Interpretemos la letra de las canciones

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"A veces estamos tan perdidos detrás de la bruma de nuestra propia ceguera, amando atormentados sin recibir nada a cambio, sin reciprocidad, desesperados por una caricia, por una mirada, una palabra que nunca llega, y poco a poco sin darnos cuenta nos apagamos hasta fallecer. ¿Y cuanto tiempo vivimos estando muertos, cuanto tiempo podemos aguantar ese fracaso que delante del altar nos lo vendían como un verdadero milagro a punto de descubrir?
A veces demasiado.
Tanta mentira, tanta esperanza, tanto amor desperdiciado. Vaciamos nuestro corazón con la persona equivocada sin tener la valentía de decir, de gritar que eso no era lo que esperamos, lo que nos han prometido, no es lo que leímos o vimos en el cine. Y nos volvemos opacos, grises o negros, oscuras almas deambulantes por los caminos de la perdición, por los caminos de loseta negra del cementerio donde enterramos la esperanza.
No es amor si hay que empujarlo, porque al final la piedra solo la empuja uno cuesta arriba hasta que su espíritu se quiebra y resulta aplastado en ese intento de sujetar algo que está fuera de su alcance. Y cuando al fin nos damos cuenta de que hemos fracasado han pasado ya 20 años.
Y así es como esa flecha envenenada alcanza nuestro corazón y lo parte en dos, convirtiendo nuestro cuerpo es una tumba andante hasta que un día, sin esperar nada ni a nadie, aparece alguien que nos enseña lo equivocados que habíamos estado, nos enseña vivir en un año todo lo que no habíamos vivido en 20."






Todos hemos oído con tristeza la trágica historia de amor de la canción de Maná «En el muelle de San Blas», que el grupo mexicano popularizó en 1997.Pues bien, su protagonista era real. Se llamaba Rebeca Méndez Jiménez y murió este año en Monterrey, Su historia comenzó en 1971, cuando días antes de casarse con su novio Manuel, éste se fuera a pescar y nunca regresara.

Rebeca, el mismo día en el que estaba prevista su boda, acudió al muelle de San Blas, en Nayarit (México), y esperó a su prometido vestida incluso de blanco. Allí lo esperó durante años hasta que murió ea la edad de 63 años.





En homenaje del atentado del 11 de marzo que se llevó las vidas de decenas de inocentes, LODVG nos trae un relato sencillo y tierno sobre la historia de amor de un par de amantes que, desgraciadamente, tomaron ese tren aquel fatídico día. La ternura con la que acaba la canción, la triste melodía, casi sin instrumentos y la elegancia con la que ni siquiera mencionan la fecha, ni el día, ni el lugar, me parecen poesía hecha música. Tan sólo importa que sucedió un Jueves.

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"Hey Jude": el himno Beatle que nació para "Jules", un insulto grabado y 36 músicos para el "nananana"


Paul compuso la parte principal de Hey Jude mientras manejaba su Astor Martin, un auto como vemos apto para agentes secretos y para crear obras maestras. Iba a visitar a Cynthia Lennon y al pequeño Julian, el hijo de 5 años. John y Cynthia acababan de divorciarse y Paul pensó que llevarle una melodía a ese pequeño podría aliviar su dolor. Muchos años después Cynthia dijo que para ella la visita de Paul había sido muy importante, que se sentía muy sola y el único del "círculo Beatle" que se había interesado en su bienestar y en el de su hijo había sido McCartney: "Sus caminos habían empezado a separarse y él fue el único que desafiaba a John, esa fue una manera de afirmarse ante él", recordó la ex esposa de Lennon. Paul contó que "la separación de ellos me había dejado particularmente desolado. Pensé esa melodía para confortar a Julian. Era un mensaje esperanzador para ese chico". Julian ya de grande y después de haber gozado de un fugaz éxito en el pop de los ochenta comentó: "Es muy emocionante saber que escribió esa canción mítica porque se preocupaba por mi mamá y por mí". Hace unos años se subastaron los apuntes de las sesiones de grabación de la canción y Julian Lennon los adquirió; pagó 25 mil libras por ellos. No está mal que sea él quien los posea.
Originalmente la canción decía (en homenaje a Julian) "Hey Jules". Pero a McCartney no le gustaba cómo sonaba, con esa ese final. Lo cambió por Jude -posiblemente por el personaje interpretado por Rod Steiger en la película Oklahoma. Y así se perpetuó.
Sin embargo, John tenía otra visión sobre el origen de este asunto. Creía que la canción era sobre él y no sobre su hijo: "Cuando dice Go out and get her (salí y andá a buscarla) inconscientemente me estaba diciendo que me fuera, aunque él inconscientemente no lo quisiera. El ángel que hay en él me daba su bendición para emprender un nuevo camino. Pero a su lado diabólico eso no le gustaba, no quería perder a su compañero". Otra pérdida que estaba sufriendo Paul en esos días era la de su novia Jane Asher. La relación se había roto definitivamente.

