvenir
En cualquier selva del mundo,
En cualquier calle.


La era está pariendo un corazón. La época que está viviendo Silvio está dando a luz un movimiento de solidaridad entre pueblos. Un corazón que se preocupa por el bien de todo el mundo. Pero esto conlleva dolor. Pero hay que acudir, hay que ir a cualquier sitio del mundo para defender la causa.


Debo dejar la casa y el sillón,
La madre vive hasta que muere el sol,
Y hay que quemar el cielo si es preciso
Por vivir,
Por cualquier hombre del mundo,
Por cualquier casa.


El final empuja al movimiento. A no quedarse sentado y a luchar. Luchar por la vida de cualquier persona. Aunque se tengan que hacer cualquier cosa por conseguirlo.




Fuente.Wikipedia.

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Es una canción que  Javier le ha dedicado  a su padre.
Según Javier: lo que pasó es que mi viejo, en ese momento tenía 90 años y sufrió un ACV (accidente cerebrovascular), que lo dejó postrado a un nivel que no puede ni hablar, no se mueve nada, pero en realidad, yo pensé que iba a ser peor. Y bueno, justo se dio que yo estaba componiendo las canciones para grabar ese disco y tenía un poema que se llamaba "Este minuto", que increíblemente las estrofas tenían mucho que ver con mi papá. Y musicalicé el poema y le hice un estribillo luminoso: "este es el tiempo y es el lugar, nada puede ser mejor...". Bueno, qué extraño cómo reaccionamos ante las cosas, nosotros nos ponemos profundamente tristes ante la perspectiva de la muerte, a veces desesperados, a veces aterrorizados, bueno, en ese momento me pintó hacer exactamente lo contrario, pensé que mi viejo se moría y cante algo que era lo más luminoso que hubiese cantado jamás. Y no se murió mi papá, está ahí, ahora que estoy hablando con vos él está acá, justo en la habitación de al lado.


La  muerte es la única cosa irremediable, a veces pensamos mucho, demasiado sobre el tema, yo sé que no es sensato darle demasiadas vueltas al tema de la muerte, no hay que obsesionarse mucho con eso porque así se nos va la vida. Yo le empecé a dar vueltas al tema hasta que le encontré la salida luminosa y entiendo que en ese sentido le gané a la muerte. También fue coincidente con varias cosas, que tienen que ver circunstancialmente con mi vida actual, que no necesariamente están vinculadas a esto, yo hace 17 años que trabajo con una comunidad Qom (toba) de Chaco, que es una de las más castigadas de este país, en la región de Pampa del Indio, y creo que esto tuvo mucho que ver con el mensaje que quise transmitir. Y justo con el tango, asociado a algo «cortavenas», sufrido. Pero para mí no es así ni debe ser así, y asocié el tango a algo esperanzador, luminoso, como es vincularse con una comunidad aborigen y ayudarlos a cambiar su futuro.

Un grande Javier Calamaro. :oki:



Otra gran canción, muy triste pero no es una historia real sino que su autor es el rosarino Jorge Fandermole y quiso reflejar sobre  la perdida de un hijo . Todos creen que la canción es de Baglietto pero no señores de Jorge autor de una hermosisima canción como Oracion del remanso.
Según le contaba a  Paz Martinez la otra vez en una charla,  él deseaba escribir una canción triste e interpretarla y nació ''Era en Abril'' muchas fundaciones que se dedican a padres que  han sufrido  por la perdida de su hijo se identifican mucho con esta canción y creo que Jorge supo interpretar el sentimiento de un padre que pierde a su hijo   en dicha canción.

http://www.eraenabril.org/2011/04/visita-a-jorge-fandermole-autor-de-la-cancion-era-en-abril/

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      Una de las canciones más destacadas del rock nacional surgió de un romance juvenil. Luis Alberto Spinetta conoció a la bellísima Cristina Bustamante cuando los dos eran adolescentes y el amor entre ellos fue casi inmediato.
         "Mi primer gran amor. Ella vivía en el mismo edificio de Emilio (Del Guercio) y por eso lo conocía de vista. A veces se juntaban los fines de semana a charlar en la puerta, pero sin pasar a ser más que conocidos. Pero una vez nos quedamos solos en la casa de Emilio, porque sus padres habían viajado, y entonces invitamos a las chicas a tomar algo, a bailar, una especie de asalto. Y ahí, por primera vez, me sentí enamorado. En realidad ya me había enamorado varias veces pero siempre habían sido amores imposibles de realizar por diferencia de edad, no sé, me enamoraba de las maestras, de las pibas más grandes y después no pasaba nada, obviamente. Yo era un inepto absoluto en ese momento. Y bueno, todos esos pequeños amores desembocaron en un gran amor que fue el de esta muchacha ojos de papel, que fue un amor correspondido. Porque también ella me quiso mucho. Fue mi primer amor, mi primer gran amor, inolvidable amor. Y me inspiró una canción", contó el músico en una entrevista radial.
         Bustamante, que era la hija del portero del edificio de Belgrano donde vivía la familia Del Guercio, se juntaba con los músicos de la incipiente banda Almendra y llegó incluso a escribir las letras de una canción titulada Chocolate, que el grupo no llegó nunca a editar. Tras la muerte de Spinetta, en 2012, la Muchacha de la canción reveló que también le había sugerido al Flaco una modificación en el tema del que era destinataria. "En realidad yo hice un solo cambio; en el original Luis había puesto 'senos de miel', y yo le dije que eso parecía un catálogo de corpiños... Estuvimos de acuerdo en que 'pechos' quedaba mejor", reveló en una nota.
         Almendra estrenó Muchacha ojos de papel antes de que fuera editada en un show muy especial. Fue el 22 de junio de 1969, durante un ciclo de conciertos que el sello Mandioca organizaba los domingos por la mañana en el Teatro Coliseo. Ese día, Spinetta y Bustamante habían tenido una pelea, lo que le sumó cierto dramatismo a la presentación.
         "Cuando la estrenamos (...) fue tan rotundo el éxito de la canción que yo mismo lloraba, no lo podía creer. Aparte, el día que la estrené, por motivo de una rencilla que habíamos tenido, en la mitad de la canción ella se retiró. Yo cantaba la canción y la veía que se iba por el pasillo hacia el fondo. Ese tipo de cosas bien de pubertad, de 18 años. Amor", contó el músico.
         La repercusión del tema fue enorme y en enero de 1970 quedó editado en Almendra I, el primer disco de la banda y uno de los fundacionales del rock argentino. Sin permiso de Spinetta, la discográfica decidió ceder la canción para el aviso publicitario de una empresa de telas, lo que ayudó para que la composición y la banda alcanzaran una gran popularidad.
         Por su particular estilo poético, Muchacha... llamó la atención y llegó a tener, hasta el día de hoy, interpretaciones psicológicas y filosóficas de lo más variadas sobre algunas de sus memorables líneas como "cuando todo duerma te robaré un color". El propio Spinetta, muchos años después, elaboró su propia explicación en el artículo Desintegración abstracta de la defoliación publicado por Clarín donde desgranó frase por frase lo que había querido decir. Esto suscitó una polémica porque el diario cortó el texto que el músico había enviado. "¿Una niña con los ojos de papel adónde puede ir? La blindación ejerce la aflicción en quien no tiene ojos reales para una fundamental orientación. Allí, el relator ingresa sugerido por aquel quien, una vez instalada la dificultad, oficia de obvio guía. Quedarse hasta el alba, que sólo el guía ve, representa a las claras una orden impartida (que subyace en cualquier pedido) y refleja la prosecución de una finalidad de parte del que pide", explicó entre muchas cosas el músico en ese recordado artículo que años después fue publicado completo en la revista La Mano.
         Aquel amor tan intenso como el que tuvieron el Flaco y Bustamante quedó plasmado en otras composiciones del músico. En Para ir, una canción del segundo disco de Almendra, le canta "quiero que sepan hoy qué color es el que robé cuando dormías", en referencia a las célebres líneas de Muchacha. Cuando el romance entre ambos finalmente se terminó, le dedicó Blues de Cris. Pero además, el célebre Todas las hojas son del viento, de Pescado Rabioso, también tiene a Cristina como inspiradora. "Mi antigua mujer iba a tener un hijo con otra persona. Yo ya había sellado esa relación para siempre con el Blues de Cris pero nos seguíamos viendo y ella me contó que tenía dudas de tener el bebé o no. Finalmente decidió tenerlo. Yo escribí Todas las hojas son del viento porque en ese momento ella era como una hoja en el viento al tener que decidir algo semejante", reveló el artista.


