¡Hola amigos!
[/size]La idea de este tema es que vayamos conformando este thread con la interpretación de letras que nos gusten. Puede ser interpretación nuestra o bien, que la hayamos leído en algún lado (siempre citando la fuente) o
[/size]por qué no, que sea de fuente directa, es decir, de alguien que pertenezca al conjunto musical en cuestión.
[/size]¿Se animan?
[/size]¡Espero sus aportes!
Muy buen tema Anittaa, muchas gracias!! :oki:
Comienzo con Hey Jude de los Beatles.
https://www.youtube.com/watch?v=wWMJUSbfKPM
El single Hey Jude/Revolution del famoso grupo The Beatles se publicó el 30 de agosto de 1968.
Hey Jude fue escrita por Paul McCartney aunque en los créditos aparece Lennon/McCartney.
Tiene una duración inusitadamente larga de 7 minutos para una canción pop en esos años, a pesar de esto, tuvo un gran éxito en todo el mundo.
La escribió Paul McCartney para consolar a Julian, el hijo de John Lennon, del divorcio de sus padres (John Lennon y su primer esposa Cynthia Powell). El título de la canción era inicialmente Hey Jules pero Paul McCartney la cambió a Jude porque sonaba mejor. En su niñez, Julian Lennon frecuentaba más a Paul McCartney que a su propio padre.
Como un dato importante sobre esto, Julian Lennon solo supo que la canción estaba escrita para él casi veinte años más tarde. Mucha gente, incluído John Lennon, pensaba que la canción era sobre John Lennon y su relación con Yoko.
Después del divorcio de Lennon y Powell, McCartney viajó a verla a ella y a Julian. "Hemos sido buenos amigos por millones de años y pienso que es demasiado que se consideren persona non gratae y sacarlos de mi vida", dijo Paul.
"Comenzé con la idea de 'Hey Jules', comenzando con Julian, don't make it bad, take a sad song and make it better (no lo tomes a mal, toma una canción triste y haz que mejore). Hey, trata de lidiar con esta terrible situación. Sabía que no iba a ser fácil para el. Siempre me sentí triste por los niños en los divorcios... Tuve la idea de la canción en ese tiempo y decidí ir ahí. Lo cambié a 'Jude' porque pense que sonaba mejor" comentaba Paul McCartney sobre esta cancion.
La canción llegò a ser un himno, un referente de los Beatles y una muestra más del talento compositivo y para la construcción melódica de Paul. La canción concluye con un crescendo inolvidable, en el que participa una orquesta de más de 30 músicos.
Con respecto al video, Los Beatles confiaron en Michael Lindsay-Hogg para lanzar el video promocional de Hey Jude.
Se mantuvieron en la idea de tocar en frente de un público en directo (público controlado). grabó el film para HoggThe Frost Progamme, con el propio McCartney diseñando el set. El film también se emitió en EE.UU. en el programa The Smothers Brotheres Comedy Hour y puede ser visto en la serie de DVD del Anthology.
Fuente Eternamente Beatles.
Otra canción Juntos a la par .
https://www.youtube.com/watch?v=7I4wA3EHyX0
Bueno esta canción se hizo famosa por la versión de Pappo de su álbum '' Buscando un amor'' , tambien despues vino la versión de Adrian Otero y Daniela Herrero, pero la canción original pertenece a Yulie Ruth(Julio César Rutigliano) un cantante argentino del genero country nacido y criado bien al sur de Buenos Aires.
Durante 14 años acompaño a Pappo formo parte de Alakran liderada esta banda por Mario Ian.
Hay varias interpretaciones sobre esta canción una que había dado el hijo de Pappo, Luciano Napolitano sobre que el padre habia elegido esta canción porque la relacionaba por el amor que le tenía a su Harley- Davison la versión de Pappo hablaba sobre el amor de una chica que rezaba en una iglesia porque su novio estaba peleando en Malvinas, pero su autor Yulie Ruth da la interpretación verdadera sobre la misma.
''No tiene nada que ver con Malvinas. Es algo falso eso. Pero alguien lo dijo por ahí y se terminó transformando en una realidad que no es. La verdad es que está inspirada en el hombre soltero que busca un ideal, un futuro, armar una familia. No caer en las tentaciones, ir derecho, confiar en su propia fe. Juntos
fue una de mis primeras composiciones y fue como un pensamiento en voz alta.'' dice Ruth.
La canción la elige Pappo de tres que le había presentado Yulie, se equivoca el sello discográfico al colocarlo a Pappo como autor cosa que luego fue corregido, pero Pappo le da ese toque sanguíneo en su versión es como que le da vida propia a la canción que la hace la mejor de todas las versiones , de hecho según cuenta Ruth, Pappo -queriendo o sin querer- omitió una frase de la canción que decía por la noche a más tardar, mi casa será un hogar y tal vez porque su vida era más nómade. Lo que pasa es que el Carpo era más sutil y pensante de lo que muchos pueden pensar.
https://www.youtube.com/watch?v=vosdXev1we0
Fuente Wikipedia y datos propios de reportajes que conservo de muchas canciones, cantantes y grupos musicales.
La historia de ''Trátame suavemente'' de Soda Stereo.
https://www.youtube.com/watch?v=2qTtXQLcVZw
Otra canción con varias versiones, pero esta canción formo parte del primer álbum de la emblemática banda Soda Stereo(1984), compuesta por Daniel Melero, es la balada del rock hispano latino mas famosa que aún hoy sigue sonando con fuerza y Soda siempre la ha incluido en sus recitales como el gran Gustavo Cerati en sus conciertos como solista.
También la han ejecutado Los encargados con Daniel Meleros(1986).
En la década del 80 el rock argentino y sus grupos estaban en contra de la dictadura y la guerra de Malvinas de hecho unos de los lemas de esa época era'' MUCHO ROCK POR ALGO DE PAZ''.
Por años, muchos creían de esta canción por una prosa romántica como '' "No quiero soñar mil veces las mismas cosas, ni contemplarlas sabiamente, quiero que me trates suavemente", estaba inspirada en una mujer.
Pero hete aquí que los orígenes de esta canción no tiene nada de romántico;"La compuse mirando hablar al general Leopoldo Galtieri – ex presidente de Argentina- durante la época de la Guerra de Malvinas. Escribí la letra sobre un diario que tenía noticias de actualidad. Es una mezcla de canción de amor con ver a Galtieri hablando en pleno estado de violencia" según los dichos de Daniel Meleros y también lo relaciona con hechos de su vida de esa época, y dice que la música se inspiro en Los Gatos (banda argentina que impuso el hit ''La Balsa'').
https://www.youtube.com/watch?v=iUDHBF_W6Hk
Fuente Wikipedia y Libro Ahora , antes y despues de Gustavo Álvarez Núñez
Espero haber entendido el thread y una vez muchas gracias Anittaa. :oki:
Que buen tema. Pongo uno que me gusta mucho de John Frusciante, Mistakes.
Es mi propia interpretación de la canción y lo que me gusta de esto es que más allá del mensaje concreto de la letra, es el reflejo que evoca en uno para encontrarle un significado.
https://www.youtube.com/watch?v=oM9Lgnp5dK8 (https://www.youtube.com/watch?v=oM9Lgnp5dK8)
Letra en inglés.
[spoiler]Mistakes help one see
That you make your own surroundings
Life is a dream
And is made by inwardly seeing what you want it to be
Success has it's trappings
You judge yourself based on how you think you're seen
And you may guess how you're spoken about
And try to fit into a box 'till you can't get out or move freely about
Respect who you are inside
Let your heart be your guide
What other think says nothing about you
Just how you relate to what they're going through
And that's not much
Does not say much
Unless it's a friend when it's everything
Those who don't want you to be anything but what you are
Do you feel this, my sad emotion
Do you feel it inside my baby
Forever is here in receptive motion
Earth with a river inside my baby
Do you feel it inside your body
Earth with a river inside my baby.[/spoiler]
Letra en español.
[spoiler]Los errores le ayudan a uno ver,
que vos creas tus propios entornos.
La vida es un sueño.
Y está hecha por el ver internamente lo que quieras que sea.
Triunfar tiene sus trampas.
Te juzgas a vos mismo, basandonte en cómo crees que sos visto.
Y tal vez andes suponiendo lo que se dice de vos.
Tratando de encajar en un cajón hasta que no podes salir o moverte con libertad.
Respeta quién sos en el interior.
Y deja a tu corazón ser tu guía.
Lo que otros puedan pensar no dice nada sobre vos.
Es solamente como te relacionas por lo que ellos van experimentando.
Y eso no es mucho.
No dice mucho.
A menos que sea un amigo cuando es del todo.
Aquellos que no quieren que seas nada más, de quién ya sos.
Sentís esto, mi emoción triste?
La sentís dentro? Mi querida/o
Siempre está acá en moción receptiva.
Una tierra con un río dentro, mi querida.
Podes sentirlo dentro tu cuerpo?
Una tierra con un río dentro, mi querida.[/spoiler]
Intepretación.
[spoiler]Los errores le ayudan a uno ver,
que vos creas tus propios entornos.
La vida es un sueño.
Y está hecha por el ver internamente lo que quieras que sea.
Lo que encuentro es la vida es un sueño como metáfora. A los sueños nosotros los moldeamos desde nuestra imaginación, en cierta manera con nuestra creatividad. ¿Y qué es un sueño? Podría decír que generalmente lo vemos como una fantasía, en un mundo en dónde todo es posible. Positivos, perfectos.
La vida es un sueño y es el reflejo de lo que nosotros querramos que sea, y eso lo vemos desde nuestro interior.
O sea cada cosa que sucede, nosotros la moldeamos en nuestro interior y la proyectamos al mundo exterior. La vida externa es el reflejo de la creatividad interna. Y así nosotros vamos creando todo lo que sucede. Creando nuestros entornos. Nuestro entorno es lo que nosotros querramos que sea y eso lo encontramos en nuestro interior.
Los errores le ayudan a uno a ver, es simplemente tener un punto de atención para darse cuenta que nosotros proyectamos nuestra vida y no que la vida nos sucede.
Quizá él tomo como punto de partida los errores que cometió para llegar a su propia concepción de esto.
Triunfar tiene sus trampas.
Te juzgas a vos mismo, basandonte en cómo crees que sos visto.
Y tal vez andes suponiendo lo que se dice de vos.
Tratando de encajar en un cajón hasta que no podes salir o moverte con libertad.
Triunfar tiene sus trampas, yo lo veo como sobresalir. Exceder. Realizarse en los valores que el mundo externo exige o demanda.
Juzgandote a vos mismo en base a cómo te ven los demás, buscando encajar en esas expectativas que se esperan de vos. Perdiendo la libertad de actuar libremente, ser libre.
Adaptandote a lo ajeno, desfigurandote de tu ser real.
Dejar de ser vos, para ser aquello que los demás ven, aquello que los demás dicen de vos.
Olvídandote de vos para que tu realidad sea ejercida por factores externos.
Y quedando límitado, para no poder ejercer aquello real que internamente quiere ser. Y en este caso imposibilitado al no reconocerte, cayendo ante las demandas externas.
Respeta quién sos en el interior.
Y deja a tu corazón ser tu guía.
Lo que otros puedan pensar no dice nada sobre vos.
Es solamente como te relacionas por lo que ellos van experimentando.
Y eso no es mucho.
No dice mucho.
Simplemente respetar y reconocer quién sos en tu interior. Con tu plena consciencia.
Dejar que tu corazón sea quien te guíe y sea la motivación que te empuje a tu accionar y no los factores externos, las demandas externas.
Lo que otros puedan pensar o decír, no te define.
Ellos lo experimentan desde su perspectiva.
Que no te olvides de vos mismo y quererte, aceptarte y reconocerte.
Por que quién sos en tu interior es quién sos en realidad.
A menos que sea un amigo cuando es del todo.
Aquellos que no quieren que seas nada más, de quién ya sos.
Sentís esto, mi emoción triste?
La sentís dentro? Mi querida/o
Siempre está acá en moción receptiva.
Una tierra con un río dentro, mi querida.
Podes sentirlo dentro tu cuerpo?
Una tierra con un río dentro, mi querida.
Acá puede ser conectarte con aquellos que no esperan nada de vos, ni buscan influenciar nada.
Más que dejarte ser con tu plenitud.
Pueden ser personas.
Pero conociendo lo espiritual que es John, pienso que se refiere a espíritus.