No interesa demasiado cuál es la versión correcta, la más ajustada a los hechos. Las dos emocionan por igual. Que Paul pensara en el hijo de su amigo y en su desamparo, o que fuera una desgarrada invocación a que su compañero de aventuras y de creación se largara solo pese al dolor que eso le causaba, no modifican demasiado la ecuación.
Los Beatles siempre pensaron a Hey Jude como un simple. Fue el primer lanzamiento de Apple, el sello discográfico que crearon. Estaban en medio de las grabaciones del Álbum Blanco y deseaban sacar un simple independiente con una canción que no estuviera en el doble. John Lennon peleó para que el lado A fuera Revolution pero su postura no tuvo adeptos. La composición de Paul era evidentemente un futuro hit y nadie podía resistir la tentación de lanzarla como lado A.

FUENTE:INFOBAE
https://www.infobae.com/historias/2019/08/30/hey-jude-el-himno-beatle-que-nacio-para-jules-un-insulto-grabado-y-36-musicos-para-el-nananana/

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Ricardo Mollo explicando esta canción de su autoría. :clap2: :metal:

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«Que nadie sepa mi sufrir», también conocida como «Amor de mis amores»,​ es una canción de 1936, interpretada por Hugo del Carril, y compuesta en ritmo de vals peruano por el argentino Ángel Cabral,​ con letra de su compatriota Enrique Dizeo.
El éxito internacional de «Que nadie sepa mi sufrir» comenzó en 1953. En ese año, la cantante francesa Édith Piaf se presentó, como parte de su giro latinoamericana, en el Teatro Ópera de Buenos Aires. En esa oportunidad pudo escuchar la interpretación de Alberto Castillo. Ya en París, Piaf decidió versionar el vals, para lo cual convocó al autor Michel Rivgauche, quien le cambió la letra por completo y el título, que en francés significa La multitud.1​ La transformación resultó un éxito extraordinario desde que fue publicada en 1957.

La letra original está claramente destinada a ser cantada por un hombre que ha sido abandonado por su amante; mientras que la canción de Édith Piaf mantiene esa angustia en el contexto de una chica aturdida que conoce un hombre gallardo del que se enamora en medio de una multitud, para perderlo de vista para siempre casi de inmediato.1​ El ritmo respeta los 3/4 del vals, pero requiere de un compás ligero y un ritmo mucho más rápido y en el caso de la guitarra, un apagado característico.



La famosa canción "La foule" de Edith Piaf tiene inspiración en una canción de origen hispano, concretamente en la canción "Que nadie sepa mi sufrir", compuesta en 1936 por los argentinos Ángel Cabral, que puso la música y Enrique Dizeo que puso la letra. Casi veinte años después de su creación Edith Piaf hizo una gira de conciertos por América Latina y escucho la versión que en 1953 grabó Alberto Castillo de este tema y la adaptó ala francés con letra de Michel Rivgauche. El éxito que tuvo en voz de la sensacional Edith Piaf hizo que también el tema tomara nuevas fuerzas en español, siendo reestrenada como "Amor de mis amores" (el primer verso de la versión en castellano).

La letra francesa es sencillamente una maravillosa y fugaz historia de amor que nos habla del encuentro entre un hombre y una mujer que se conocen entre empujones, arrastrados el uno hasta el otro de forma casual, movidos por la corriente que los lleva en una multitud que se mueve desordenadamente durante una fiesta. Los dos están a la merced de ese gentío y se encuentran por puro azar uno frente al otro, con sus cuerpos pegados y se enamoran al instante. Pero la cosa no durará. La misma multitud bulliciosa los separa, con la misma rapidez con la que los unió, pero que no lo traerá más. Un canto al destino, a veces vertiginoso, que nos trae y nos quita la felicidad y muestra a los hombres como seres indefensos ante los caprichos del azar.
Fuente:Wikipedia,Una pizca de Cine, Música, Historia y Arte Blog.