Extractos de "Quién es la chica. Las musas detrás de las grandes canciones del rock nacional" Un libro de Agustina Larrea y Tomás Balmaceda - Edita Reservoir Books / Literatura Random House






Un clásico de ''Los Pericos'' cuya letra trata sobre un momento  duro del Bahiano en un momento de su vida familiar y lo expreso de esta manera con sus propias palabras...''Estaba terminando las letras en el medio de una situación de mierda, porque las cosas estaban muy mal con mi mujer, y mi hija Candela era bebé todavía. Yo llamaba a mi casa todo el tiempo y nadie me atendía, ¡me sentía completamente de lado!''
— Bahiano, sobre "Pupilas Lejanas"




Después ha explotado en los medios televisivos y gráficos el año pasado, donde esta historia contada por ambos protagonistas  difiere uno del otro. Diríamos historias de la vida misma que sucede a diario en todo el mundo.

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Yesterday- The Beatles​


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Análisis de la letra:
Yesterday es el tema solista de Paul McCartney más popular. Si hay quien todavía no conoce este tema en su totalidad, al menos puede sentirse identificado ya que todos, sin excepciones, hemos vivido un terrible "Yesterday". Este tema musical ha sido muy aclamado a nivel mundial y posee una reputación lírica y melódica de excelencia es por eso que les traigo el análisis de esta canción de The Beatles.
Es también la primera composición del grupo que uno solo de sus integrantes la interpreta. Relata una aventura amorosa que por algún motivo no funcionó dejando al cantante reflexionando sobre el ayer. Esta canción simboliza el sufrimiento que se siente tras ser abandonado por la pareja.
Yesterday marca el adiós definitivo, quien la canta se encuentra en un estado de confusión y negación, tiene el deseo de volver al pasado y revivir con quien ama los momentos ya perdidos. Aunque habla acerca del "día anterior", ese "ayer" es una alusión literal pues surge en el tiempo perdido, un pasado que jamás sabremos cuando realmente ocurrió.

Análisis de la música:
McCartney interpreta la canción con una tristeza profunda ante el evento ocurrido acompañado de una guitarra eléctrica. El registro de voz tiene poco alcance; consigue que el dolor parezca tanto que no quedan muchas fuerzas para dar intensidad al cantar. La canción podría considerarse más como un monólogo que una conversación, en la que el autor le confiesa la pena que siente a alguien más.
Yesterday es una canción corta y simple que incorpora un cuarteto de cuerdas y transmite la sensación de tristeza y de escalofríos. También hay violines que hacen a la melodía más melancólica; el violonchelo también cumple también una función importante para transmitir estos sentimientos. Para mí, Yesterday es una canción totalmente bella desde la lírica hasta la música.

Análisis del contexto histórico:
Paul afirma que Yesterday brotó en su mente a partir de un sueño que tuvo en Londres cuando vivía en el departamento de su novia, Jane Asher. Esa noche, se despertó con la melodía sonando en su cerebro. Se levantó de la cama, corrió al piano, encendió la grabadora y tarareó la tonada para no olvidarla, evitando así que se le escapara junto con el sueño. En la mañana escucho la melodía y le gustó. Durante el mes siguiente consultó con editores musicales y expertos preguntándoles si no sabían de quién era esa tonada, o si la habían escuchado antes. Nadie supo darle pista alguna. Así, al no encontrar algo que lo convenciera de lo contrario, decidió considerarla como propia.
Hay quienes dicen haber encontrado importantes similitudes entre Yesterday y canciones como Answer Me de Nat King Cole o Georgia On My Mind de Ray Charles. Eso ha llevado a la idea de que Paul experimentó el fenómeno llamado "imitación creativa inconsciente", esto ocurre cuando el artista toma elementos de una obra ajena y hace con ellos una creación muy parecida, pero sin la intención de cometer plagio. También existe un estudio del mexicano Jorge Seymour Perkins que demuestra que el tema de McCartney posee una evidente relación con el tema Bésame Mucho de la compositora mexicana Consuelo Velázquez específicamente en su estructura.
El tema fue grabado en los  estudios de grabación de EMI el 14 de junio de 1965. Hay muchas versiones sobre la grabación de esta canción; la más famosa afirma que McCartney grabó el tema de forma individual, sin la participación de los demás miembros de la banda. Sin embargo, fuentes no oficiales aseguran que en un principio el cuarteto probó una gran variedad de instrumentos, incluyendo la batería y un órgano. Finalmente McCartney fue el único en tocar la guitarra acústica, y posteriormente se incluyó un acompañamiento de cuerdas. Ninguno de los otros integrantes del grupo fue incluido en la grabación final. Sin embargo, este tema fue siempre tocado con los demás miembros de la banda en sus conciertos.
Aparentemente simple, McCartney sólo toca una guitarra acústica y lo acompaña un cuarteto de cuerdas. McCartney grabó el mismo día dos veces la canción. La segunda grabación se consideró la mejor y fue utilizada para la masterización final. Un acompañamiento de cuerdas se añadió a ésta última grabación que fue la que se publicó. La primera grabación, que no contiene ninguna mezcla, más tarde fue lanzada en el álbum recopilatorio Anthology 2. La segunda grabación incorporó dos líneas más que la primera.
Yesterday es una canción compuesta por Paul McCartney, publicada para el álbum Help! Según el Libro de Record Guinness, éste es el tema más transmitido en la radio en todo el mundo, con más de seis millones de emisiones en los Estados Unidos. Yesterday es además la canción con mayor número de versiones en la historia de la música popular con un total de 2600 interpretaciones distintas. La Broadcast Music Incorporated (BMI) asegura que en el siglo XX, esta canción fue interpretada más de 7 millones de veces.

En una entrevista realizada  en el 2013 antes de  la aparición de su ultimo cd '' New'' Paul decía esto sobre ''Yesterday''.



McCartney declaró que la inspiración detrás de la legendaria canción surgió de la melancolía por su madre, aunque, según aseguró, no se había dado cuenta en el momento reconoció en un diálogo con la revista Mojo.

"Con Yesterday, cuando la canto actualmente, pienso sin darme cuenta que estaba cantando sobre mi madre", admitió McCartney. "Porque ahora que lo pienso, el verso Why she had to go, i don't know, she wouldn't say, i said something wrong sería la delicia de un psiquiatra...", bromeó el músico.

La canción, considerada como una de las mejores de la banda, fue originalmente grabada para el álbum Help!. Desde entonces fue tocada al menos 7 millones de veces en el siglo 20, tiene alrededor de 2,200 covers y forma parte del Salón de la Fama del Grammy.

McCartney enfrentó momentos difíciles en su vida, como la muerte de su amigo y compañero, John Lennon, y la pérdida de su esposa Linda: "Creo que mi personalidad robusta me ayudó a salir adelante", reconoció. "Todo se resume a mi crianza con mi familia en Liverpool, la cual me enseñó que no importa lo difícil que estén las cosas, hay que salir adelante y tratar de pasarla bien", concluyó.

Fuentes:Rolling Stone Revista, Alfonso Ortega, TN,Revista Mojo.