Dioses, guías espirituales.
Y lo de la tierra con un río dentro. Considero que se refiere a las energías que fluyen en nosotros.
Que se expresan como emociones, tristeza. Podés sentirla dentro de mí? Podes sentirla dentro de tu cuerpo? Eso es real. Lo interno.[/spoiler]
Bueno algo así interpreto. Como ves es algo totalmente abstracto y por eso me costo bastante organizarlo y exponerlo. Además de que tampoco me quería extender tanto.
Contact, genial el aporte. No conocía ninguno de los origenes de esos temas, y estaba bastante mal informada. Buenisima la info.
Mauro, qué buena interpretación. Le pusiste mucha garra, te voy a mandar un par de temas para que los analices, cosa que me está costando.
Buenisimo gente, esperemos se sumen más personas al tema. :oki:
Beth de KISS ( Editada en el álbum Destroyers del año 1976 )
http://www.youtube.com/watch?v=OLI3FkT6QvI&feature=youtube_gdata_player
La cancion habla sobre una situación que se dio mientras grababan un tema y no coincidían en el sonido. Y la novia de Peter Criss llamaba al estudio constantemente para ver a que hora volvía a casa. Y Peter le decía ya voy, encontramos el sonido y voy Xd
Fue el único tema de KISS que ganó un Grammy.
Bueno me alegro que te haya gustado Anittaa. :oki:
Muy buena tu interpretación de ''Mistakes'' , Mauro, que es la canción mas pop del album PBX Funicular de John. :oki: :metal:
Excelente aporte Maxi y buen dato lo del Grammy. :oki: :metal:
Esta canción que aportare datos , en un principio quien escribe cuando la escuche por primera vez creí que era una canción romántica, pero me llamaba la atención su melodía no prestando mucha atención a la letra, de hecho también me parecía mas un cover de alguna canción antigua country pero me equivoque, la canción a la cual me estoy refiriendo es ''Solo un momento'' de Vicentico.
Igualmente como dice Anittaa y como lo ha hecho Muro con ''Mistake'' haciendo un interpretación propia del tema, esta canción también ha sido interpretada por varios profesionales de la psicología , psiquitria y alumnos en algunos trabajos que se hacen para conocer el significado de muchas canciones como métodos de estudios de conductas de los que escuchamos música; los resultados sobre esta canción han sido variados, desde que la persona que lo escribió estaba pasando por momentos críticos de salud, otras hablaban sobre estado depresivos y hasta suicida , sobre la tristeza y melancolía del autor.
Pero bueno esto se devela con lo que expresa su autor Vicentico(Gabriel Fernández Capello),el album de la canción lleva su mismo nombre ''Solo un momento'' y a través de la tapa del mismo el hace el análisis simple, primero habla que en sus ultimas obras y mas como solista le ha prestado mas atención a la letras como mas obsesivo con el uso de las palabras, pero volviendo a la tapa.
(http://i.ytimg.com/vi/mt5qziWnMkU/hqdefault.jpg)
https://www.youtube.com/watch?v=MSui1Ss9eSg (https://www.youtube.com/watch?v=MSui1Ss9eSg)
Esta Vicentico con un perro en brazos con una V que seria la V de Vicentico una fabrica y a lo lejos un ovni, podría representar esas series o películas de extraterrestre, donde el dice que el puede estar salvando al perro o el perro a él, pero es una visión de él que diferirá con la de otras personas por eso el dice que es según el momento que se lo mire , como se la mire y eso ira variando como sucede con muchas cosas en la vida y como sucede con las opiniones de otras personas, a ese momento es lo que el se refiere ''Solo un momento'' pero a su vez lo relaciona a '' La Muerte'' porque en sí el tema expresa con una hermosa melodía sobre el final de la vida ,ese momento final, por eso a él le parecía muy gracioso que ese hit que se ha convertido en un éxito su tema difiera con el resto de la obra del álbum que habla del ''Ahora''.
Vicentico habla de sus contradicciones en muchas de sus letras y que deja que los demás interpreten las canciones las cuales respeta porque el no quiere convertirse en un místico o combustible espiritual con ellas.
Una versión francesa de la canción de Vicentico.
https://www.youtube.com/watch?v=B9xwfFKFl1c (https://www.youtube.com/watch?v=B9xwfFKFl1c)
Otra canción que me llevo a buscar su significado en su momento porque no podía entender como la dictadura la prohibió en su momento (ni hablar que durante esa época estuvo prohibido el tango Cambalache)
Cocaine versión Eric Clapton.
Porque en realidad la canción pertenece y la había interpretado J.J.Cale.
"Cocaine" es una canción que está en contra de las drogas, y no a favor, como mucha gente piensa. Eric Clapton dijo una vez que es inútil escribir intencionadamente una canción que vaya en contra de las drogas y esperar a que la gente capte el significado. Por ello es mejor que lleve a la reflexión.
Si se escucha la canción parece una canción que trata sobre la cocaína, pero si se escucha detenidamente, está ingeniosamente en contra de la cocaína. Tras varios años, Clapton decidió añadir a la letra de la canción la frase: 'that dirty cocaine' (cocaína sucia) en sus actuaciones en directo para destacar el mensaje de la canción en contra de las drogas. Además, Clapton donó una buena parte de sus fondos al Crossroads Centre, un centro donde ayudan a los drogadictos a luchar para dejar la droga y rehabilitarse.
En fin, la canción simplemente habla de la adicción a las drogas y de cómo los jóvenes se pueden destrozar ellos mismos sus propias vidas con las drogas.
https://www.youtube.com/watch?v=1VnZosVC5wU (https://www.youtube.com/watch?v=1VnZosVC5wU)
[spoiler]
COCAINA
Si quieres pasar el tiempo, la tienes que llevar; cocaína.
Si quieres bajar y quedar en el suelo; cocaína.
Ella no miente, ella no miente, ella no miente, cocaína.
Si tienes malas noticias, quieres patear la tristeza; cocaína.
Cuando tu día se terminó y quieras correr; cocaína.
Ella no miente, ella no miente, ella no miente, cocaína.
Si ya todo acabó y te quieres ir; cocaína.
No olvides esto, no puedes regresar; cocaína.
Ella no miente, ella no miente, ella no miente, cocaína.
Ella no miente, ella no miente, ella no miente, cocaína.[/spoiler]
Fuente:Wikipedia.
Por ultimo dejo una canción que para mi es un himno de la Paz y con la cual me identifico mucho, tuvo muchas versiones pero obvio la de John es incomparable.
"Imagine" es considerada como una de las mejores composiciones de todos los tiempos y siempre ha sido entonada como un himno a la paz.
En el año 2004, la revista musical Rolling Stone la ubicó en la tercera posición de la lista de las 500 Mejores Canciones de Todos los Tiempos. Tambien quedaría en el puesto 30 de la lista de las 365 canciones del siglo con mayor significado histórico, elaborada por la Asociación americana de la Industria Musical.
Esta cancion aparecio en el disco del mismo nombre publicado en 1971. Si bien el tema está acreditado de forma exclusiva a Lennon, es conocida la participación de su pareja Yoko Ono en el concepto lírico.
Segun Lennon la canción era "antireligiosa, antinacionalista, anticonvencional, anticapitalista, pero es aceptada por su dulzura."
Quizás dentro de la inspiración que John tuvo para componer este tema influyeron situaciones violentas porque nació el 9 de octubre de 1940, durante un bombardeo alemán en Liverpool, Inglaterra y tambien un escrito de Yoko de 1965 donde imprime "Imagine a raindrop" e "imagine the clouds dripping" (que pueden traducirse al español como "imagina una gota de lluvia" e "imagina las nubes sudando").
En fin, hoy estamos frente a una canciòn memorable, pensativa y muy poetica... Imagine de John Lennon seguramente nunca pasara de moda...
En resumen: Un himno a la paz mundial.
Fuente:Wikipedia
https://www.youtube.com/watch?v=JDzQLQ952ZU (https://www.youtube.com/watch?v=JDzQLQ952ZU)
Autor: John Lennon
Productor: Phil Spector, Yoko Ono
Publicado: Octubre, 1971, Apple
John Lennon compuso 'Imagine, su mayor regalo musical al mundo, una mañana de principios de 1971 en su habitación de Ascot, la propiedad que tenía en Tittenhurst, Inglaterra. Su mujer, Yoko Ono, le observó sentarse ante el gran piano blanco que tenían en casa (ahora famoso gracias a las películas y las fotografías de las sesiones de grabación del álbum Imagine) y terminar la canción: la serena melodía; esa irresistible figura de cuatro notas; y prácticamente la letra completa, veintidós versos que, en términos sencillos y de enorme belleza, hablan de la fe en la posibilidad de que un mundo unido por la imaginación y por un objetivo pueda cambiarse a sí mismo.
"No es que pensara: 'Esto puede ser un himno", dijo Ono recordando esa mañana años más tarde. "Imagine era lo que John creía, que todos somos un país, un mundo, una misma persona. Quería transmitir esa idea".
La idea no era sólo suya: el arte de Ono también celebraba el poder de los sueños. El primer verso de Imagine ("Imagine There's No Heaven" [Imagina que no hay cielo]) desciente directamente de un libro de Ono de 1964, Grapefruit (en el que decía "imagina un pez de colores nadando por el cielo"). Pero Lennon, como buen ex Beatle, era un experto en las imágenes populares. Una vez admitió que Imagine era, prácticamente, El manifiesto comunista. Pero la belleza elemental de esta melodía, la calidez de su voz y el toque poético del coproductor Phil Spector enfatizaron la profunda humanidad de la canción.
Lennon sabía que había escrito algo especial. En una de sus últimas entrevistas declaró que Imagine era tan buena como cualquier canción que hubiera escrito con los Beatles. Nosotros sabemos que es aún mejor: un himno imperecedero que nos ha ayudado a superar momentos de gran dolor, desde el asesinato del propio Lennon en 1980 hasta el horror inombrable del 11-s. Es imposible imaginar un mundo sin Imagine. Y la necesitamos más de lo que nunca soñamos.
Fuente: Revista Rolling Stone.
https://www.youtube.com/watch?v=0uW44pyjx54 (https://www.youtube.com/watch?v=0uW44pyjx54)
Svenfn-g-englar de Sigur Rós. Una banda de Islandia. Considero que el nombre del tema es un juego de palabras, ya que Svefn genglar significa sonámbulos, pero Englar ángel. Algo así como ángeles sonámbulos, por lo que se expresa la letra.
https://www.youtube.com/watch?v=60GLW0sbrBc (https://www.youtube.com/watch?v=60GLW0sbrBc)
https://www.youtube.com/watch?v=pCy0ShLbArE (https://www.youtube.com/watch?v=pCy0ShLbArE)
Me gustó una interpretación que se encuentra en los comentarios de ese vídeo, ya que es algo parecido a lo que sentí o pensé la primera vez que leí la letra. Así que la copio acá.
[spoiler]Del 0:00 al 3:34
1º momento.
"aquí estoy una vez más (de nuevo)" ¿reencarnación?
ÉXTASIS, Oceánico ("estoy flotando, hibernando bajo el agua"). Estado de absoluta perfección y UNIÓN ("es tan agradable estar aquí"). Aquí el ser humano estuvo en un perfecto estado. Anhelamos inconscientemente volver a esta perfecta unión simbiótica (entre el feto y el organismo o interior de la madre). Fue un estado idílico.
Sin embargo puede suceder que, "diversos factores físicos, biológicos y psicológicos pueden entorpecer gravemente en dicho estado." Por lo tanto, ¿Mientras más "positiva" fue nuestra estadía o estado en el primer momento, más anhelaremos volver al "paraíso"? ¿Más místicos/religiosos/espirituales seremos?
Del 3:35 al 4:10
2º momento.
Seremos excluidos del paraíso, la caída ("pero la espera me inquieta"). Primeras contracciones. Comienza el trabajo de parto ("tengo que irme, ayuda"). Hay menos oxigeno en el bebé, el útero comienza a ser presionado y el bebé comienza a ser expulsado (al mundo de sonámbulos). Se da la vivencia de angustia ("fuera de mi y grito"). "sensación de estar atrapado, enjaulado o encarcelado en un mundo."
Del 4:11 al 6:01
3º momento.