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Un misterio, sin embargo, se mantiene fresco como el poder de "Bohemian Rhapsody": ¿qué significa la canción? Además de probar el talento de Mercury, ¿es un homenaje a "Hungarian Rhapsody", una composición de Franz Liszt? Irwin Fisch, compositor y profesor en NYU, dijo a Business Insider que implicó el ingreso de la tradición de suites en la música pop: "No una canción continua, no verso-coro, verso-coro, puente, etcétera, que era la norma. En esencia es una agrupación montada de diferentes canciones". Mercury describió la obra como "una experimentación con el sonido". Fisch evaluó que "el experimento consistía en ver si podía sacar lo que había en su cabeza, los arreglos y el sonido".
Las primeras palabras, "Mamma, just killed a man", ¿evocan acaso El extranjero, la novela de Albert Camus, en la que también un hombre mata y no puede explicar por qué lo hizo? Muchos se inclinan por ver en el asesino y el cadáver a la misma persona, a Mercury mismo, en su salida del clóset: el nuevo yo mata al viejo yo. Donde esos exégetas ven referencias religiosas (Bismillah significa "en el nombre de Alá"; Belcebú es uno de los nombres del Demonio), Mercury sostenía que sólo había "tonterías al azar con rima".
En una entrevista para Queen Videos Greatest Hits, May dijo: "No creo que alguna vez sepamos de qué se trata 'Bohemian Rhapsody', y si yo lo supiera probablemente no querría decirlo, porque ciertamente no le cuento a la gente de que van mis canciones. Siento que eso las destroza, de algún modo".
Sus palabras fueron como un eco de las de Mercury en vida, quien se negó a quitarle el signo de interrogación al asunto: "Es una de esas canciones que tiene tanto de fantasía, ¿no? Creo que las personas podrían escucharla, pensarla y entonces decidir qué significa para ellas".
https://de10.com.mx/top-10/2018/10/31/las-teorias-sobre-el-significado-de-bohemian-rhapsody-para-freddie-mercury

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La idea era partir del pibe que le dice al viejo: "Yo quiero ser artista", Y el padre le dice: "¡Ma? qué artista, andá a laburar vos!". Era esa sensación. Hablar de un oficio que no garantiza lo que vas a ganar, y entonces los padres se preocupan. A diferencia de un tema como "Gente que no", está hecho desde el punto de vista de un padre. Me acuerdo de que en esa época mi mujer estaba embarazada de mi primer hijo, y yo empezaba a reflexionar sobre lo que yo había sido en la adolescencia para mis viejos, ¡y ahora lo iban a ser para mí mis hijos! En esa época tenía treinta y cinco años y me estaba cuestionando mi relación con el público. Porque en un principio yo era igual a ellos: iba al mismo colectivo y al mismo recital. Era más fácil buscar los temas de los que hablaba. Pero ahora que no era un joven, que iba en taxi o tenía toda otra situación distinta, ¿qué punto en común tenía con los nuevos jóvenes? Compuse la canción en la casa en la que vivía, en Parque Patricios. La tuve tres meses guardada y no se la mostraba a Los Decadentes porque no estaba seguro de si estaba realmente buena, cosa que me pasa seguido... Estaba la idea y el estribillo, y todo lo que me faltaba completar lo hice un día de un tirón. El tema, por ejemplo, empieza con un cuarteto de cuerdas, porque queríamos que empezara de manera opuesta a lo que la gente se imagina de Los Decadentes, que ya eran conocidos. Otra cosa interesante es que, en ese momento, en el grupo éramos tres guitarristas y a veces no había espacio para que las tres guitarras tuvieran una función. Entonces dije: "No voy a tocar más la guitarra, me voy a dedicar a cantar y a tocar un poco el teclado. ¡Chau, la guitarra ya fue!". Así que no toqué más la guitarra... ¿Y qué compuse? ¡"La guitarra"! ¿Y dónde la compuse? ¡En un piano! Increíble.
Fuente: Jorge Serrano.

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Una de las más afamadas y de las que luego tuvo mayor cantidad de versiones fue Libre, grabada unos pocos meses antes de su muerte y escrita por José Luis Armenteros y Pablo Herrero.
"Tiene casi 20 años/ y ya está cansado de soñar,/ pero tras la frontera está su hogar/ su mundo y su ciudad./ Piensa que la alambrada sólo es/ un trozo de metal/ algo que nunca puede detener/ sus ansias de volar".