The Air that I breath


"The Air That I Breathe" fue escrita por Hammond para una mujer muy especial, pero a la vez anónima. Estaba dedicada a una mujer que ayudó mucho a Albert en su estadía en Los Angeles, cuando este llegó con lo puesto y con una maleta llena de sueños y nuevos acordes.
Sobre este tema, recién en el año 1992 y en una entrevista con la BBC, el músico se dió el tiempo de hablar sobre esta canción. En esa ocasión mencionó: "Cuando escuchan la canción, muchos creen que las palabras van dedicadas a la mujer mas hermosa del mundo, pero no es así. Esta canción fue escrita para alguien común y corriente, quizás no tan bella fisicamente pero realmente hermosa en su espíritu. Esa mujer era cálida y amable y siempre la recordaré ... Esa persona me ayudó mucho e incluso me dió refugio a mi llegada a Los Angeles, cuando yo no tenía ningún lugar donde alojar" señaló el músico.
Además agrega: "Un día me senté al lado de Mike Hazlewood, y le conté todo lo que había vivido en esta ciudad y cuanto me hab´pia ayudado esa mujer. Fue en ese entonces cuando Mike dijo la frase "es el aire que respiramos", la cuál esta asociada a que en Los Angeles había mucho smog. Asi fue como nació esta canción, entre una historia de amor y una frase ligada a la ecología. Sea como sea, funcionó".


Pero volvamos a lo musical....Meses después de la publicación de Hammond, aparecería una nueva versión de la canción, esta vez en la voz de Phil Everly, el 50% de los famosos Everly Brothers, pero tampoco pudo enganchar con la gente. Al parecer esa "rola" era un caso perdido...


Por ese mítico año 1973, y mientras se dedicaba a su carrera como solista, Allan Clarke decidió poner el freno de mano e ir donde sus Hollies, esa banda que lo catapultó a la fama mundial. De esa manera y tras conversar variados temas, decidieron empezar a trabajar en un nuevo LP de bienvenida... Asi empezaron las grabaciones del espectacular "Hollies", un disco escencial para todo amante del buen rock.


Asi fue como contactaron al ingeniero Alan Parsons, que en ese entonces un personaje dentro de la historia del rock y que tenía en su curriculum el haber trabajado con bandas tan emblemáticas como The Beatles y Pink Floyd.
El primer corte que lanzaron fue otra versión de "The Air That I Breathe", pero esta vez con otra capa musical y con los sonidos típicos de esta agrupación inglesa.


La versión de los Hollies fue muy aplaudida por la crítica, especialmente por el toque de calidad en voz de Clarke y la motivación de los demás músicos.
"The Air That I Breathe", en voz de los Hollies, llegó al segundo lugar del UK Singles charts y se convertiria en su mayor hits dentro de los 70's.
En estados Unidos el single corrió la misma suerte, e incluso tuvo mayor promoción. Su llegada al puesto #6 del Billboard Hot 100 la dejó como una de las canciones mas escuchadas en el verano de 1974.


La fama volvía a los pies de los Hollies y de paso Albert Hammond también disfrutaba de la suya, aunque esta vez cantando en español. Asi fue, y aprovechando la promoción gratuita que le hacían los Hollies, Albert decidió publicar en el año 1976 una versión en español de esta canción, la cuál llevaba por nombre "Necesito poder respirar". Obviamente, fue un hit monumental en tierras de habla hispana...


Fuente: Revista Rolling Stone.

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MEJOR NO HABLAR DE CIERTAS COSAS INTERPRETE: SUMO


Una mujer, una mujer atrás,
una mujer atrás de un vidrio empañado.
pero no, mejor no hablar de ciertas cosas.
no, mejor no hablar de ciertas cosas.
Un tornado, un tornado, un tornado...
un tornado arrasa a mi ciudad y a mi jardín primitivo.
un tornado arras a tu ciudad y a tu jardín primitivo.
pero no, mejor no hablar de ciertas cosas
no, mejor no hablar de ciertas cosas.
Yo, yo, yo, yo...
yo tuve la mejor flor, la mejor de la plata ms dulce
yo tuve la mejor flor, la mejor de la plata ms dulce
pero no, mejor no hablar de ciertas cosas.
no, no, no, mejor no hablar de ciertas cosas.
Saltando, saltando, saltando...
saltando en mi cara a la mexicana, un fugitivo se entrega
saltando en mi cara a la mexicana, un fugitivo se entrega
pero no, mejor no hablar de ciertas cosas.
no, mejor no hablar de ciertas cosas.
La mujer, el vidrio, el tornado, el jardín primitivo,
yo, la flor, saltando, fugitivo,
no, no, no...que no, que no, que no...




La canción, si bien siempre fue interpretada por Sumo, su autor en realidad es el Indio Solari, líder de Los Redonditos de Ricota, otra reconocida banda de Rock en la década de los 80. Se comenta que Luca Prodan, de Sumo, escuchó a Solari tocar ese tema pero con un ritmo mucho más lento que el que nosotros conocemos y le pidió que se lo regalara. Solari nunca llegó a tocar este tema en vivo, ni tampoco llegó a grabarlo, es por eso que no podemos escuchar esta canción en su versión original y tocada por su compositor. Una vez adaptada a su estilo, mucho más rápido,Sumo incluiría esta canción es su álbum "Divididos por la Felicidad" publicado en 1985.Se dice también que en agradecimiento por haberle cedido la canción, Prodan, de nacionalidad italiana, le dio al cantante de Los
Redonditos de Ricota una obra suya, Criminal Mambo, en su lengua madre, el italiano. Solari, habría adaptado este tema al castellano y lo interpretó con su banda.En cuanto al significado de la letra de la canción, si bien parece complejo y difícil de entender, basta con ver en que contexto histórico fue escita, para entenderla con mucha más facilidad.Corrían los primeros años de la década del ochenta y en Argentina,seguía todavía latente la última y más cruel dictadura militar de su historia. A partir de 1976 hasta 1983, fueron años de mucha censura, muchas voces calladas y muchas verdades sin salir a la luz. El estribillo de la canción: "Pero no, Mejor no hablar de ciertas cosas" hace referencia a este silencio obligado, respaldado por terribles y amenazantes frases como "el silencio es salud" , que por tantos años había sido impuesto en el país.









Lo siguiente es un extracto de una entrevista con Phil Collins: En las letras, el coro de la canción viene de una improvisación mientras estábamos escribiendo la música. Yo tenía esta idea para la letra y escribí una historia sobre la base de la misma. Por supuesto, la historia se explica por sí misma, es acerca del abuso en un hogar. El padre se comporta como una especie de monstruo con la familia, está abusando del hijo o de la madre. No estoy completamente seguro de a quien, y eso se dejó deliberadamente al azar. Pero es algo que está sucediendo muy a menudo en ciertos hogares, y descubrí que muchas personas que oyeron la canción se sintieron identificados con la misma, como si hubiese sido escrita para ellos. Es extraordinario, simplemente escribes algo que surgió por accidente, pero llega a convertirse en algo que alcanza a mucha gente. (Rockline, 25 de noviembre de 1991)

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No woman no cry.

Vincent Ford

Se trataba de un viejo conocido de Marley. Ford tenía 17 y Bob 13 años. Ford era el cocinero de un colegio,aunque más tarde creó su propia cocina en Trenchtown.
La madre de Bob emigró a USA cuando este era sólo un chiquillo, ante la negativa de Bob a quedarse con su padrastro, se vió obligado a vivir en la calle y comer en comedores sociales o en el restaurante de Vincent.
Bob comió gratis en infinidad de ocasiones en esa cocina, También fue Vincent quien enseñó al pequeño Bob a tocar la guitarra.
Viene firmada a nombre de Vincent Ford, ya que era la única manera de ceder todos los derechos de la canción a su amigo..
Otra Historia de la canción, según cuenta Rita Marley en su biografía,(con el mismo título que la canción) es que la canción la compuso Bob cuando este se enteró de que el cáncer se extendía por su cuerpo, y comenzaba a perder la batalla....fue una manera de consolarla  y de echar la vista atrás para decir..mira todo lo que hemos hecho juntos, no llores.