Batalla entre la muerte y el renacimiento. Aumentan las contracciones pero hay menos oxigeno en el bebé ("tjú, "tjú..."). Aquí se plasma la lucha por la supervivencia. Es el momento de mayor estrés. Y nos encontramos en la lucha por salir y no salir. Entramos en contacto con nuestra fuerza (vital) y nuestras ganas de sobreponernos. Ganar esta lucha equivale a NACER.
6:02 en adelante
4º momento.
Experiencia de muerte y renacimiento. Es la última parte. El bebé nace ("he salido y se acabo la tranquilidad"). "Después de un largo periodo en la oscuridad se encuentra por primera vez con la intensa luz del día." Se da la experiencia de logro, de realización. Además da la primera gran bocana de oxigeno.
¿En este último momento mientras lloramos a mares se da una suerte de trascendencia (¿"un cerebro destruido"?) experiencia que debemos volver a repetir?
"A esta experiencia de aniquilamiento total y de destrucción cósmica le siguen inmediatamente visiones de una deslumbrante luz blanca ("bañado en una luz nueva"), de un brillo o belleza sobrenaturales; puede estar asociada con las manifestaciones de entidades arquetípicas divinas."
"El sujeto experimenta una profunda sensación de liberación espiritual, redención y salvación. Se siente libre de toda ansiedad, depresión y culpa, purgado y liberado de su carga. A esto le acompañan un torrente de emociones positivas hacia sí mismo, hacia los demás y hacia la existencia en general. El mundo parece ser un lugar hermoso y seguro.
" "... y alimentado por los sonámbulos" La madre que el bebé angélico no reconoce con su pura y cristalina conciencia pre-egoica.
De "Psicología transpersonal: nacimiento, muerte y trascendencia en psicoterapia" Stanislav Grof[/spoiler]
[spoiler]Desde un principio a mi también me llevo a pensar en la reencarnación con el acá estoy de nuevo [otra vez], dentro tuyo. En este caso considero al "ángel" (los bebés son puros, con una consciencia clara y vacía, sin ego ni estructuración. Lo más cercano a la/una divinidad. Y en este caso en el útero, en la oscuridad, la absoluta nada) le dice dentro tuyo como contandolea la madre, aquella que eligió.
Es tán bueno/agradable estar acá, pero no me quedaré por mucho tiempo.
Estoy flotando, hibernando bajo el agua. En un hotel.
La consciencia, el ángel, la divinidad, en fin a lo que me refiero es que es un alma que experimenta la transición desde el lugar que sea de dónde provengan las almas y ese mismo lugar al que vamos cuando morimos. (Paraiso quizá dicho)
Digo que lo encuentra agradable por que es el único momento en que experimenta con total consciencia divina el estado biologico, de ocupar un cuerpo. Ya que cuando nacemos, desde ese instante nace nuestro ego (considero el ego nuestra personalidad animal, lo que nos permite la supervivencia biologica) comienza a formarse, desarrollarse. Se genera dualidad, conciencia conectada a la ''divinidad'' o aquella parte que aún somos o está en nosotros, y el ego, ese instinto de supervivencia, el desarrollo del intelecto racional. Que con el tiempo comienza a ser nuestro primero foco de atención dejando de lado nuestro lado espiritual.
Conéctado a un panel eléctrico y alimentandome de él. Una expresión de lo que es la conexión a través del cordón umbilical. Será que el feto sólo recibe estímulaciones en su sistema nervioso.
Pero la espera me inquieta, pateo/quiebro la fragilidad. El bebé pateando aquello que es tan frágil, la bolsa amniótica. Pero a la vez alberga vida, un ser frágil.
Pateo fuera de mí. Y grito. Ya la fragilidad cede, se rompe la bolsa. Esa bolsa que era parte de él, pateo fuera de mi y sucede algo desconocido.
Ayúda. Tengo que salir/irme. Acá considero que es cuando se comienza a desarrollar ese instinto de supervivencia, el ego.Ayúda, tengo que salir, huír, sobrevivir a esto. A la experiencia del nacimiento, desconocida hasta el momento donde todo era paz, tranquilidad y perfección.
He salido y se acabó la tranquilidad.
Bañado en una nueva luz.
Lloro y lloro desconectado.
Simplemente novedad, ya no es como antes. Ruidos, una luz nunca antes vista pero nueva en cierto punto. Acá ya se va formando más la nueva personalidad, desconectandose a su antigua divinidad.
An unused brain - Un cerebro sin usar(claro, puro). Arruinado.
Amamantado y alimentado. Por los ángeles sonámbulos.
Él es un ángel encarnado, tanto como lo somos todos. Desde el momento en que entro la nueva luz su cerebro puro se altera, se arruina. (Y su conciencia divina también)
Amamantado y alimentado, por los ángeles sonámbulos. Prácticamente alimentan la destrucción de su divinidad, alimentan el desarrollo de su ego, su dependencia y busqueda, anhelo de supervivencia.
Como reflexión personal me gustaría aclarar que esta canción me fascino desde el primer momento que la escuché y aún lo sigue haciendo. Y explotó mi imaginación en el momento en que leí la letra. (Como todas las canciones que me gustaría postear)
Me lleva a todo este tipo de busquedas, reflexiones e interpretaciones basadas en mi propio interior, o en mi propia visión o sistema de creencias personal. Más que hacerlo desde la generalidad o desde un punto de vista externo y común o compartido.
Por eso no puedo interpretar de que trata. Sino de lo que creería que trata, imponiendo mi sistema personal de creencia. :D Lo mismo que hice con Mistakes.
Sino diría que simplemente trata de un bebé comunicando su estadía en el vientre de su mamá jaja
Espero que también les guste el tema.[/spoiler]
https://www.youtube.com/watch?v=g3oIQZts9WU
REZO POR VOS, representa la historia de Jesucristo, su encarnación por obra del espíritu santo: "La indómita luz / se hizo carne en mí...", su sacrificio en la cruz: "...Hice el sacrificio / Abracé la cruz al amanecer...", y su resurrección "...Morí sin morir (...) y curé mis heridas/ y me encendí de amor/ de amor sagrado/ y entonces rezo..."
Es una obra compuesta por dos grandes del rock argentino como Spinetta-Garcia y la misma fue enviada al Papa Francisco a través de Monseñor Guillermo Karchner porque como siempre el sumo pontífice pide que recen por él , Charly dijo es un himno a dicho pedido y así fue enviada al Vaticano.
Fuente:Charly Garcia.
https://www.youtube.com/watch?v=lnR66HhlHjk
https://www.youtube.com/watch?v=ox8V8MLOYdY
[spoiler]Cuando tu día es largo
y la noche,
la noche es tuya solamente,
Cuando estás seguro de que has tenido suficiente
de esta vida, resiste.
No te dejes ir,
porque todos lloran
y todos hacen daño
algunas veces.
A veces todo sale mal.
Ahora es hora de cantar
Cuando tu día es una noche solitaria,
resiste
si te sientes como soltandote,
si piensas que has recibido muchos golpes
de esta vida, resiste.
Porque todo el mundo hace daño,
consuelate con tus amigos.
Todos hacemos daño.
No lances tu mano. Oh, no.
No lances tu mano.
Si sientes que estás solo,
no, no, no, no estás solo.
Si vas por tu cuenta,
en esta vida,
los días y las noches son largos,
Cuando piensas que has recibido muchos golpes
de esta vida como para aguantar.
Bueno, todos hacemos daño
algunas veces,
Todos lloramos.
Todos hacemos daño algunas veces.
Todos hacemos daño algunas veces.
Así que resiste, resiste, resiste.
REM - Everybody Hurts - Todo el mundo hiere.[/spoiler]
La razón, las letras son atípicamente sencillas ya que REM se la dirigió a los adolescentes comentando que según una serie de Tv americana ''la idea de que la escuela secundaria es un portal al infierno parece bastante realista para mí'' según los dichos del guitarrista Peter Buck.
Esta canción que fue escrita en su mayor parte por el baterista Bill Berry y cuyo arreglos musicales fueron hecho por el bajista John Paul Jones de Led Zeppelin que fue invitado para participar de la grabación de la misma; apareciendo en 1992 en su álbum Automatic for the People
Muchas personas han llorado al escuchar esta canción principalmente cuando se encontraban solos en sus casas, fue seleccionada en distintos años(2010 por PRS Music) y (2012 por el creador teatral David Craig) como la canción mas triste .
Lo bueno que tuvo esta canción que en 1995 una agrupación inglesa ''The Samaritans'' que daba un servicio apoyo emocional a personas con problemas de depresión , en respuesta a la alta tasa de suicidios en la población juvenil, hizo una campaña de publicidad que se basaba en la letra de "Everybody Hurts" y así poder ir en ayuda a la agrupación y en la conciencia social sobre esa problemática.
Fuente:Wikipedia y la Revista Rolling Stones.
https://www.youtube.com/watch?v=DKOc2S1AkjE
[spoiler]DEBAJO DEL PUENTE
Algunas veces siento
Como si no tuviera un compañero
Algunas veces siento
Como que soy mi único amigo
Es la ciudad en la que vivo
La ciudad de los Ángeles
Solitaria como yo lo estoy
Juntos lloramos
Conduzco en sus calles
Porque ella es mi compañera
Camino a través de sus colinas
Porque ella sabe quien soy yo
Ella ve mis buenas acciones
Y me besa como el viento
Nunca me preocupo
Ahora eso es una mentira
Nunca quiero volverme a sentir
Como me sentí ese día
Llévame al lugar que amo
Llévame todo el camino
Es dificil creer
Que no hay nadie allá afuera
Es dificil creer
Que estoy solo
Al menos tengo su amor
La ciudad, ella me ama
Solitaria como yo lo estoy
Juntos lloramos
Nunca quiero volverme a sentir
Como me sentí ese día
Llévame al lugar que amo
Llévame todo el camino
Bajo el puente en el centro de la ciudad
Es donde dibujé algo de sangre
Bajo el puente en el centro de la ciudad
No pudé tener suficiente
Bajo el puente en el centro de la ciudad
Olvidé acerca de mi amor
Bajo el puente en el centro de la ciudad
Dí mi vida.[/spoiler]
Es una canción que aparece en el 4º album de Red Hot Chili Peppers ,"Blood sugar sex magic " que salió a la venta el año 1991 .
Pués bien , la canción la escribió el cantante de la banda, Anthony Kiedis , muy afectado (como el resto de los Peppers) , por la muerte por sobredosis de heroina , del guitarra del grupo y amigo Hillel Slovak.
Kiedis , quien ya había tenido muchos problemas con el alcohol y las drogas , había sido habitual compañero de correrías junto a su amigo Slovak , y ambos intentaban romper totalmente con sus adicciones , pero al final volvían a recaer , y se iban "Under the bridge"("Debajo del puente") , para buscar a sus camellos .
Hasta que ocurrió la tragedia , y Slovak fué encontrado muerto en su apartamento el 28 de junio de 1988 ,la noticia dejó aturdido y sumido en una gran depresión a Kiedis , que huyo de todo y de todos durante casi dos meses , en los que vagó por Mexico , reflexionando sobre la vida que llevaban él y su amigo fallecido.
Así que vivió varios años atormentado , con el sentido de culpabilidad , por no haber sacado a su amigo de las drogas , y con el terror de pensar , que podía haber sido él ,quién hubiese muerto , ya que llevaba un estilo de vida parecido al de Slovak .
En uno de esos momentos de gran depresión , dos años más tarde , Kiedis cogió el coche y se puso a dar vueltas por su ciudad , la nostalgia se adueño de él , y logró componer una canción , en forma de triste balada que supuso el mayor éxito del grupo , la tituló " Under the bridge " , y en ella habla de lo sólo que se siente sin su amigo , y de que lo único que le queda es los lugares de la ciudad en los que fué tan feliz con él,se acuerda del maldito día en que ocurrió todo , y de como debajo del puente no tuvo suficiente con la dosis , ni se acordó de su amigo , debajo de aquel puente echo a perder su vida.
Fuente :The Rolling Stones revista y Wikipedia.
https://www.youtube.com/watch?v=_cvb3g7bHUI
Homenaje de Leon Gieco a Claudio "Pocho" Lepratti, asesinado por la policía de Rosario mientras subido al techo del comedor infantil en el cual trabajaba gritaba "No disparen, aquí solo hay niños comiendo".
[spoiler]
Cambiamos ojos por cielo
sus palabras tan dulces, tan claras
cambiamos por truenos
Sacamos cuerpo, pusimos alas
y ahora vemos una bicicleta alada que viaja
por las esquinas del barrio, por calles
por las paredes de baños y cárceles
¡Bajen las armas
que aquí solo hay pibes comiendo!