Para escribir Libre, Armenteros y Herrero se inspiraron en una historia real que había tenido lugar 10 años antes. Una trágica historia que los había impactado cuando la leyeron en los diarios. O acaso la prensa la había refrescado al cumplirse el décimo aniversario y de ahí tomaron el hecho.

Ya había transcurrido un año desde la construcción del Muro de Berlín. Dos jóvenes alemanes que se encontraban en el lado Este querían sortear el obstáculo e irse a radicar a Alemania Federal. La misión era complicada. Peter Fechter y Helmut Kulbeik pasaron varias semanas observando con detenimiento cada movimiento de la guardia, las rutinas, las diferentes características de la construcción. Hasta que se les ocurrió un plan. Algo precario, pero ellos consideraban que si aprovechaban la velocidad y la agilidad de sus 18 años podía tener éxito. El 17 de agosto de 1962 se decidieron a llevarlo a cabo.

"Libre,/ como el sol cuando amanece/ yo soy libre, como el mar./ Libre,/ como el ave que escapó/ de su prisión/ y puede al fin volar./ Libre,/ como el viento que recoge/ mi lamento y mi pesar/ camino sin cesar/ detrás de la verdad/ y sabré lo que es al fin/ la libertad".

Peter y Helmut eligieron cuidadosamente el lugar desde donde intentarían la fuga. El Muro se iba reformulando todo el tiempo, semana a semana adquiría nuevas medidas de seguridad para no ser traspasado. A lo largo de su recorrida su ancho variaba, había barreras, torres de vigilancia, sistemas de disparo automático, distinto número de tropas. Todos esos factores entraron en su análisis.

Los dos adolescentes se escondieron en una panadería pegada al Muro. En ese lugar exacto la seguridad parecía vulnerable. Conocían de memoria el movimiento de los guardias. Había un breve momento en que se producía un punto ciego en el lugar que ellos se encontraban. Debían aprovecharlo. Saltar, caer en lo que se denominaba Pasillo de la Muerte, (también conocido como Zona de Seguridad o Zona de nadie), un pasaje que estaba entre los dos muros, correr rápido una decena de metros hasta alcanzar el alambrado. Luego sortear el alambre de púa y trepar la cerca para caer del lado occidental.

Del otro lado no solo los esperaba la libertad. A Peter lo aguardaban su hermana, su cuñado y sus sobrinos que vivían en la otra punta de la ciudad, y a quienes veía con frecuencia hasta que se construyó el Muro. Peter, obrero de la construcción, había obtenido un permiso de salida pero a último momento le habían denegado esa posibilidad. Su juventud, las ansias de respirar un aire nuevo, la sensación de que a pesar de tener solo 18 años su tiempo se acababa, lo empujaron a encarar la aventura.

"Con su amor por bandera/ se marchó/ cantando una canción./ Marchaba tan feliz que/ no escuchó/ la voz que le llamó./ Y tendido en suelo se quedó/ sonriendo y sin hablar/ sobre su pecho flores carmesí/ brotaban sin cesar".

Peter Flechter y su amigo lograron saltar sin ser vistos pero mientras escalaban el cerco, el último obstáculo, que los separaba del lado Occidental, fueron divisados por los guardias del lado Oriental.

Primero fue un grito. Seco, terminante, intimidatorio. Los chicos no giraron la cabeza y apuraron sus movimientos. Enseguida llegó la ráfaga de disparos.

Helmut consiguió llegar a lo alto del muro y dejarse caer del otro lado. Estaba ileso. Y en libertad. Peter fue alcanzado por una bala que ingresó a la altura de la cadera. Cayó de espaldas contra la tierra. Quedó tirado en la Zona de Nadie. A su alrededor se fue formando un charco de sangre oscura.


Además de los soldados de ambos lados de la división, muchas otras personas habían presenciado el hecho. Los testigos pidieron que atiendan al chico que estaba tirado. Estaba con vida pero perdía mucha sangre. La gente se fue acumulando y comenzó un griterío clamando por clemencia. Pero nadie fue a asistir a Peter.

Los soldados del lado occidental le tiraron un botiquín para que intentara unas curaciones preliminares. Fue una idea ridícula. El chico estaba demasiado débil y semiinconsciente. Los soldados de ambos lados no se animaban a acudir en su ayuda. Unos días antes había habido un incidente con heridos graves y nadie se quería arriesgar.