NO LLORES MUJER


Recuerdo cuando solíamos sentarnos
En la plaza de gobierno de trenchtown.
Observando a los hipócritas
Mezclarse con la gente bien que conocemos,
Que buenos amigos hemos tenido,
OH muy buenos amigos hemos perdido en el camino.
En este futuro prometedor no puedes olvidar tu pasado,
Así que seca tus lágrimas.

No llores mujer
No llores mujer
Pequeña, no dejes caer mas lagrimas.
No llores mujer.

Y dije, recuerdo cuando solíamos sentarnos
En la plaza de gobierno de trenchtown.
Georgia encienda la fogata,
Los maderos ardían toda la noche

Cocinamos sopa de maíz
Que comimos juntos.
Solo con los pies me desplazo,
Así debo seguir,
Pero, mientras parto...

Todo estará muy bien.
Todo estará muy bien.
Así que, no llores mujer
No llores mujer.
Pequeña, no dejes caer mas lagrimas.
No llores mujer.





El verdadero significado de Bohemian Rhapsody





Bohemian Rhapsody es una canción de la banda británica de rock Queen. Fue escrita por Freddie Mercury para su álbum de 1975 A Night at the Opera.

Cuando se puso a la venta como sencillo, Bohemian Rhapsody se volvió un éxito comercial, permaneciendo en la cima de las listas británicas durante 9 semanas. Alcanzaría el puesto número uno nuevamente en 1991 tras la muerte de Freddie Mercury. En total, generó 2,176,000 ventas, siendo el tercer sencillo más vendido de todos los tiempos.

La canción consta de seis secciones: introducción, balada, solo de guitarra, ópera, rock y coda o final. Este formato, con cambios abruptos de estilo, tonalidad y tempo, es inusual en la música rock. Su compositor, el legendario Freddie Mercury, se negó a explicar su verdadero significado, diciendo que sólo trataba sobre relaciones. Tras el lanzamiento del sencillo, el cantante declaró:

"Es una de esas canciones que tienen un aura de fantasía alrededor. Pienso que la gente debería simplemente escucharla, pensar en ella y luego formar su propia opinión acerca de lo que les dice... 'Bohemian Rhapsody' no salió de la nada. Hice algunas investigaciones porque está pensada para ser un modelo de ópera, ¿por qué no?".

Varios suponen que la canción contiene referencias veladas a los problemas personales del cantante y pianista. En un documental de la BBC sobre el proceso de creación de Bohemian Rhapsody, Roger Taylor comentó que el verdadero significado de la canción es: "claramente de auto-exposición, con sólo unas pequeñas partes sin sentido en el medio".



Sin embargo, cuando la banda lanzó un disco recopilatorio con sus grandes éxitos en Irán, se incluyó un folleto en persa que contenía las traducciones de las letras a este idioma y sus explicaciones. En el caso de Bohemian Rhapsody, se aclaraba que es un diálogo en partes sobre un hombre que mató a alguien y que, como Fausto, vendió su alma al demonio. La noche antes de su ejecución, llama a Dios en árabe, diciendo Bismillah, y con la ayuda de sus ángeles puede recupera finalmente su alma.

A pesar de esto, el misterio alrededor de la canción aún persiste. Entre las teorías más aceptadas sobre la canción se comenta que es el diálogo de un asesino suicida perseguido por demonios o momentos antes de una ejecución. Se comenta también que la canción recibe la influencia de Albert Camus y su novela El Extranjero. Otros piensan que la letra sólo fue compuesta para acompañar la música y no tiene significado.



Sheila Whiteley sugiere que la letra de esta canción refleja la orientación sexual de Mercury, que en ese momento había llegado a un punto de inflexión en su vida personal. Había estado viviendo con Mary Austin durante siete años, pero en aquel año había tenido su primera pareja homosexual. Whiteley prosigue que la frase Mama Mia let me go significa realmente una petición a Mary Austin de dejarlo ir para vivir plenamente su sexualidad

[senpai]

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Si a veces buscas una lista de canciones que te ayuden a desahogarte y a identificarte con tu triste historia de amor, Adele es experta en eso . Esta cantante inglesa de 27 años es de las revelaciones del último tiempo no solo por su música e increíble voz, sino que también por su historia.

Adele le escribe al amor y fundamental al desamor. Luego de perder a una de las parejas más importantes de su vida, ella se sentó a escribir y manchó los papeles con toda su pena, rabia e impotencia de no tener cerca a la persona que amaba.

El álbum llamado 21, trata sobre su última relación, la que marcó su vida y la que la ayudó a inspirarse para crear sus exitosos y emotivos temas. Adele dijo en alguna oportunidad que no sabe si su ex novio sabe que él fue quien la llevó a escribir todos sus hits, "No tengo ni idea de si él ha escuchado el disco o de si es lo suficiente listo para relacionarlo, para pensar que se trata de él mismo. No estoy diciendo que sea tonto, tan sólo es que no sé si hacia el final de la relación, él sintiera que yo lo había querido tanto como para componer un disco sobre él, pero así fue", dijo.

La canción  Someone like you,habla de una mujer, que tiempo después de haber terminado una relación, aún no puede olvidar a aquel amor y decide ir a buscarlo para despedirse y que a pesar de que quizás él ya no piensa en ella, para la mujer nada ha terminado.
La cantante explicó hace un tiempo diario The Sun, lo que significa para ella este tema, "Es simple, va sólo a dejarlo. Esta canción me enoja mucho de verdad y es de las más elocuentes. Va justo al grano, no trata de ser inteligente, creo que es por eso que me gusta tanto, porque es muy honesta"

Más de alguien ha pasado por el desamor. Eso de sentir que alguien te dejó llena de amor por dentro sin saber dónde dejarlo, porque solo quieres entregárselo a una persona, pero él o ella no quiere recibirlo. Pasa el tiempo y tú sigues en lo mismo. Probablemente ya no piensan en ti, ya tiene otra pareja y todo ha cambiado, pero aún quedan todos los recuerdos que no quieres borrar.
Letra de "Someone Like You" Adele

"Someone Like You" traducida - Adele
(Alguien como tú)

Oí que has sentado la cabeza
Que encontraste a una chica
y que ahora estás casado
Oí que tus sueños
se hicieron realidad
supongo que ella te dio
lo que yo nunca te di

Viejo amigo,
¿por qué eres tan tímido?
no es propio de ti contenerte
u ocultarte de la luz

Odio aparecer
cuando menos se me espera
sin que me inviten, pero
no pude mantenerme alejada
no pude resistirme, esperaba
que vieras mi cara
y que te acordaras de que
para mí, esto no ha terminado

No importa, encontraré
alguien como tú, no deseo
nada más que lo mejor
para ti también
no me olvides, te lo ruego
te recuerdo decir que
a veces el amor perdura
pero otras, duele, sí

Sabías cómo el tiempo
pasa volando, sólo ayer
fue la mejor época de nuestras vidas
Nacimos y crecimos
con bruma de verano
Vinculados por la sorpresa
de nuestros días de gloria

Odio aparecer
cuando menos se espera
sin que me inviten, pero
no pude mantenerme alejada
no pude resistirme, esperaba
que vieras mi cara
y que te acordaras de que
para mí, esto no ha terminado

No importa, encontraré
alguien como tú, no deseo
nada más que lo mejor
para ti también
no me olvides, te lo ruego
te recuerdo decir que
a veces el amor perdura
pero otras, duele, sí

Nada es comparable
Sin preocupaciones ni cuidados
Remordimientos y errores
forman parte del recuerdo
¿Quién iba a saber el sabor
agridulce que esto tendría?