Cambiamos fe por lágrimas
con qué libro se educó esta bestia
con saña y sin alma
Dejamos ir a un ángel
y nos queda esta mierda
que nos mata sin importarle
de dónde venimos, qué hacemos, qué pensamos
si somos obreros, curas o médicos
¡Bajen las armas
que aquí solo hay pibes comiendo!
Cambiamos buenas por malas
y al ángel de la bicicleta lo hicimos de lata
Felicidad por llanto
ni la vida ni la muerte se rinden
con sus cunas y sus cruces
Voy a cubrir tu lucha más que con flores
Voy a cuidar de tu bondad más que con plegarias
¡Bajen las armas
que aquí solo hay pibes comiendo!
Cambiamos ojos por cielo
sus palabras tan dulces, tan claras
cambiamos por truenos
Sacamos cuerpo, pusimos alas
y ahora vemos una bicicleta alada que viaja
por las esquinas del barrio, por calles
por las paredes de baños y cárceles
¡Bajen las armas
que aquí solo hay pibes comiendo![/spoiler]
El Ángel de la bicicleta
El Ángel de la Bicicleta
El 19 de diciembre de 2001, la ciudad de Rosario se quedó sin el Ángel de la Bicicleta. Claudio "Pocho" Lepratti, de 35 años de edad, quien supo hacer del compromiso y la solidaridad una forma de vida, cayó asesinado por la policía, fusilado de un tiro que le reventó la tráquea, efectuado con un perdigón de plomo de una escopeta calibre 12,70, disparado por el policía Esteban Velásquez a siete metros de distancia.
Pocho, parado sobre el techo de la escuela donde preparaba la comida para los alumnos, intentó frenar la represión desmedida contra la gente. Gritó a un patrullero que se dirigía a la multitud disparando tiros al aire, y el vehículo policial dio la vuelta. Los oficiales se bajaron apuntando sus armas a Pocho, quien gritó:
-¡Bajen las armas! Acá sólo hay pibes comiendo.
El disparo lo arrojó hacia atrás y su cuerpo se desplomó sobre el techo de chapa.
En ese entonces, el Gobierno de Fernando de la Rúa y su fantasmal Alianza se desmoronaban como una marioneta desarticulada. La continuidad del modelo neoliberal menemista, la concentración de la riqueza, la ciega obediencia al FMI, la política de ajuste, el desmesurado aumento del desempleo y la vertiginosa multiplicación de la pobreza, provocaron una desesperante situación en todo el país. Los postergados de siempre, desocupados e indigentes, ganaron las calles y salieron a tomar de los supermercados los alimentos que la proclamada democracia cotidianamente les negaba.
Pocho y su bicicleta eran compañeros inseparables. Cada día, atravesaba pedaleando la ciudad, cubriendo un recorrido de entre ocho y diez kilómetros. Con frío o calor, con lluvia o viento, llegaba a todas partes sobre su rodado. Ésta fue la causa por la que es recordado como un ángel con alas montado en su bicicleta.
Cuando recibió el disparo, Pocho cayó hacia atrás y comenzó a desangrarse desplomado sobre el techo de la escuela. Después de haberlo ejecutado, los policías se retiraron sin atender los gritos de auxilio de las demás personas que se encontraban con Claudio. La intención de los agentes era dejarlo morir desangrado ahí mismo.
Pocho estaba comprometido con la fe cristiana. En 1986, a los 20 años, ingresó como seminarista en el instituto salesiano "Ceferino Namuncurá" de la localidad de Funes, provincia de Santa Fe, donde se preparaba para ejercer como hermano coadjutor.
(http://4.bp.blogspot.com/_rsh25GVRICc/SzrvKak-68I/AAAAAAAAAFQ/v1LpbjYxD_0/s1600/pocho3.jpg)
Agrego a que Under the bridge simplemente fue un poema escrito por Kiedis que lo tenía en su cuaderno y que no tenía la menor intención de hacer una canción hasta que lo encontró Rick Rubin, productor del disco Blood Sugar Sex Magik y quedo fascinado, animando a Kiedis a cantarlo en una canción.
Otros temas dedicados a su amigo fallecido Hillel Slovak son My lovely man del mismo disco y Knock me down del disco anterior, Mother's Milk.
Muchas gracias Mauro por la información!! :oki:
https://www.youtube.com/watch?v=hTWKbfoikeg (https://www.youtube.com/watch?v=hTWKbfoikeg)
"Smells Like Teen Spirit" es una canción de la banda estadounidense de grunge Nirvana. Forma parte del famoso álbum de 1991 Nevermind, del cual fue el primer sencillo. Es comúnmente considerada como la canción que dió el enganche a los adolescentes de todo el mundo hacia Nirvana y el movimiento grunge.
Este temazo fue escrito por los tres miembros de la banda (Kurt Cobain, Dave Grohl y Krist Novoselic) y producida por Butch Vig.
Muchos criticos consideran a "Smells Like Teen Spirit" como el himno de los noventa, y más aún, como el himno de la Generación X, tambien conocida como la "Generación de la Apatía" o la "Generacion Perdida" que vene dada por el rechazo inmóvil, una rebeldía-conformista, siempre rechazando la religión, tradiciones generacionales, patriotismos e incluso a la misma familia.
Ademas, al ser lanzada en 1991, la canción llegó en una escena musical que veía el fin de la popularidad del hair metal de los años ochenta marcada por bandas que duraban semanas, de caras pintadas, pelos rubios y con aires femeninos. Mientras que esta canción, acompañada por su famoso video musical, hablaba sobre una imagen de rebeldía adolescente que fue muy bien acogida por su audiencia. Se considera con gran unanimidad a "Teen Spirit" como la canción más famosa del género grunge, y su popularidad le abrió las puertas a numerosas bandas de este género (como Soundgarden, Pearl Jam o Alice in Chains).
En el plano musical, el cantante y guitarrista Kurt Cobain habló sobre las similitudes que tenía el riff con el de "More than a Feeling" de la banda Boston en sus diarios y cuando la presentó al productor Butch Vig. Además, el crítico musical estadounidense Dave Marsh habló sobre las similitudes del riff con el de la versión de The Kingsmen de la canción de Richard Berry "Louie Louie".
Aunque es melódica y armónicamente simple, la canción muestra un verso minimalista con letras relativas a un monólogo interior de su autor, que luego llevan a un feroz coro, y la voz de Cobain mostrando un rango que va desde un tono suave y melancólico en los versos a uno gritado hasta con rabia durante el coro y el cierre de este clasico.
En una entrevista en enero de 1994 con Rolling Stone, Kurt admitió que "Teen Spirit" fue el resultado de varios intentos para escribir una canción con un sonido similar al de la banda indie/alternativa Pixies: "Estaba tratando de escribir la mejor canción de pop. Estuve básicamente intentando imitar a The Pixies. Tengo que admitirlo. Cuando escuché a Pixies por primera vez, me conecté tanto con esa banda que hasta pensé que debía estar en ella - o al menos en una banda de versiones de Pixies. Nosotros usamos su sentido de la dinámica, siendo primero suaves y silenciosos, y luego fuertes y pesados".
En la misma entrevista, Cobain también habló sobre su disgusto por el éxito de la canción, y de cómo la canción "Drain You", del mismo álbum, era "tan buena del todo como 'Teen Spirit".
En Heavier than Heaven, la biografía de Kurt Cobain escrita por Charles Cross, se dice que la canción hace referencia a la ruptura de Tobi Vail con Kurt. Este argumento se basa en varias cartas publicadas en el libro sobre los diarios de Cobain donde escribe algunas de las frases que se incluyen en la letra de la canción.
Sin embargo, Cobain no creía que las letras tuvieran ningún significado específico, de hecho en una entrevista con la cadena musical MTV dijo: "Me doy cuenta que la gente espera... un ángulo más temático con nuestra música, sabes - ellos quieren "leerla". Pero lo que hice fue colocar pedazos de poesía y solo basura y material que me encantaba en aquel entonces, y muchas veces escribo letras sólo en el último minuto porque soy muy perezoso, entonces... entonces no entiendo porque la gente intenta buscarle algún significado..."
Otra interpretación posible de la letra de este temazo fue hecha por el bajista Krist Novoselic : "Kurt odiaba el 'mainstream'. De eso se trataba 'Teen Spirit'. La mentalidad conformista de la gente". De acuerdo a entrevistas con la banda, se dice que otro significado de la canción habla sobre un "ataque a la apatía de la Generación X".
Lo que si se sabe a cienca cierta es que "Teen Spirit" es una marca de desodorantes estadounidense que vende la empresa Colgate-Palmolive. Cobain tomó el nombre de la canción cuando una amiga, Kathleen Hanna, cantante de la banda de punk Bikini Kill, pintó con spray "Kurt Smells Like Teen Spirit" en su muro. Debido a que habian conversado sobre anarquía, punk rock y temas similares, Cobain lo tomó como un eslogan de esta causa. Pero el verdaderos significado de ese mensaje escrito por Hanna, era que Kurt olía como el desodorante, que Vail (por ese entonces novia de Cobain y compañera de banda de Hanna) usaba, queriendo decir de forma humoristica que Kurt olía como una mujer. Cobain alegó que no sabía que era una marca de desodorantes, y finalmente estuvo de mal humor porque un producto era mencionado en la canción. En los meses posteriores al éxito de la canción, Colgate-Palmolive creó una campaña publicitaria para tratar de hacer algún beneficio por la conexión. Un comercial de televisión incluía líneas cómo "Do you smell like teen spirit?" ("¿Hueles a espíritu adolescente?" y "Deodorant made for your generation" ("Un desodorante hecho para tu generación".
Cuando Cobain les presentó la canción a sus compañeros de banda (que hasta ese momento sólo consistía del riff principal y la melodía vocal del coro) el bajista comentó que era "ridícula". Sin embargo, Cobain convenció posteriormente a la banda para tocarla de forma repetida por "una hora y media", de acuerdo a las palabras del cantante. Novoselic declaró en una entrevista en el 2001 que después de tocar el riff una y otra vez, él dijo: 'Esperen un momento. ¿Por qué no tocamos éste pedazo un poco más lento?' Entonces procedí a tocar la parte del verso. Y Dave empezó a tocar un ritmo diferente en la batería. Asi fue como los tres crearon el ritmo rabioso del tema.
Unas semanas antes del comienzo de la grabación de Nevermind, Cobain le entregó al productor Butch Vig un casete de una grabación hecha en marzo de 1991 por los tres integrantes en un granero donde estaban incluidas varias canciones que conformarían el álbum o que solo volverían a ser grabadas en las sesiones de éste. Vig posteriormente declaró que la calidad de la grabación era baja, y añadió sobre ésta: "Podía escuchar la parte de 'Hello, Hello' y los acordes, pero era tan indescifrable que no tenía idea de lo que podía esperar de la canción".
El video musical, al igual que la canción, ha sido altamente popular y aclamado, y en 1992 ganó en los MTV Video Music Awards ne la categoria "Mejor Nuevo Artista" y "Mejor Artista Alternativo", además de ser nombrado por el Libro de record Guinness en el año 2000 como el videoclip más rotado por MTV Europa.
El video estuvo a cargo de la direcion de Samuel Bayer (que posteriormente se encargaría de la dirección de videos de Smashing Pumpkins y Green Day), y es notable por su puesta en escena surreal, inspirada por la película de 1979 Over the Edge, una de las favoritas de Cobain. El video mostraba a la banda tocando en una reunión en un gimnasio de una escuela, rodeados por animadoras, que portaban vestidos negros con el símbolo anárquico de la A con círculo, en vez de una mascota del equipo o de la escuela.
El video termina con los "estudiantes" destrozando el lugar y el equipamiento de la banda. Dos días antes de la grabación del video, la banda invitó a varios de los extras que actuarian en su video a asistir a un concierto en el Teatro Roxy de Los Ángeles.
Este famoso videoclip fue estrenado a nivel mundial en el programa de noche de MTV dedicado al rock alternativo llamado 120 Minutos, pero demostró ser tan popular que el canal empezó a transmitirlo durante el día, lo que impulsó las ventas del sencillo y el álbum. En la lista de Billboard Hot 100, la canción alcanzó el puesto número 6, además de llegar a la primera posición en los listados de rock moderno elaborados por la misma revista, mientras que en el Reino Unido, la canción logró llegar a la posición número 7. Además, la canción se mantuvo en la cima de varios listados alrededor del mundo en 1991.