Durante 50 minutos Peter Flechter agonizó ante la vista de cientos de personas que solo miraron. Cuando dos soldados del lado oriental lo recogieron ya nada se podía hacer. Peter, a los 18 años, había muerto de un balazo, procurando su libertad, tratando de cruzar el muro absurdo.


Treinta y cinco años después del disparo fatal, en 1997, con Alemania ya reunificada, los guardias que dispararon contra Peter fueron juzgados por homicidio. Los dos (había un tercero pero falleció antes del juicio) fueron condenados a 21 meses de prisión, una pena que no era de cumplimiento efectivo. Los jueces dijeron que era imposible determinar cuál de los tres guardias hizo el disparo que ocasionó su muerte.

Se suele repetir que Peter Flechter fue el primero de las más de 280 personas (el número exacto no se conoce) que perdió la vida tratando de cruzar el Muro de Berlín. Pero la primera en morir fue Ida Siekmann, en agosto de 1961. La mujer, desesperada, se tiró desde la ventana de su departamento tratando de superar la pared y llegar al otro lado. Las severas heridas ocasionadas por la caída provocaron su muerte.

Hasta el final hubo quienes no perdieron la esperanza de fugarse. Winfried Freudenberg fue la última víctima que se cobró el Muro. Fue en 1989, poco antes de que desapareciera. Trató de cruzar en un globo casero (se conocían intentos exitosos de familia enteras) pero el artefacto se desplomó desde una altura considerable.


El caso de Peter por su edad, por la crueldad de la situación y por la cantidad de testigos y las protestas que estos levantaron, tuvo mucha difusión. La revista Time publicó un artículo sobre su muerte. Allí se llamó por primera vez al Muro de Berlín como El Muro de la Vergüenza.

La grabación de Nino Bravo de Libre fue un éxito inmediato. Integró el álbum Mi Tierra y apareció en octubre de 1972.

Libre interpretada por Nino Bravo o por alguno de las decenas de cantantes populares que se la apropiaron con el paso del tiempo se convirtió en un clásico. En un himno que le canta a las posibilidades, a la libertad y que se independizó del hecho que la inspiró. A pesar de su letra que explicita el triste final, el público privilegió el costado optimista, la apuesta a la esperanza.

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Depeche Mode - Enjoy The Silence


"Enjoy the Silence": cómo fue concebido el himno de Depeche Mode
Solemne, profunda y a la vez muy apropiada para la pista de baile. Una combinación inusual. Es quizá la canción quintaesencial de los artistas que la concibieron y un obligado punto de referencia en su obra.
Depeche Mode es el tipo de banda de la que podría hacerse una recopilación de éxitos que rebase sin problemas los 30 o 40 cortes. Pero dentro de un catálogo tan robusto y de tantas canciones tan buenas, parece haber una pieza en particular que es considerada de forma casi unánime como el himno indiscutible de la banda: "Enjoy The Silence".

Proveniente del álbum comercialmente más exitoso del grupo, Violator, "Enjoy the Silence" es la joya de la corona, el plato fuerte de aquél banquete colmado de hits. Las poderosas imágenes que plantea su video —dirigido por el eterno cómplice del grupo, el artista visual Anton Corbijn— se han vuelto parte indisoluble del arte audiovisual de la banda.

El videoclip en cuestión está inspirado en la mitología y filosofía del clásico literario El principito, de Antoine de Saint-Exupéry. En este, Dave Gahan, caracterizado con la imagen típica de un rey, camina sin rumbo entre paisajes desolados buscando un poco de silencio y paz mental. Es una imagen hermosa: un rey que lo tiene todo y a la vez nada. O que, al menos, le hace falta algo muy importante.
Su letra por sí sola es un oxímoron tan simple como tajante: el silencio que comunica lo que las palabras no pueden expresar. El gesto sigiloso que transmite los sentimientos guardados durante toda una vida.

"Las palabras son más que innecesarias. Solo hacen daño", asegura Gahan, a través de los versos escritos por Martin L. Gore. Con ello, el introvertido guitarrista parece decirnos que, a veces, las acciones, sensaciones y comportamientos suelen ser más trascendentes que la comunicación verbal y las promesas vacías.

La canción nació bajo una luz netamente soul y gospel, casi como si estuviera hecha para interpretarse en templos e iglesias. En sus primeras maquetas, Gore se limitaba a tocarla en un armonio de la forma más austera, minimalista.

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PETECO CARABAJAL LA HISTORIA DE LA ESTRELLA AZUL Y ENCUENTRO