No importa, encontraré
alguien como tú, no deseo
nada más que lo mejor
para ti también
no me olvides, te lo ruego
te recuerdo decir que
a veces el amor perdura
pero otras, duele, sí


:oki:







Era 1968, y los Stones estaban separados por diversos motivos. Uno de los principales era el sorprendente fracaso en ventas del disco "Their Satanic Majesties Request", un ejercicio de aires psicodélicos publicado en 1967.  Por esa razón los músicos se tomaron unas merecidas vacaciones con el fin de reflexionar sobre su próximo trabajo musical y aprender de este gran fracaso musical.
Asi fue como tras meses fuera de las pistas, donde la prensa empezó nuevamente a darle duro a la vida privada de cada uno de los integrantes de la banda, apareció  un nuevo single  el 24 de mayo de 1968. En este aparecía como cara A una rola muy energética, con tintes y aires renovados y que traía de vuelta a los Stones mas bluseros y de carretera. Se trataba de "Jumpin' Jack Flash", y el mensaje estaba mas que claro: Los Rolling Stones volvían al ruedo con todo...

La historia de esta canción empieza a inicios de 1968, cuando Mick Jagger y Keith Richards fueron a vacacionar a Redlands, California. En esa ocasión ambos Stones se quedaron conversando y bebiendo toda esa lluviosa noche en la mansión que tenía KR en esa hermosa ciudad en el condado de San Bernardino. Pero cuando ya amanecía, Jagger casi se muere de susto al ver una persona desconocida pasar por el patio, y sentir el repentino ruido de unas botas en el marco de la ventana de la pieza. Y cuando el vocalista de la banda estaba a punto de gritar, Keith se le acercó y le dijo: "Es solo el jardinero, se llama Jack Dyer y al parecer está saltando". Ahí estaba la frase para una buena canción...

A raíz de ese episodio, Keith encontró cierta inspiración, pescó su guitarra y empezó a improvisar un ritmo de blues mientras entonaba la frase 'Jumping Jack". Tras observar la cara de alegría de su compañero, Mick se  unió a él y le agregó a la frase la palabra Flash, y el resultado los dejó mas que motivados. Tenían la base de una nueva canción (la cual fue titulada en primera instancia como "Supernatural Delta blues by way of Swinging London") , y todo gracias al jardinero de la casa.

"Esta canción surge tras todo lo ácido de "Their Satanic Majesties Request". Solo trata de salir de los momentos difíciles y duros. Es tan sólo una metáfora para salir de todas esas cosas ácidas" declaraba en 1995 el señor Mick Jagger. Y era así, la canción no tiene nada que ver con mensajes ocultos a drogas, ni referencias al sexo ni a los excesos, simplemente era una canción para sentirse bien y empezar a volar a pesar de problemas.
Si Jagger lo tomaba de un tono mas emocional, el otro autor, el señor Keith Richards, se iba mas a lo técnico, y declaraba que su fanatismo por esta canción venía de lo orgulloso que se sentía por haber creado un riff pegajoso y muy particular para la historia de la banda.  "Cuando uno consigue un riff como el de 'Flash ', aparece una gran sensación de euforia, algo así como una alegría perversa ", declaraba el guitarrista a la Rolling Stone en el 2010. Además, agregaba que "puedo oír a toda la banda despegar detrás de mí cada vez que toco ' Flash'. Y ahí viene ese toque adicional donde todos van marchando para subirse al riff  y empezar a tocar. Es lo mas cercano a la levitación".

Pero años antes de esas palabras de Keith sobre el riff, en 1989 exactamente, en su autobiografia titulada Stone Alone: The Story of a Rock 'n' Roll Band, el bajista Bill Wyman sorprendería a todos los "Stonesmaniticos" al declarar que el mítico riff de guitarra no fue creación exclusiva de Keith, y que fue él el verdadero artífice de esa parte de guitarra durante los ensayos en los Olympic Studios de Londres, Inglaterra.
En esas páginas, el bajista declaraba: "Estábamos en el estudio temprano una vez... de hecho creo que era un ensayo, no creo que haya sido durante una grabación. Y estábamos ahí Brian (Jones), Charlie (Watts) y yo - los Stones nunca llegaba temprano ni juntos, sabes - y Mick y Keith no habían llegado. Y estaba pasando el rato sentado al piano y comencé a tocar este riff: da-daw, da-da-daw, da-da-daw, y después Brian comenzó a tocar su guitarra y Charlie le estaba dando el ritmo. Estuvimos tocándolo por 20 minutos, y cuando llegaron Mick y Keith  paramos, y ellos dijeron: 'Hey, eso suena muy bien, continuen, ¿qué es?.' Al siguiente día lo grabamos, Mick escribió una grandiosa letra y resulto ser un muy buen sencillo."
Tras estas declaraciones, ni Mick ni Keith le han dado tanto hincapié a esas palabras, y pocas veces le han dado importancia. Eso si, en mas de alguna ocasión ambos han mencionado que frases como esa simplemente van ligadas al disgusto del bajista por no aparecer en los créditos de esa mítica canción que grabaron el 23 de Marzo de 1968. De hecho, en 1997, Keith llegó a decir que el riff simplemente "era lo inverso al que usamos en "Satisfaction". Ambos son intercambiables, salvo que esta vez no usamos una Gibson Maestro Fuzztone". Además, el musico agregaría que "me encanta "Satisfaction", es buena y todo eso, pero los acordes son más o menos simples y cumplen el rigor en cuanto a la composición de canciones como esa. Pero "Flash" es particularmente interesante. Es el todo en estos momentos. Es casi árabe o muy vieja, arcaica, clásica, y contiene las configuraciones de acordes que sólo se podía oír en los cantos gregorianos o algo por el estilo . Y tiene esa mezcla extraña de Rock and roll junto a esa música muy, muy antigua, que ni siquiera sabes como las hicieron. Es mucho mayor que yo , y eso es increíble ! Es como un recuerdo de algo, y no sé de dónde vino" .

Pero eso no es todo, ya que para refutar las palabras del ahora ex-bajista de la banda, en el 2003 el baterista Charlie Watts declaró que el riff y los solos de "Jumpin 'Jack Flash" eran de su amigo Keith. Incluso agregó que fue el guitarrista quien le pidió, en esa sesión de grabación, que tocara la batería de cierta forma que acompañara del todo a su nueva creación. "El sonido de "Jumpin 'Jack Flash" es muy fuerte, porque nosotros nos sentamos cerca el uno con el otro y empezamos a tocarla en el estudio. Fue algo asombroso, tanto par nosotros como para los ingenieros en ese día. Nunca hicimos algo así. Nunca mas lo haremos" agregaba el baterista, que además es adicto al buen jazz.

Mas allá de quien hizo el riff y quien no lo hizo, la canción fue tdo un éxito. Es que con "Jumpin 'Jack Flash" la banda volvía a la cima de los charts y al éxito de años atrás. Es que este single llegó al puesto #3 en Estados Unidos y a la cima del UK Singles charts. Esto marcaba la vuelta de la banda a los charts, y el fin de la mala racha, pero a pesar del éxito la canción no fue incluída en ningún disco y quedó simplemente como single, pero en el repertorio de la banda en vivo siempre ocupa un lugar especial.
De hecho, el canal de televisión VH1 colocó a esta canción en el puesto #65 en su lista "100 Greatest Rock Songs". Mientras que la revista Rolling Stone la colocó en la casilla #124 en el especial "500 Greatest Songs of All Time". y en Marzo del 2005, la "Q magazine" dejó a "Jumpin' Jack Flash" en el segundo puesto de su lista "100 Greatest Guitar Tracks".

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"Durazno Sangrando"- Spinetta / Invisible


Spinetta, un músico muy particular, quién es necesario entenderlo para admirarlo, no lo digo por las letras, sino, mas que todo por la originalidad y por lo que transmiten sus canciones.