En el 2004, la Rolling Stone colocó a "Smells Like Teen Spirit" en la novena posición en su lista de las 500 canciones más grandes de todos los tiempos.
En el 2002, la canción hizo parte de la serie de documentales de la SBS, Impact: Songs That Changed The World. La canción también alcanzó el tercer lugar en el sondeo de la revista británica Q sobre las canciones más grandes de la historia en el 2006 y el primer lugar en la lista de VH1 de las 100 canciones más grandes de los pasados 15 años en 2003.
En el 2006, "Teen Spirit" fue ubicada en la tercera posición de la lista de MTV Latinoamérica "Los 100 videos más MTV", emitida con motivo del aniversario número 25 de la cadena estadounidense.
Fuente Revista Rolling Stones, MTV music y Wikipedia.
Song to the siren. De Tim Buckley.
Intepretada por varios artistas. Más conocido por ser intepretado por This Mortal Coil.
Aunque a mi me gusta la versión de John Frusciante.. ja
También hay una versión de Sinead O'Connor
https://www.youtube.com/watch?v=vMTEtDBHGY4 (https://www.youtube.com/watch?v=vMTEtDBHGY4)
Long afloat on shipless oceans
I did all my best to smile
'Til your singing eyes and fingers
Drew me loving to your isle
And you sang
Sail to me
Sail to me
Let me enfold you
Here I am
Here I am
Waiting to hold you
Did I dream you dreamed about me?
Were you here when I was flotsom?
Now my foolish boat is leaning
Broken lovelorn on your rocks,
For you sing, "Touch me not, touch me not, come back tomorrow:
O my heart, O my heart shies from the sorrow"
I am puzzled as the newborn child
I am riddled as the tide.
Should I stand amid the breakers?
Or should I lie with Death my bride?
Hear me sing, "Swim to me, Swim to me, Let me enfold you:
Here I am, Here I am, Waiting to hold you"
This Mortal Coil
[spoiler]https://www.youtube.com/watch?v=HFWKJ2FUiAQ[/spoiler]
John Frusciante
[spoiler]https://www.youtube.com/watch?v=03QEteGrvdY[/spoiler]
Prácticamente Tim evoca una canción meláncolica citando el mito de las Sirenas que se encuentra en el viaje de vuelta de Ulises luego de la guerra de Troya. Resumidamente, el mito trata sobre una isla en que unas bestias mitológicas llamadas sirenas. Con su canto hipnotizan a todo barquero que pase por ahí. Provocando que estos se enamoren y sean atraídos y encallen en las rocas de sus costas para morir.
A lo que me lleva interpretar..
[spoiler]Me lleva a pensar en un desamor. Pero no cualquier desamor.
Aquel al que se lo conoce como friendzone.. Puede ser como experiencia que conlleva a reflexión personal, pero también general.. jaja los hechos retratados en el siguiente texto son ficción y cualquier parentezco con la realidad (de Mauro) son pura coincidencia (?
jajaja
La versión de Frusciante. Varía algunos terminos en la letra.
Trás largo aflote en oceanos sin barcos.
Hice mi mayor esfuerzo por sonreír.
Hasta que tus dedos y ojos cantando.
Me atrayeron amorosamente a tu isla.
Me lleva a una persona solitaria, dolida, que perdió su fé en el amor hace tiempo y paso vagando sin rumbo. Como en oceanos sin barcos. Sonriendo forzadamente, tratando de evitar mostrar su dolor.
Hasta que conoce a alguien, una persona que la invita a abrirse con ella, que de algún modo lo trata amorosa y dulcemente, dejandola entrar a su mundo, a su isla
Y cantabas, navega a mí, navega a mí.
Déjame envolverte.
Acá estoy, acá estoy..
Esperando por contenerte
Lo mismo que antes, de algún modo brinda el mensaje de que la va a contener. Brindandole cariño, comprensión.
¿A caso soñé, que soñabas conmigo?
¿Eras la liebre cuando yo era el zorro?
Ahora mi tonto barco está inclinandose. (cayendo de costado) (Me gusta usar el termino encallar acá pero no dice así en la canción ja)
Amor no correspondido destrozado entre tus rocas.
Acá el término eras la liebre cuando yo era el zorro, es como esos dichos siempre hay un roto para un descosido.. La liebre la presa y el zorro el casador ¿soñaste que era yo quien te casaba?
Se enamora.
Y con valor le declara su amor, aquel que todo este tiempo vagando solo y destrozado, soñaba, anhelaba encontrar.
Pero no es correspondido, con un "te quiero pero como amigo"
Le rompe el corazón. ¿Pero todo lo anterior, esas señales..?
Por tu canto, no me toques, no me toques..
Volvé mañana.
Oh mi corazón, oh mi corazón..
Se rehúye del dolor..
No me toques es eso. Cuando uno se enamora de su amiga/o pero este te frena cuando queres enseñarle lo que sentís.
De algún modo te invitaba a enamorarte. Pero habiendolo hecho, muestra lo contrario.
Volvé mañana.. Un ahora no, capas algún día (mañana).. Esa esperanza que aún te brindan.
Pero tu corazón se quiebra.. se espanta del dolor, quizá aquel que antes no conocía, por nunca haberse encontrado en ésta situación.
Estoy tan confundido como un niño recién nacido.
Estoy tan turbulento como la marea.
¿Debería quedarme entre tus rompientes?
¿O debería yacer junto a la muerte, mi prometida?
Prácticamente sentirse perdido al haberse déjado entrar tanto en algo que no era. Y ahora se siente confundido, como un niño recién nacido al salir del útero. Turbulento, inestable como la marea. Perdido de aunque sea tener el control de sus emociones, dejadas al olvido al haberse enamorado de la sirena.
¿Debería seguir siendo tu amigo?
¿O debería morír? Eras mi mundo y me lo quitaste con tu te quiero pero solo como amigo.
¿Debería acudír a aquella que todo este tiempo de soledad y tristeza me prometía la única fidelidad al encotrarme con ella, en ese único encuentro?
Escúchame cantar.
Navega a mí, navega a mí.
Déjame envolverte.
Acá estoy. *Acá estoy (le susurra la muerte en la versión de Frusciante)
Déjame abrazarte.
Este último párrafo lo considero cantado por la muerte.
Al tener el corazón roto y ya sin fuerza al haber sido rechazado o herido. Este le escucha el mensaje a la muerte de dejar de hacer ese esfuerzo por sonreír. Y finalmente déjarse abrazar por ella.
*************
Ja resumiendo. Básicamente, el haber estado solo, triste, desesperanzado y en soledad por tanto tiempo. Y encontrar a alguien que parece demostrar que es quien te va a salvar. Pero súbitamente te rechaza. Y te mete en la "friend-zone"!!
Me acuerdo que una noche, idee, imaginé, pensé en esto mientras escuchaba esta canción. Interprete esto.
Que sin ánimos de generalizar, pero en aquellas personas que nos seducen, nos invitan que nos muestran que somos el ideal para ellas. Pero como las sirenas, al final es todo un engaño. Y nos matan con su te quiero como amigo.[/spoiler]
https://www.youtube.com/watch?v=0kNGnIKUdMI
"My Sweet Lord" es una canción del famoso músico británico George Harrison, la cual fue un exitazo en el Reino Unido y está incluida en el espectacular disco triple lanzado por el ex-Beatle en 1970 titulado All Things Must Pass.
La letra de la canción trata sobre el Dios hindú llamado Krishna aunque muchos la consideraran como el primer himno religioso que no ofende a ninguna religión , ni pregonaba ninguna específica, aunque pueda sonar contradictorio.
Originalmente Harrison había escrito este tema para Billy Preston quien había estado meses antes tocando su teclado junto a The Beatles en la sesión musical Get Back. La idea de George era que este tema formara parte del disco "Encouranging Words" que Preston estaba grabando. Fue escrita en 1969 cuando ambos músicos se encontraban en Dinamarca, pero fue grabada en Londres y fue colocada dentro del disco de Billy. Pero Harrison también decidió grabarla para su primer disco como solista que venia ya programando.
Cuando se lanzó el single que incluía esta canción, este rápidamente encabezó los Charts a ambos lados del Atlántico siendo un éxito de ventas lo cual también ayudó bastante a la promoción del disco que igualmente llegó a los primeros lugares en Estados Unidos y el Reino Unido y tuvo seis discos de platino.
El 2002 la canción volvió a llegar al numero uno de las listas del Reino Unido debido a la reedición del disco que se publicó en enero de dicho años después de la muerte de Harrison por causa de un cáncer.
Si escuchamos atentamente la letra de este temazo nos damos cuenta que en los coros del fondo se repite la palabra "Aleluya" que es muy usada en los cánticos cristianos y alabanzas judías. Más tarde, el coro de fondo interpreta partes de un mantra hindú en dos oraciones: Hare Krishna / Hare Krishna / Krishna Krishna / Hare Hare / Hace Rama / Hace Rama...
Esta oración que es parte del Vaisnava Hindu era muy usada por Harrison en su vida diaria ya que él era un devoto a esta religión.
También podemos escuchar otros cánticos como: Gurur Brahma, gurur Viṣṇur, gurur devo Maheśvaraḥ. Este mantra es cantado por los hindúes antes de comenzar cualquier acción y también antes de cantarle himnos a Ganesha y Sarasvati.
Quizás toda esta mística religiosa que trae la letra del tema fue lo que gustó en la gente, que por aquella época estaba marcada por la búsqueda dela paz mundial, la vida basada en la paz y el amor, por ello esta canción marcaba esos deseos en su mensaje lírico.
Pero cuando todo parecía color de rosas para el Ex-Beatle, las cosas se vieron opacadas cuando se enteró que una compañía de Nueva York, llamada Bright Tunes, lo habia demandado por plagio musical. Harrison habia sido demandado debido a una violación de derechos de autor en "My Sweet Lord", donde supuestamente imita al single de la banda sesentera The Chiffons llamado "He's So Fine" que había sido escrita por Ronnie Mack. Finalmente fue multado por plagio inconsciente en 1976. Durante el juicio, la corte había aceptado la posibilidad de que Harrison hubiera "copiado subconscientemente" el éxito de The Chiffons como base a su propia canción, lo que utilizó para mofarse del tribunal en su tema "This Song", publicada en el álbum Thirty Three & 1/3.
Pero las disputas por los derechos de autor continuaron en la década de los 90, con el antiguo mánager de The Beatles Allen Klein que acabó denunciando a Harrison tras comprar Bright Tunes, la compañía que poseía los derechos de autor de "He's So Fine". Finalmente, ya cansado de tantos problemas, Harrison acabaría comprando los derechos de ambos temas... facil solución.
Esta canción fue clasificada en el puesto #454 por la revista Rolling Stone en su lista "the 500 Greatest Songs of All Time."
Aquí la canción que había plagiado George.
https://www.youtube.com/watch?v=JU5qP20iJl0
Foreclosure of a dream de Megadeth del album countdown to extintion de 1991 :
http://www.youtube.com/watch?v=IAAJCe_rg7M&feature=youtube_gdata_player
Una letra política. Privacion de un sueño podría ser una traducción mas cercana auque si usamos la palabra " embargo " queda mejor ya que la letra hace referencia a las penurias económicas que paso el bajista del grupo, Dave Effelson y su familia, durante el Gobierno de Regan.
https://www.youtube.com/watch?v=TPE9uSFFxrI
"Esta canción empezó como una extension de Map of the Problematique con una influencia de los principios de The Police. Esta básicamente basada en el libro "1984" de George Orwell particularmente la relación de Winston y Julia y la descripción del acto del sexo y amor como algo político, el único lugar que ofrece libertad del Gran Hermano. La canción también es acerca de cualquier amor que cruza fronteras como la religión o fuertes opiniones políticas y el subsecuente reconocimiento de la no importancia y división de dichas creencias'', según ha manifestado Matt Bellamy .
https://www.youtube.com/watch?v=w8KQmps-Sog
Continuando con Bellamy, en lo que respecta al sencillo Uprisigng, afirmó que "resume lo que muchas personas sienten cuando lo que se necesita es un cambio".