El día de hoy, les traigo una tema muy conocido, llamado "Durazno Sangrando". Spinetta explicó que el tema era simplemente una fabula, pero lo mismo dijo Charly Garcia sobre su composición "Alicia en el país de las maravillas", y tiempo después muchos se dieron cuenta que hablaba de una forma sutil, sobre la dictadura. (Charly dijo esto en la época de los militares)




Durazno sangrando
("Durazno sangrando", Luis Alberto Spinetta)


Temprano el durazno del árbol cayó...
Su piel era rosa dorada del sol...
Y al verse en la suerte de todo frutal...
A la orilla de un río su fe lo hizo llegar...
Dicen que en este valle
los duraznos son de los duendes...

Pasó cierto tiempo en el mismo lugar,
hasta que un buen día se puso a escuchar
una melodía muy triste del sur
que así le lloraba desde su interior:

–"Quien canta es tu carozo,
pues tu cuerpo al fin tiene un alma...

Y si tu ser estalla,
será un corazón el que sangre...

Y la canción que escuchas
tu cuerpo abrirá con el alba".

La brisa de enero a la orilla llegó,
la noche del tiempo sus horas cumplió...
Y al llegar el alba el carozo cantó,
partiendo al durazno que al río cayó...
Y el durazno partido,
ya sangrando está bajo el agua...



El agua siempre fue imagen de la vida en cuanto posibilidad; el árbol, en cambio, lo es en cuanto alegoría de una vida concreta. Para decirlo aristotélicamente, el agua es potencia y el árbol, acto. Uno es condición de posibilidad, el otro es un concreto existir en el tiempo. Ambos han tenido siempre una estrecha relación con la divinidad. La historia del hombre esta surcada de manantiales sagrados, habitada de deidades fluviales, y empapada de mitos oceánicos. Pero también la historia de la Salvación comienza con el fatídico árbol del Edén y culmina en el árbol de la Cruz. El agua y el árbol, ontológicamente, el ser y el existir.

El árbol es también un particular modo de existir. Una metáfora que hace hincapié en un universo de relaciones y también en un destino. Un sistema de dependencias recíprocas y cerradas que tienen el fruto como feliz culminación. El árbol que no da fruto es maldito, como la evangélica higuera, y el fruto que desprecia su planta merece el fuego, como el sarmiento de la parábola. Vivir como un árbol implica entonces reconocer una dependencia y una pertenencia, además de aceptar un sentido. Se vive desde algo y también para algo. Ser árbol es, en definitiva, un modo de ser hombre. Quizás el único modo digno de serlo.

En este caso, sin embargo, el poeta practica una escisión en la monolítica semántica del árbol. El fruto aparece como una realidad desprendida simplemente por el inevitable cumplirse de su suerte "frutal". Una separación sin conflicto de una madre-árbol, no desprovista de aromas freudianos. El rosado y asoleado durazno adolescente cumple la inevitable ley de la vida que indica, en un determinado momento, comenzar a hacerse cargo de sí mismo, lejos de las cómodas seguridades arbóreas.

Luego del primer aturdimiento producido por el abrupto irrumpir en el valle, nuestro joven durazno permanece cierto tiempo estático. Observa un mundo habitado por duendes, que le es extraño. No parece, de todos modos, ser un durazno totalmente desprevenido, ya que sabemos que una fe lo asiste y lo empuja hasta la orilla del río. En esta privilegiada ubicación, en contacto con el agua vital, es donde recibe el mensaje que proviene desde su interior y que le comunica algo esencial. Es una canción triste, que parece llegarle de lejos, aunque proviene de su interior, señalando que a veces lo más íntimo es lo más lejano. El abandono del cálido árbol de la niñez es seguramente una experiencia no desprovista de dolor, y la canción llora. Vivir parece ser para el durazno el lento, y a veces arduo, transitar del árbol al agua. Rodar desde la causa eficiente, hacia la causa final.

Su cuerpo tiene un alma, su vida es algo más que lo que su apariencia indica. Tener un alma es una revelación a la que es imposible permanecer indiferente y es lo único que recibirá desde su carozo-conciencia. Con esta nueva y densa realidad sobre los hombros, la existencia del durazno se encamina a su hora. El doloroso encuentro con el agua, partido y sangrante, pero imagino feliz. Metáfora de una muerte frutal, que habiendo cumplido su destino, es también fructífera. Quizás el carozo arrastrado en la corriente sea árbol en otro valle. Pero prefiero, por el momento, detenerme en el encuentro definitivo con la divinidad cuyo ser hizo posible su existir.




Igualmente podemos tomar como otra interpretación, la leyenda de Momotaro,el niño melocotón (durazno),un famoso cuento japones.









One - Metallica.




Para entender mejor la canción habría que ver la película sobre un cuento de Dalton Trumbo llamada ''Johnny Got His Gun'', en la cuál Metallica se basó para hacer la canción. El vídeo de 'One' contiene escenas varias de esta película. La película es un poco difícil de conseguirse pero vale la pena.

En la película, Johnny deja atrás su hogar y a su novia para embarcarse en el infierno de la primera guerra mundial. Allí, durante un bombardeo, Johnny pierde las piernas y los brazos. El bombardeo también le desfigura la cara quitándole el sentido de la vista, oído y gusto. A pesar de eso, consiguen salvar la vida de Johnny llevándole a un hospital de guerra.

La letra de la canción expresa ese sentimiento de Johnny de completa desconexión con el mundo de los sentidos, el mundo que todos nosotros concebimos. Habla de la rabia, impotencia y locura de Johnny en un mundo que no ve ni oye ni siente. Habla de la necesidad de escapar de ese cascarón llamado 'mente' y de la necesidad de morir. Es una canción pro-eutanasia, al igual que la película en que se basa.

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"Nobody Told Me" es una canción del famoso músico británico John Lennon y fue lanzada como single un 23 de Enero del año 1984 promocionando el comentado disco póstumo "Milk and Honey".
Tras la muerte de Lennon, un 8 de Diciembre de 1980 y en manos de un descerebrado, y como homenaje a su trayectoria musical y en especial a sus  seguidores, Yoko Ono decide entregar las cintas a la discográfica que contenían varias grabaciones "demo" que había dejado John en sus últimos 2 meses de vida. Este material musical, donde la mayoría había sido grabado en las sesiones del Double Fantasy, tenía como objetivo formar parte de un disco que se grabaría en 1983, con el fin de volver con todo a las pistas musicales tras un breve receso dedicado a la familia y a la desintoxicación.

Una de esas canciones que aparece en el disco es "Nobody Told Me", que en un principio iba a ser cedida a su amigo Ringo Starr para que formara parte del tracklist de su disco Stop and Smell the Roses (1980), pero tras la muerte de John la idea simplemente quedó en nada, y los derechos de autor jugaron un papel importante.
Pero la historia de esta canción recién empieza en el año 1976, y tras su reconciliación con Yoko Ono, cuando Lennon grabó en uno de sus estudios caseros que tenía en el Dakota una canción llamada "Everybody's Talkin', Nobody's Talkin'", donde el músico estaba en el piano y bajo una llamativa caja de ritmos. esta canción ya sería el 80% de la pista que hoy conocemos y que aparecería en el Milk and Honey. Eso sí tuvieron que pasar casi 4 años para que la canción volviera a ser interpretada y arreglada.

Semanas antes de entrar a grabar el disco Double Fantasy, Lennon volvió a sacar a la palestra a esta canción, y le incluyó una pista de guitarra a su nueva "rola" y pus algunos detalles vocales para adornarla más. Lo más llamativo de esa versión es que ahora contenía como coro la frase "nobody told me", lo cuál la hacía mas especial y la cuál marcaría para la eternidad a esta canción.