La letra trata una de las temáticas que más apasionan al vocalista y compositor principal: la revolución ante un sistema opresor. El primer verso es simple y fuerte: la paranoia ha florecido. No es ajeno a nosotros que cada que estalla alguna movilización social estalle, a la par, la paranoia. Pocas cosas hacen "florecer" el pánico colectivo de la forma que lo hace una movilización social. Desde el primer verso, Muse ya está dando a las pautas para entender que la canción habla del punto crítico de una revolución; una Resistencia, como lo afirma el disco.
La letra continúa afirmando que las Relaciones Públicas van a transmitir drogas para mantenernos a todos controlados, con bajo perfil ("dumbed down") y esperan que no lleguemos a ver la verdad a nuestro alrededor. A lo que se refiere con esta estrofa es a los medios masivos de comunicación. Rescata el argumento del control que ejerce un sistema sobre los individuos con el propósito de silenciar su conciencia. Tomando como punto de partida la obra de George Orwell, podría hablarse de la llamada telepantalla, el instrumento utilizado por el gobierno del Gran Hermano tanto para escuchar y atiborrar de propaganda hipnotizante al pueblo; sin embargo, esto es aplicable también a la sociedad actual en la forma en que los medios transmiten ciertos contenidos, muchas veces con el objetivo de distraer lejos de informar. Distraer para "evitar que lleguemos a ver la verdad".
La siguiente estrofa habla de "promesas y bonches de mentiras que nos mantienen atrapados en la codicia". Con esto puede referirse a las campañas y propagandas políticas. Promesas, escenarios que se plantean pero que quedan terminan siendo un montón de mentiras, quedan desvanecidos por la avaricia y la codicia. Después se mencionan "cinturones que aprisionan nuestras mentes, una cinta interminable que mantiene la verdad confinada" como modo de reforzar la premisa de un control mental a través de mantener la verdad oculta y lejos del alcance de la población.
El coro hace una oposición a todo lo establecido en las primeras estrofas: no van a forzarnos, van a dejar de degradarnos, no van a controlarnos, vamos a ser victoriosos. Cuatro versos cortos que llaman a cambiar ese sistema opresor anteriormente descrito, que llaman a la resistencia.
Después del primer coro, cambia un poco el discurso de la canción. Deja de describir al sistema y continúa con el llamado al levantamiento. Da una respuesta contraria a ese control de mente, deja que la revolución lleve su curso, abre los ojos, no tengas miedo a morir. Levántate, toma el poder ("take the power back"), "es tiempo de que a los gatos gordos les dé un ataque cardiaco" —con esto último se refiere a derrocar a los mandatarios, a los "peces gordos" propietarios del capital y el sistema en general—. El tiempo ha llegado y tenemos que unirnos para ver nuestra bandera ascender.
El último verso antes de los coros finales y puentes musicales podría considerarse el llamado más fuerte. Directamente está pidiendo unión para poder levantar al país entero. "Ver la bandera ascender" como símbolo del pleno ejercicio de la libertad.
Wish you were here
Eres de esas personas que se cree capaz de diferenciar el cielo del infierno. Lo bueno de lo malo. Crees en las evidencias, que todo se puede medir para determinar si está en un saco o en otro, pero se te olvida que a veces lo irracional dicta nuestras decisiones. Nadie es tan racional como se cree. Pink Floyd lo sabía y lo plasmó en "Wish You Were Here", algo más que una de las mejores canciones de la historia del rock.
https://www.youtube.com/watch?v=IXdNnw99-Ic
Muchos creen que es una canción de amor y algunos la dedican a sus parejas pero los fans de Pink Floyd saben el significado de la misma.
Wish you were here (Ojalá estuvieses aquí).
"Wish you were here", la canción más nostálgica del disco, y en la que queda manifiesto el cansancio y el hastío que produce el éxito. La canción este dedicada a Syd (admitido por Roger y Gilmour en Live 8 )el primer líder de la banda luego reemplazado por Roger y David quienes manifiestan en varias canciones el recuerdo por Syd Lo que es claro, es que no se trata de una canción de amor, como muchos piensan. Roger se acuerda de los viejos tiempos, donde todo era mejor y más fácil. Cuando Syd estaba con ellos.
Así que, así que crees que puedes distinguir el paraíso del infierno, cielos azules del dolor. ¿Puedes distinguir un campo verde de un frío raíl de acero? Una sonrisa
de un cumplido, ¿Crees que puedes distinguir?.
Roger habla de la ambigüedad de la vida, de lo difícil que es distinguir entre lo bueno y lo malo, de lo difícil que es vivir, en definitiva. Probablemente habla a Syd, ya que era el que más claro parecía tener las cosas en un principio, pero al final fue el que peor acabó, por lo que la ambigüedad aumenta.
Y ¿Consiguieron transformar tus héroes en fantasmas? ¿Cenizas calientes en árboles?. ¿Aire caliente por brisa refrescante? ¿Confort frío por cambio? ¿Y canjeaste participar en parte de la guerra por un papel principal en una jaula?
Roger le pregunta a Syd sobre lo que le pasó, sobre lo que hizo el mundo con él, como resistiéndose a creerlo.
Como desearía, Como desearía que estuvieses aquí. Somos solo dos almas perdidas, nadando en una pecera, año tras año. Corriendo sobre el mismo viejo suelo. ¿Qué hemos encontrado? Los mismos viejos miedos. Ojalá estuvieses aquí
La parte más nostálgica y melancólica de la pieza. Roger explica a Syd, que al final, los dos se encuentran en la misma situación, encerrados en un mundo que no entienden, hastiados y cansados, siempre haciendo lo mismo, con los mismos miedos. El éxito no arregla nada, al contrario, te ata, te arrastra. Roger concluye deseando que Syd estuviese con él, pues así por lo menos se tendrían el uno al otro.
Shine on You Crazy Diamond
https://www.youtube.com/watch?v=AOv1_ZP3tMs
"Shine on You Crazy Diamond" es una composición de nueve partes de Pink Floyd cuyas letras fueron escritas por Roger Waters y música compuesta por Waters, Richard Wright, y David Gilmour. Fue tocada por primera vez en el tour de 1974, y grabada para el álbum conceptual de 1975 Wish You Were Here. La canción fue hecha con la intención de que durara todo un lado del disco como "Atom Heart Mother" y "Echoes", pero resultó más larga de lo que un solo lado del vinilo permitiría, por lo que fue separada en dos partes al principio y al final del álbum. Es la canción más larga del grupo (juntando sus dos partes), durando 26:11, seguida de Atom Heart Mother del álbum Atom Heart Mother, de 23:42, y de Echoes del álbum Meddle, que dura 23:34. El tema está dedicado a Syd Barrett, quién fue uno de los miembros originales de la banda.
Shine On You Crazy Diamond Parte I-V
(Sigue Brillando Diamante Loco)
Esta canción también está dedicada a Syd Barrett (Miembro fundador de Pink Floyd que abandonó el grupo muy pronto debido principalmente a sus problemas con el LSD). Syd es el "Crazy Diamond" (Diamante Loco). Este calificativo puede ser debido a que Barrett se convirtió rápidamente en una estrella del Rock, pero debido a sus problemas con las drogas, su caida fue tremendamente rápida, de ahí lo de "Crazy Diamond" un diamante que esta loco, porque no brilla como los demás, el diamante loco tiene mayor brillo, pero brilla durante muy poco tiempo (Syd fue una estrella que brilló intensamente pero durante muy poco tiempo). El termino "Diamond" podría estar influenciado por la canción de los Beatles "Lucy in the Sky with Diamonds", cuyas iniciales son LSD, la droga a la que Syd era adicto.
Recuerda cuando eras joven, brillabas como el sol. Sigue brillando Diamante Loco. Ahora hay una mirada en tus ojos como agujeros negros en el cielo. Sigue brillando diamante loco.
En los primeros versos de la pieza, Roger habla del antes y el despues de Syd. Cuando este no tenía problemas con el LSD, era un joven feliz con una mirada brillante y llena de vida (Brillabas como el sol). Pero ahora la mirada de Syd es fija y penetrante, (Como agujeros negros en el cielo), a causa de las drogas. Los agujeros negros son estrellas al igual que el sol, pero a diferencia de este, los agujeros negros arrastran a su interior todo lo que pasa a su alrededor (como la droga), consumiéndolo, mientras que el sol es todo lo contrario, es símbolo de vida, y su luz y calor nos da la energía que necesitamos para vivir. En este párrafo, además, Roger incita a Syd para que vuelva a ser el de antes, para que su arte no se apague, para que su arte no se muera, para que muestre de nuevo todo su talento, de ahí la frase "Sigue brillando Diamante Loco".
Fuiste alcanzado en el fuego cruzado de la infancia y el estrellato, sopló en ti la brisa de acero. ¡ Enciéndete objetivo de risas lejanas, enciéndete extraño, leyenda, mártir y brilla!
Una de las causas de los problemas de Syd fue que alcanzó el éxito muy joven, de ahí la frase "Fuiste alcanzado en el fuego cruzado de la infancia y el estrellato". Respecto a la expresión "Brisa de acero", no hay nada del todo claro. Una posible interpretación es la que dice que "la brisa de acero" es el sonido de la guitarra eléctrica (Syd era el guitarrista del grupo). Con "Sopló en ti la brisa de acero", Roger podría querer decir que a Barrett le atrapó el encanto del sonido de la guitarra. Otra posible opción es la que considera que la "brisa de acero" representa el límite que no debemos atravesar y que Syd cruzó al abusar de los alucinógenos. A pesar de todo, la interpretación de este término es controvertida, y esta sujeta a diversas opiniones.
A continuación Roger vuelve a incitar a Syd a volver a ser el de antes, a volver a ser una estrella, con la expresión "¡Enciéndete objetivo de risas lejanas (Se refiere a la gente que se mofaba de Syd cuando este estaba drogado encima del escenario, y sus dedos no eran capaces de tocar), enciéndete extraño (Realmente nadie conocía a Syd de verdad), leyenda (por todo lo que ha representado Syd en la história del rock), mártir (otra víctima del Rock que cae en el mundo de las drogas) y brilla!".
Alcanzaste el secreto demasiado pronto, le lloraste a la luna. Sigue brillando diamante loco. Amenazado por sombras en la noche, y expuesto a la luz. Sigue brillando diamante loco.
Syd se convirtió en una estrella cuando era demasiado joven y esto lo acabó pagando (de ahí lo de "Alcanzaste el secreto demasiado pronto"). Con "le lloraste a la luna" Roger podría estar intentando describir lo que le hubiera gustado a Syd haber estado en el grupo cuando llegó el éxito de "Dark Side of the Moon". Seguro que Syd se murió de rabia al enterarse del éxito que él hubiera podido tener de seguir con Pink Floyd.
Syd muchas veces iba drogado a los conciertos y los focos y las luces del escenario mostraban claramente su estado, de ahí lo de "Amenazado por sombras en la noche, y expuesto a la luz".
Bien, dabas la bienvenida con una aleatoria precisión, montado sobre la brisa de acero. ¡Enciéndete delirante, observador de visiones, enciéndete pintor, flautista, prisionero, y brilla!
"Dabas la bienvenida con una aleatoria precisión", dependiendo de su estado (drogado o no), Syd recibía mejor o peor a los demás. "Montado sobre la brisa de acero", hemos pasado de "Sopló en ti la brisa de acero" a "Montado en la brisa de acero", hay una evolución. Si tomamos como significado de "Brisa de acero" al sonido de la guitarra, nos indicaría que a Syd ya no solo le atraía la guitarra sino que la tocaba. Tomando el otro significado que dimos anteriormente (Brisa de acero=Límite), Waters nos estaría diciendo que Syd ya estaba al borde del límite, a punto de sobrepasarlo con el abuso de LSD. Por ultimo Roger vuelve a la idea principal de toda la pieza: El recuperar a Syd. Esta vez aplica otros adjetivos: Delirante, observador de visiones, pintor (Syd era aficionado a la pintura), flautista (por "The Piper at the gates of Dawn"), y prisionero (del LSD).
Shine On You Crazy Diamond (Parte VI-IX)
(Sigue Brillando Diamante Loco
El Disco termina como empienza, con "Shine On", en esta parte 2 se incide en lo mismo que en la primera parte. El deseo de que Syd vuelva a ser el de antes, de que recupere su brillo.
Nadie sabe donde estás, cuan cerca o cuan lejos. Sigue brillando diamante loco. Acumula muchas mas capas y me reuniré allí contigo. Sigue brillando diamante loco.
Y nos abrasaremos en la sombra del triunfo de ayer, y navegaremos en la brisa de acero. ¡Enciéndete chico-niño, ganador y perdedor, Enciéndete minero de la verdad y el engaño, y brilla!
En este párrafo, encontramos uno de los términos más comprometidos y difíciles de interpretar "Pile many more layers" (Acumula muchas capas). Una interpretación, (a mi parecer la más coherente), es que esta expresión quiere decir algo así como "aguanta unas poco más las presiones de cada día", es decir luchar para que el estrés diario no acabe contigo y puedas llegar a viejo, y así poder recrearte en el triunfo del ayer, algo como resistir hasta el final, soportando la rutina de cada día. Roger le pide a Syd que aguante un poco más. Una interpretación muy bonita al respecto, es la que dio un chico en "Echoes Digest": Si acumulas muchas capas sobre el carbón, aumenta la presión, y con el tiempo este se convierte en un diamante.
"Navegaremos en la brisa de acero", aquí hay una progresión evidente: Soplar, montar y navegar. Atendiendo a los dos significados que dimos anteriormente sobre "brisa de acero", "navegar en la brisa de acero" podría significar volver a tocar la guitarra, pero ahora sin presiones, disfrutando. Con el tiempo, si Syd aguanta, el grupo y él podrían volver a tocar, sin tensiones. Considerando el significado brisa de acero = límite, podría querer decir algo como "nos reiremos de los límites", o "controlaremos los límites".
El resto del párrafo, creo que queda suficientemente claro, ya que reincide en la temática y estructura de "Shine On" parte 1.
Fuente:
Historia del Rock.
Wikipedia.
Revista Rolling Stones.
Revista SolomusiK.
Realmente es fantástico descubrir el significado y la historia que hay detrás de una canción por su autor que a veces contrasta con la de muchos fans y admiradores de la música. :smile:
https://www.youtube.com/watch?v=TLmQ2vxMbn0
"Beautiful Girl", fue el quinto single lanzado a nivel internacional del álbum de 1992 Welcome to Wherever You Are, por la banda de rock australiana INXS. La canción fue escrita por Andrew Farriss, quien se inspiró para escribir esto por el nacimiento de su hija. En una entrevista por Debbie Kruger,1 el tecladista de INXS explicó: "Yo estaba escribiendo canciones como "Baby Don't Cry" y "Beautiful Girl"y las letras hablan sobre lo maravilloso que es tener algo más en tu vida aparte de ti que preocuparse y pensar ". La cosa más rara acerca de esta versión, fue en los EE.UU. sólo estaba disponible en formato de cassette y no en formato digital (disco compacto).
La banda está grabando un disco en memoria de Michael Hutchence. Brandon Flowers de la banda The Killers reveló que él grabó la canción "Beautiful Girl" con la banda sin embargo, después de escuchar la versión de Pat Monahan de la banda Train, él decidió aplazar la grabación2 El álbum está siendo producido por James Ash de Rogue Traders.
Esta canción fue utilizada para una campaña de concienciación de televisión estadounidense acerca de los efectos de la anorexia.
Fuente :Wikipedia.
https://www.youtube.com/watch?v=ElxO4eKS8EY
One es una de las canciones más famosas de la banda de Rock irlandesa U2. Es el tercer titulo del álbum Achtung Baby, sacado el año 1992. Ademas aparece en varias recopilaciones de grandes exitos de la banda.
No existe una explicacion sobre el contenido de la letra. Pero existen varias versiones que intentan decifrar la letra. Por ejemplo, algunos autores dicen que Bono habla sobre un chico a punto de morir de VIH y su padre; otros dicen que es una relación entre dos personas que deberían estar unidas.
Tiempo mas tarde Bono daría una pista sobre lo que quiere comunicar la cancion: "habla del dolor de un chico homosexual ante la incomprensión por parte de su padre". Bono no entiende, según manifestó en una entrevista a un suplemento de EL MUNDO, que sigan poniendo esta canción en bodas y semejantes, cuando en realidad no tiene nada que ver con un amor de una pareja, lo cual explica la vestimenta del grupo en el video que tiene como escenario principal Berlin, y en el que se ve a un señor mayor en un extremo del sofá, y al otro extremo un miembro de la banda con ropa de mujer.
En el año 1993 se realizó una versión especial de One en donde el grupo R.E.M., Larry Mullen y Adam Clayton de U2, la tocaron en vivo; ese grupo se ha denominado Automatic Baby y se presenta como una rareza a escuchar.
Otro dato sobre esta canción: inspiró el nombre de la fundación ONE Campaign, que combate contra la pobreza de África.
https://www.youtube.com/watch?v=GCWDvbnxPPM
https://www.youtube.com/watch?v=ZpDQJnI4OhU
Fuente:Revista Rolling Stone y Wikipedia.
https://www.youtube.com/watch?v=YkADj0TPrJA (https://www.youtube.com/watch?v=YkADj0TPrJA)
Una canción que tiene muchas versiones y fue utilizada para series y películas ,el primer éxito como solista de Phil.
¿Phil Collins la venganza esta en el aire?
"¿Era la letra de una canción del batería de Génesis o era la voz de la conciencia quien le hablaba a este hombre? Se sentía identificado con la letra. La canción hablaba del oscuro secreto que ocultaba en su interior. Se sintió odiado. Se sintió avergonzado. Se sintió culpable"
Phil Collins no solo comenzó su carrera solista con 'In the air tonight'. Además, esta canción le sirvió para poner en su sitio a un desalmado que años antes no había ayudado a salvar la vida de una persona cercana al batería. Collins localizó a este ser inhumano, lo invitó al concierto y le cantó la canción mirándolo fijamente. El hombre se sintió tan culpable que después se suicidó. O quizá sucedió de otra manera...
Un hombre tuvo suerte. Un día, sin esperarlo, recibió una entrada de primera fila para asistir a un concierto de Phil Collins en solitario. El propio Collins se había tomado la molestia de localizar a esta persona y de invitarla. El hombre no pudo rechazar semejante oferta y acudió al concierto. Se colocó en la fila más cercana al escenario y esperó disfrutar de la actuación. Cuando el cantante y batería comenzó a cantar 'In the air tonight', un foco apuntó directamente a su invitado. "He estado esperando este momento toda mi vida, oh, Señor", cantaba Collins saboreando el momento. "Si me dijeras que te estás ahogando, no te echaría una mano"; aquí el invitado comenzó a tragar saliva mientras el cantante no dejaba de mirarle fijamente. Las palabras que Phil Collins lanzaba le atravesaban como si fueran puñales: "He visto tu cara antes, amigo, pero no sé si sabes quién soy". Las frases de la canción hicieron que el hombre comenzara a recordar un incidente que ocurrió en el pasado. "Estaba allí y vi lo que hiciste; lo vi con mis dos ojos". Cada verso hacía que el hombre se sintiera más y más despreciable. "Así que puedes borrar esa sonrisa, sé dónde has estado". Mientras, el foco seguía delatándole y Collins no le quitaba el ojo de encima.
Aquel hombre que tuvo la suerte de acudir gratis a un concierto de Phil Collins recibió un castigo. La letra de la canción seguía en su cabeza torturándole: "¿Cómo podría olvidarlo? Fue la primera vez, la última vez que nos vimos. / Pero sé que sabes la razón por la que sigues en silencio, no me engañes. / El daño no se ve pero el dolor sigue creciendo. / No es raro ni para ti ni para mí". ¿Era la letra de una canción del batería de Genesis o era la voz de la conciencia quien le hablaba a este hombre? Se sentía identificado con la letra. La canción hablaba del oscuro secreto que ocultaba en su interior. Se sintió odiado. Se sintió avergonzado. Se sintió culpable. La única opción que le quedó para hacer callar a la voz de su conciencia fue el suicidio.
¿Cuál era este secreto que solo Phil Collins y él conocían? Muchos años antes, un joven Phil Collins y un amigo disfrutaban de un día de playa. Los muchachos se divertían nadando pero el amigo del pequeño Phil comenzó a ahogarse. Phil Collins corrió a solicitar auxilio a un hombre que estaba presenciando cómo el pequeño se estaba hundiendo en el agua, pero este desalmado le negó la ayuda y dejó que el chico muriera ahogado. Años más tarde, Phil Collins contrató a un detective para localizar a este cruel ser y cuando dio con él, le envió una entrada de primera fila para que asistiera a su concierto y poder cantarle la canción que le había "dedicado".
Escalofriante, ¿verdad? Pues ésta es solo una de las múltiples interpretaciones que se le dieron a 'In the air tonight', la canción que abría "Face value" (1981), el primer álbum en solitario del batería de Genesis. Existen infinidad de hipótesis sobre el acontecimiento en el que Collins se inspiró para componer uno de sus temas más conocidos. Cada versión es más dramática pero todas tienen el mismo hilo conductor. La versión habitual es la que dice que un amigo de Phil Collins o un pariente se ahoga en el agua; esto puede suceder tanto en una playa como en un río o después de caer desde un acantilado. Entonces el cantante, que no puede salvarlo, solicita ayuda a una persona cercana que ve cómo se ahoga pero que no hace nada por echarle una mano. Después de todo esto es cuando Collins trama su venganza contra este individuo invitándole al concierto y le canta la canción para que se sienta culpable. Aquí el desenlace también varía. El final más habitual y trágico es que este hombre, corroído por su mala conciencia, acaba colgándose de una soga; pero existen otros finales alternativos: la gente le humilla después de conocer la historia, pierde su trabajo, su mujer le abandona o le detiene la policía.
Por si esta teoría del que negó su ayuda a otro que se ahogaba no es suficiente, existe otra aún más macabra. El hombre que asistió al concierto gratis y en primera fila era en realidad un violador, y no un violador cualquiera sino el hombre que había violado a la mujer de Phil Collins. A esta historia se le puede añadir el final de los anteriores que se desee: humillación, despido, arresto, divorcio o suicidio.
Pero todavía se le puede dar una vuelta más a este relato. El cantante y batería escribió la canción después de una combinación de las dos historias. Phil Collins presenció cómo un hombre violaba a su mujer y tiempo después vio a este hombre a punto de ahogarse pero le reconoció y no hizo nada al respecto para salvarle la vida. En esta interpretación de los hechos, Collins no le invitaría al concierto sino que le daría el pasaporte directo para ir al más allá.
Por supuesto, ninguno de los acontecimientos narrados sucedieron de verdad, todos son el resultado del boca a oído, y la única situación de ahogo que inspiró a Phil Collins para la composición de 'In the air tonight' fue el resentimiento y la frustración tras el fin de su matrimonio con su primera mujer, Andrea Bertorelli. Pero, aún así, ni el propio autor tiene claro sobre qué trata el tema: "No sé de qué va esta canción. Cuando la compuse estaba pasando por un divorcio. Y lo único que puedo decir sobre ella es que surgió de la ira. Es la parte colérica o la parte amarga de una separación". Ante las interpretaciones que el público encontró en la letra, no le quedó más remedio que reírse: "Lo que lo hace aún más cómico es oír estas historias que empezaron hace muchos años, sobre todo en Estados Unidos, cuando alguien se me acerca y me dice: '¿De verdad viste a alguien ahogarse?'. Yo decía: 'No, es mentira'. Y cada vez que vuelvo a Estados Unidos, esto parece el teléfono escacharrado y la historia es cada vez más elaborada".
Una de las personas que también jugaría a este teléfono escacharrado fue Eminem, que en su tema sobre un fan obsesionado, 'Stan', e incluido en el álbum "The Marshall Mathers LP" (2000), hacía referencia a esta leyenda urbana: "¿Conoces esa canción de Phil Collins, 'In the air tonight' / sobre un tío que podía haber salvado a otro tío de ahogarse pero no lo hizo / y que Phil lo vio todo y le encontró en su concierto? / Las cosas son así, podrías haberme rescatado cuando me ahogaba".
Así que al final nadie resultó ahogado ni Phil Collins se tomó su tiempo para ofrecer su venganza en directo. Si 'In the air tonight' sirve para algo es para darse cuenta de que no hay que tomarse las canciones al pie de la letra. Y de que el público muchas veces es más imaginativo que el propio autor.