De esa manera, y cuando ya tenía terminada la canción, Lennon decidió trabajar más la letra para luego llamar a Ringo con el fin de que la escuchara y si le gustaba se la llevara para incluirla en el disco que estaba preparando, tras dos proyectos musicales de muy baja calidad que había lanzado sin vergüenza al mercado años antes.

La mítica sesión de grabación de la canción, donde Ringo participó como oyente, se llevó a cabo un 7 de Agosto de 1980 en los Hit Factory de Nueva York. En esa ocasión Lennon grabó 10 temas de la canción, quedando seleccionada la última pieza ( y que fue la que usó Yoko en la versión del disco Milk & Honey), y la cuál se puede escuchar en el compilado "John Lennon Anthology" publicado en 1998.

Otro detalle interesante es la parte lírica. Aquí es donde Lennon nos vuelve a sorprender con frases que tienen varias historias en su pasado oscuro. Por ejemplo, la frase "Little yellow idol to the north of Katmandu" es una adaptación de una frase que aparece en el famoso poema The Green Eye of the Yellow God cuyo autor es el emblemático actor y poeta británico J. Milton Hayes.
Otra frase que causó misterio fue "there's a UFO over New York and I ain't too surprised", que estaba ligada a un episodio donde el músico tuvo un encuentro cercano del tercer tipo en Agosto del año 1974. En su libro "Loving John", la secretaria personal de la familia Lennon y que también fue pareja de Lennon durante el "Lost Weekend", la también japonesa May Pang relata detalles sobre ese suceso: "Nosotros acabábamos de pedir algunas pizzas y ya que era una tarde de mucho calor, entonces decidimos salir a la terraza". No había ninguna ventana que nos permitiera ver más allá de la calle, entonces John salio caminando afuera para sentir esa brisa fresca que venía del río. Recuerdo que justo estaba dentro del dormitorio vistiéndome cuando John comenzó a gritar para que saliera hacia la terraza. Le grité que ya iba pero me siguió llamando para que saliera de inmediato. Entonces, salí a la terraza, mis ojos vieron un objeto grande, circular y que venía hacia nosotros (1). Pang agrega sin tapujos que
el objeto tenía forma de cono con amplio radio basal y que no tenía para nada forma de avión o de helicóptero.
La pareja quedó muy asustada con el suceso, y miraron fijamente el OVNI que se posaba sobre sus cabezas . "Cuando estuvo un poco más cerca, podíamos distinguir una fila o círculo de luces blancas que se ubicaban en todo el borde de la nave, y estas destellaban una intensa luz intermitente. Había tantas de estas luces que eran deslumbrantes para la mente. Tenía el tamaño de un avión Lear Jet y estaba tan cercano que si le hubiéramos lanzado algo probablemente le habríamos golpeado fácilmente" agregaría Pang en su libro.
Lennon, que era un fanático de la British UFO Magazine (1), quedó muy impactado con el suceso pero a la vez decidió hablar sin tapujos de esto, y en esta canción dejó una frase que data de ese encuentro. Ademas, por eso es que en su disco "Walls & Bridge" se puede leer la enigmática frase: "On the 23rd August 1974 at 9 o'clock I saw a U.F.O. - J.L.". Pero volvamos a pisar tierra firme...

Cabe señalar que tras la muerte del músico, Ringo no tuvo ni las ganas ni mucho menos el ánimo de grabar la canción que le había cedido su amigo meses antes de la tragedia. De hecho, el mismísimo baterísta ha mencionado que fue tanta su impresión por ese acontecimiento que no se hallaba capaz de grabar la pista, pues ya el escuchar la voz de Lennon en la cinta "demo" lo hacia llorar frente al micrófono. Además, una insegura Yoko decidió suspender todo homenaje musical, y guardar todo lo que fuera firmado por su esposo con el fin de ser ella la única en tener ese material y publicarlo bajo los derechos de autor que ambos protegían.

Finalmente la canción fue lanzada como single en Enero de 1984 (donde el lado B contenía la canción " O'Sanity" en voz de Yoko, quien no se separaba de su difunto esposo ni en los singles póstumos).
Este sería el último single de John lennon en entrar a los primeros lugares del Billboard Hot 100 (llegó al puesto #5) y además llegó a la sexta posición del UK Singles charts.
Lennon era la leyenda...



















"I'll Follow the Sun" es una canción de la banda británica The Beatles y está incluida en su LP "Beatles For Sale", publicado el 4 de Diciembre de 1964 y que tuvo un gran éxito en las listas.
Tras estar sumergidos en las giras, conferencias de prensa, viajes y otras cosas, lo que menos tiempo había era para grabar canciones nuevas y originales. En plena "Beatlemania", las cosas se ponían mas que difíciles y por ello este disco cuenta con una batería de elegantes y moldeadas versiones de clásicos de sus artistas favoritos como Chuck Berry, Buddy Holly y Carl Perkins entre otros. Por ello, "Beatle For Sale" marca un periodo en que las discográficas querían sí o sí lanzar discos en las fiestas de fin de año, y además nos trae a un John Lennon que poco a poco iba haciendo de sus letras un canto autobiográfico.

Las sesiones de grabación de este LP empezaron en Agosto de 1964, y era tan el poco tiempo que pasaban ensayando o componiendo que en algunos casos Lennon y McCartney tuvieron que ir en busca de esas viejas canciones que tenían guardadas cuando simplemente eran una banda que tocaba en Pubs y bares de mala muerte en Hamburgo y en Liverpool
Una de esas canciones rescatadas fue la balada "I'll Follow The Sun", quedará el año 1959 y que era uno de los primeros registros bajo la firma "Lennon-McCartney".

La historia cuenta que esta melancólica canción fue escrita por Paul McCartney mientras pasaba sus vacaciones de invierno en la casa de un familiar en Allerton, Liverpool.
"La escribí en un salón que daba de frente con el camino a Forthlin. Yo tenía apenas 16 años, y escribí "I'll Follow The Sun" una mañana en que me levanté temprano. Recuerdo que venía saliendo de un fuerte cuadro gripal, y que tenía un cigarrillo - Yo fumaba desde los 16 años- de esos de algodón. Mientras estuve enfermo no fumé, pero cuando me sané y probé nuevamente un cigarro fue terrible, más si era de algodón. Bueno, recuerdo estar mirando por la ventana en ese salón, con mi guitarra y escribí la letra de una" comentaría años después Paul en una entrevista con el historiador inglés Mark Lewisohn.

Si bien la fecha exacta nadie la sabe, o simplemente la memoria fue frágil, al parecer entre Mayo y Junio de 1960 (pre-historia Beatle) aparece la primera versión de esta canción en una grabación casera hecha en el baño de la casa de McCartney, que al parecer era un lugar con una acústica formidable. En esa sesión McCartney, Lennon y Harrison tocaron las guitarras acústicas y Stuart Sutcliffe estaba en el bajo.
En ese audio que ya es un registro histórico, y que estaba en manos de Peter Hodgson y que fue comprado en 1995 por McCartney, traía una versión distinta en cuanto a sonido y gran parte de la letra (debido a la mala acústica del lugar y por ser algo casero, es muy difícil captar la letra en su totalidad). Además traía un acto de guitarra en manos Harrison que si bien era simple también contenía un especial arreglo con tintes Perkins, y eso que en aquellos años eran "amateurs".

Ahora, en cuanto a los créditos parecía raro que ya en ese entonces apareciera acreditado Lennon, que al parecer en esos años no tuvo ningún acercamiento con la "rola", pero igual la gente quería saber si ambos músicos crearon esta melodía tras bambalinas.
De hecho, tras publicar el "Beatles For sale", Paul declaró en una entrevista "John y yo escribimos esto hace mucho tiempo, pero decidimos cambiarle la melodía de ocho compases antes de grabarla". Pero en 1980 y en la famosa entrevista con la Playboy, John Lennon se desmarcó de los créditos, diciendo: "Esto es de Paul. No se que más puedo decir...'Tomorrow may rain so I'll follow the sun.' Es de las primeras melodías de McCartney, ya sabes... Escrita antes de ser The Beatles, creo. Había muchas cosas de esos años". Con eso queda claro, que la pareja de compositores también hacía cosas por separado incluso antes de formalizar la banda. Lo cuál es un dato interesante, y esta canción es un buen ejemplo y a la vez poco comentado.

Tuvieron que pasar 4 años para que la banda decidiera grabar de manera formal esta balada. La tarea no fue tan fácil, ya que tenían que hacer algunos arreglos musicales y adecuar la letra, que al parecer estaba muy pobre de metáforas.
Mientras pasaban la semanas, y la gerencia del sello de grabación apresuraba a la banda, Paul y John se dieron la tarea de hacer los cambios musicales, y el resultado final fue notable.
Una pieza con aroma a folk, bajo un manto musical agradable y una parte instrumental de alta calidad. Con un Harrison, sueño de punteos simples pero muy influyentes, dando un toque especial a su guitarra que al parecer, también quería seguir al sol.

Antes de incluirla en el disco, y como una forma de ir ya promocionandolo, la banda decidió interpretar esta pieza en un programa radial de la BBC llamado Top Gear. Dicha aparición fue grabada un 17 de noviembre de 1964, y fue transmitido recién el 26 de noviembre, dejando a muchos fanáticos con la boca abierta, tras escuchar un nuevo material Beatle.

Finalmente un 18 de Octubre de 1964, en los estudios de Abbey Road, fue grabada de manera oficial "I'll Follow the Sun", en tan sólo ocho tomas, donde la ultima versión fue la elegida ya que era la que usaba las guitarras eléctricas y contenía la base melódica total.
En lo que se refiere a percusión, hay un dato interesante puesto que Ringo dejó un rato su batería e hizo sonar unas cajas de cartón y grabó palmas. Sobre la actuación del baterísta, Paul recordaría años después: "No queríamos caer en la trampa popular de que todas las canciones sonaran igual en un disco, algo así como le pasaba a las Supremes, por lo que queríamos hacer una instrumentación variada. Ringo no podía seguir tocando lo mismo en batería en todo el disco, por lo tanto decidimos que toque una caja de cartón o que se coloque de rodillas y haga palmas"

Si bien la canción no fue lanzada como single por The Beatles en los 60's, es considerada una pieza importante dentro del catalogo musical de esta gran banda que cambió todo en el aspecto musical.

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Superlógico.








En el primer disco de los redondos Gulp!, hay dos canciones que están referidas al mismo tema: Un reformatorio. Una de ellas es BarbAzul vs el amor letal y la otra Superlogico. En el tiempo Superlogico fue la primera en aparecer allá por el año 82 y un par de años mas tardes para la edición del disco sale la segunda joyita en cuestión, BarbAzul. Esta ultima estaba preparada para el director de cine Hector Babenco que inspirados en la novela de Jose Louzeiro, le dieron vida a una obra cinematográfica que pintaba algo que luego se hiciera común en el cine brasileño el maltrato y la marginalidad en la que caen los menores reclusos en los reformatorios juveniles. Este film llamado "Pixote, la ley del mas débil", nos da una pintura de lo que vive este pequeño de diez años(Pixote) que inmerso en la calle y sumergido en la vida criminal, cae en el reformatorio tras ser atrapado por la policía de Brasil.
Para la explicación de los temas vamos a hacerlo de la forma en que fueron creados, primeros con Superlogico y al final por Barbazul.

Ahí van los machos para consumar una hermosa dotación vital

Solari nos va llevando de a poco, ahí van los machos para llegar a consumar el acto sexual que dará vida, que le dará vida a la hembra. 

El club de mantis muy nervioso está, esas hembras no son dulces no

Ahora vamos entrando mejor en el tema, el club de mantis(así decide denominar a este reformatorio el Indio) esta nervioso, sabe que va a consumar el acto y después llega su final. Esas hembras que son participes no son dulces, no tienen sentimientos, apenas terminado el acto devoran a los machos para sobrevivir y hacer mucho mas fácil la gestación de las crías.  Por eso los denomina "mantis", como las mantis religiosas, en esa especie la hembra es de  mayor tamaño que el macho, como las celadoras de los reformatorios por sobre los reclusos. Y también estas celadoras para poder sobre llevar su vida en la prisión deben someter a los hombres/niños de la misma.

Tal orgía van a banquetear, sin descanso van a devorar

Sigue mostrando la vida de las mantis, en el momento en que se buscan macho y hembra para aparearse, son varios los machos que aparecen y se pelean entre ellos hasta que el ganador es el que finalmente llega a tener la chance de reproducirse, lo cual no es bueno, porque sin descanso, apenas terminado el acto, la hembra devora al macho. En el caso de la cárcel, de la cárcel de pixote, termina habiendo un muerto a causa de una golpiza recibida por los guardias y como asesino se culpa a la pareja del mismo, un niño afeminado que comienza a mostrar su homosexualidad y era la pareja del niño asesinado.

El rostro se comienza a afiebrar, esas hembras no son dulces no

La cárcel, la vida como transcurre dentro del reformatorio los mata, los liquida por la vivencia y la crueldad como los tratan. Las dureza se multiplica al ver que se aplica sobre niños y ahí es cuando los mismos incurren en practicas de presos mayores. la homosexualidad y las drogas(pixote recurría a la inhalación de pegamento) todo es común en este ámbito, mientras las celadoras son duras y severas, el rostro comienza a ponerse colorado al ver esto. Las imágenes generan escalofríos.

Superlógico! ­Superrigido!

Es realmente lógico que todo termine así, que la vida de estos chicos que terminan escapándose de la prisión, terminen muertos, como criminales o escapando del mundo. Con todas las vivencias que pasan, lo despiadado, la crueldad y perversidad en que viven los termina inclinando mas hacia el lugar que los empujo allí, el crimen. Esa rigidez extrema los llevo lógicamente a terminar así.




Fuente:  Ricoteros del alma.





[/size]Signos.





La canción está compuesta por signos. Cada línea de tres palabras representa un signo que se conforma en este caso de: tres palabras (tres significantes) = 1 significado. Signos. Las ideas están formadas de signos y esa canción es un muestrario de signos aparentemente sin sentido. Está jugando con la lingüística.

"Signos Uniendo fisuras Figuras sin definir Signos, oh"

Una cadena de signos conforma un mensaje y este contiene una intención, en este caso la intención no es más que la de sembrar la intriga destapándose con detalles particulares y provocadores

"Signos Mi parte insegura Bajo una luna hostil Signos, oh"

Usa como medio los Signos para enviar su mensaje debido a la vergüenza que le da hablar de forma más clara y entregarlo todo (el mensaje completo y claro)

"Te doy todo Y siempre guardo algo"

El misterio y la falta de claridad son elementos en los que se apoya para confundir a quien escucha/lee la letra.

"No hay un modo No hay un punto exacto"

Es una apelación a la atención y a la interpretación del mensaje, sabiendo que solo una persona lo entenderá a la perfección

"Me amas a obscuras Duermes envuelta en redes"

"Llámame pronto Acertijos bajo el agua"

"Con los dientes Rasgar tus medias"




Es la única canción de Soda Stereo, que no es una balada, en ser tocada completamente con guitarra acústica de inicio a fin sin ningún tipo de guitarra eléctrica, ya que tienen otras canciones acústicas como "Té para tres", pero son todas baladas, lo que hace que el tema sea tan único y una de las mejores canciones de la banda. La canción empieza con un riff de guitarra acústica y sintetizadores, que le dan un toque misterioso al comienzo de la canción, luego viene el piano, posteriormente los demás instrumentos. Cerati toca la guitarra acústica, Zeta el bajo y Charly la batería.


Fuente:Revista Rolling Stones - Sodamania.