Fuente:La cara oculta del Rock.
https://www.youtube.com/watch?v=tKeHGxJS0hg (https://www.youtube.com/watch?v=tKeHGxJS0hg)
"John Sinclair" es una canción del músico británico John Lennon, que fue publicada un 12 de Junio del año 1972 en el polémico disco Some Time in New York City. Este trabajo musical, que era el tercero de caracter formal del ex-Beatle, es considerado por la prensa como uno de sus discos mas políticos y controversiales de toda su carrera musical. Es que cada pieza musical tenía una historia detrás que iba ligada con la protesta ante la sociedad moderna que estaba sumergida en la ignoracia, el odio y las guerras. Además STINYC era un disco doble, donde el segundo disco traía un par de canciones interpretadas en vivo en un recordado concierto de la UNICEF hecho en Londres un 15 de Diciembre de 1969 en el Lyceum Ballroom y que marcó el inicio de la carrera solista de este músico tras la capida de The Beatles. Y en su lado B, aparece un registro histórico para cualquier amante del rock: Una Jam Session junto al maestro Frank Zappa y su banda The Mothers of Invention,efectuada un 12 de Junio del año 1971.Pero la mejor muestra de que este disco no era un simple puñado de canciones para ser consideradas hits desechables estaba en el tema "John Sinclair", que era un discurso musical en apoyo a la liberación de ese mítico poeta y activista político oriundo de Detroit que había sido condenado en el año 1969 a 10 años de cárcel por microtráfico de Marihuana, tras ser pillado con las manos en la masa una noche en que le regaló dos porros a dos bellas damas que en realidad eran agentes de la policia encubiertos.Sinclair, que además era uno de los fundadores de un grupo radical marxista autodenominados Panteras Blancas (White Panthers), también tenía su gusto por la música y en especial del rock and roll. Esto se vió reflejado cuando se las dió de manager de la banda MC5 entre 1965 y 1969, dejando a la banda como la bandera cultural de su movimiento politico e ideológico, ya que como en más de alguna vez pronunció: El rock era la música de la revolución.Pero su detención nunca fue olvidada, y con el paso de los meses fueron muchos los activistas políticos que reunieron firmas y promocionaron el abuso de poder que caía sobre el poeta. Incluso, los Panteras Blancas declaraban que había todo un lío político detrás de este caso, ya que por sólo dos porros no podía recaer tanta injusticia en un pueblo donde, al parecer, la libertad simplemente era una estatua.Fueron muchos los esfuerzos que se hicieron para sacar a los medios la injusticia que vivía Sinclair. Entre las celebridades que apoyaban esta causa se encontraban el tambipén poeta Allen Ginsberg,la actriz Jane Fonda,y los activistas Jerry Rubin y Abbie Hoffman. Este último, fue quien se mandó flor de "numerito" en plena actuación de la banda The Who en el emblemático escenario del Festival de Woodstock en 1969. En esa ocasión, y sin estar preparado por la producción del evento, Hoffman se paró en el escenario mientras los Who afinaban sus instrumentos, pescó el microfono y gritó a viva voz:''¡Creo que esto es una mierda! Mientras que John Sinclair se pudre en prisión...'' Pete Townshend, que no andaba de buen genio, increpó al activista para que se bajara del escenario e incluso, cuentan las malas lenguas, que intentó atacarlo con la guitarra por intentar politizar el show de su banda en tal mítico recinto.Tras ese fallido, pero comentando episodio, a mediados del año 1971 los amigos de Sinclair, sumados a los activistas de las Panteras Blancas, decidieron echar a andar un concierto a beneficio en Ann Arbor, con el fin de recaudar fondos para la familia del poeta y además transmitir el mensaje de las injusticias sociales. Uno de los promotores del evento fue Jerry Rubin, quien era amigo de John Lennon, y además fue quien lo invitó a participar de dicho evento. Las negociaciones con Yoko y John no fueron tan fáciles, ya que la pareja se encontraba en Nueva York dándole duro a la música y además pasaba por momentos muy marcados por la adicción a las drogas. Pero con el fin de que todo resulte positivo y puedan contar con el ex-Beatle en el escenario, Rubin decidió viajar al departamento de los Lennon con el director de evento, el señor Peter Andrews y Leni Sinclair, esposa del poeta, quien fue la encargada de contarle la historia de vida de su esposo al músico inglés.Tras escuchar la historia del condenado, Lennon admitió sentirse identificado con Sinclair, ya que él también fue victima de la corrupta policía que lo detuvo por posesión de marihuana en octubre del año 1968. Una vez que llegaron a buen puerto las negociaciones, Lennon les dejó muy en claro que ba a escribir una canción sobre la historia de este personaje, y que no tendrían problemas de utilizarla como himno de la campaña de liberación de este jóven oriundo de Detroit. "Ellos querían una canción sobre John Sinclair. Así que la escribí casi de manera artesanal. Siempre que alguien me pedía algo yo lo hacía. Soy capaz de escribir cualquier cosa y ponerle música, sea lo que sea. Pero jamás me gustó esa idea ni ese tipo de trabajo. Me gusta más las canciones que vienen de la inspiración. Nunca más volvería a escribir una canción como esa"mencionaría John en una entrevista que data del año 1980.Dos días antes del concierto, específicamente un 8 de Diciembre del año 1971 (miren la fecha!!), los encargados del evento llamaron a una conferencia de prensa para señalar que el evento llevaría por nombre The John Sinclair Freedom Rally, y que tendría como invitado a John Lennon. Fue en esa ocasión que aparecieron en la sala John y Yoko, quienes dieron sus impresiones sobre el evento y la causa judicial y además indicaron que tenían todas las ganas de comparecer en el juzgado en ayuda a Sinclair. Además de Lennon (que era el plato fuerte de este evento), estaban invitados artistas como Stevie Wonder, Bob Seger, Archie Shepp, Phil Ochs y la banda Commander Codyentre otros. Además se daría un espacio para una "performance" a cargo del poeta Allen Ginsberg.Tras esa conferencia de prensa y en cuestión de horas,el evento tenia vendidas 15 mil entradas...
El Viernes 10 de Diciembre a las 7 de la tarde en punto se llevó a cabo el tan esperado evento, en la Universidad de Michigan, que contó incluso con un breve discurso de agradecimiento en voz de John Sinclair desde la carcel por medio de una linea telefónica pirata.Recién a las 3 de la madrugada, aparecieron en escena John y Yoko para interpretar un puñado de canciones, entre las cuales estaba la mencionada '' John Sinclair'',que antes de ser interpretada, su autor le dedicó unas palabras a la multitud allí presente: "Vinimos aquí no sólo para ayudar a John sino que para poner en la mesa todo lo que está pasando y decirle a ellos que la apatía no existe y que podemos hacer algo ".Cabe señalar que en ese concierto los Lennon estuvieron acompañados por Eddie Mottau, Tom Doyle y Chris Osborne en guitarras acústicas, David Peel en bajo artesanal, Jerry Rubin, Frank Lanci y Billy Minelli en la percusión, y Leslie Bacon en los coros.Pero también era hora de mencionar una buena nueva que había ocurrido horas antes del concierto. Resulta que en una (rara) sesión flash, los legisladores del estado de Michigan anunciaron cambios radicales en las leyes sobre posesión de Marihuana, disminuyendo los cargos y las penas carcelarias. Eso ya era una buena señal...Pero la mejor noticia vino el 13 de Diciembre, cuando tras el pago de una fianza, Sinclair fue liberado de la prisión estatal de Jackson, lo cuál fue celebrado como un triunfo para los amigos de este poeta y activista, quien tras pasar unas horas con sus seres queridos lo primero que hizo fue llamar a John y Yoko para agradecerles de manera personal el apoyo a esta campaña. En esos días, Lennon y Ono se encontraban trabajando en los Record Plant East Studios el repertorio de su nuevo disco, donde iría incluida la canción.El 16 de Diciembre de ese año, y como un homenaje a este personaje, Lennon decidió interpretar esta canción en el David Frost Show con el fin de promocionar su nuevo trabajo musical que estaba preparando aún pero que ya tenía título en esos días: Some Time in New York City .
Fuente:Revista Rolling Stones.
https://www.youtube.com/watch?v=blUSVALW_Z4
«Guantanamera» es una conocida canción popular cubana. La letra más conocida, adaptada por Julián Orbón, está basada en las primeras estrofas de los «Versos sencillos», del poeta cubano José Martí. La composición musical se atribuye oficialmente a José Fernández Díaz, más conocido como Joseíto. La canción ha sido adaptada y grabada en muchas versiones.
Existe controversia acerca de quién es el autor de la tonadilla de la «Guantanamera», habiendo diferentes teorías:
Joseíto Fernández y «El suceso del día»
Joseíto Fernández nos dice que «su biografía es la Guantanamera». Según dijo a Santiago Moreaux Jardines e Iraida Sánchez Oliva cuando éstos se documentaban para su libro La guantanamera, antes de «El suceso del día» y la CMQ Joseíto ya había cantado esta Guajira-son: «...unas veces era guajira guantanamera; otras, guajira vueltabajera, guajira holguinera o guajira camagüeyana; pero no la canté nunca como guajira santiaguera», más adelante trabajó en una estación de radio en la que también trabajaba una mujer de Guantánamo que estaba enamorada de él. Esta mujer de vez en cuando le llevaba algo de comer y se quedaba hablando con él, pero un día le sorprendió haciendo un pase a otra mujer, y enfurecida, le arrebató el bocadillo que le había llevado; entonces él agarró el micrófono y le cantó el estribillo de la «Guantanamera».
Sin embargo. Joseíto contó diferentes versiones del origen de la canción en diversas ocasiones. Por ejemplo, el 30 de noviembre de 1979, en la sección de correspondencia de la revista Bohemia un periodista cita a Joseíto diciendo: «Y un día, a Facundo Rivero, nuestro pianista, se le ocurrió que al terminar el programa que radiábamos por la CMCO (...) lo hiciéramos con una guajira. (...) Entonces compuse la Guajira Guantanamera. Y el éxito nos sorprendió a todos. (...) Esto ocurría allá por el año 1934».
Lo que sí es seguro es que trabajando ya en la CMQ, Joseíto comenzó a interpretar la canción en el programa «El suceso del día». Dada la estructura de la canción: A-B-A-B (o A-B-B-A), en versos octosílabos, la «Guantanamera» se prestaba a las improvisaciones, (como ocurría con otras canciones como «La Bamba» mexicana). Fernández empleaba la canción para comentar las noticias del día en el programa, y también para cerrar el programa. Según él mismo afirmó «lo mismo felicitábamos a una muchacha de Villa Clara, que pedíamos clemencia para un trabajador cesante». De esta forma, la «Guantanamera» rápidamente se convirtió en un medio para hacer comentarios amorosos, patrióticos, irónicos o sociales, y más importante, se convirtió en un éxito a nivel nacional.
Origen en Guantánamo
Sin embargo, según nos dice Karina Rodríguez en su artículo «La guantanamera: historia ¿conclusa?», la canción surgió en Guantánamo un sábado de julio de 1929, durante el cual un grupo de amigos se encontraba trabajando, mientras cantaban. Entre ellos se encontraba Herminio García Wilson, panadero de profesión, al que apodaban "El Diablo". El grupo de amigos vio pasar a una mujer hermosa y la piropearon, según dijo el propio Wilson, de forma completamente cortés. Pero ésta respondió ofendida, por lo que uno de ellos exclamó «¡Eh, qué se habrá figurado la guajira guantanamera esta!». Wilson buscó una música para acompañar la exclamación de su amigo, y la tocó esa misma noche durante una fiesta en casa de Silverio Bosch Dubois.
La canción, con su ritmo pegadizo, prendió, y comenzó a emplearse en los festejos y en las calles, siendo la letra adaptada en cada ocasión por el cantante, siendo respetado únicamente el estribillo. Dice Rodríguez que por entonces la gente solía advertirse: «Cuidado, que te van a cantar La guantanamera», pues la tonadilla se prestaba a la ironía, la protesta, «los líos de faldas y la crónica roja».
Rodríguez se apoya en las declaraciones de Héctor Tati Borges, historiador de Guantánamo, el cual aseguró que la canción ya había ganado fama en una radio local de la vecina Santiago, Radio CMKW, en una interpretación de Miguel Ángel González, «El guajirito del Edén», durante «El programa de las peticiones» de dicha cadena.
Otra declaración que parece avalar esta versión es la de Alejo Carpentier, en su libro, La música en Cuba, (México, 1946):
...hace poco una estación de radio de La Habana obtuvo un gran éxito de popularidad con una canción de buen corte campesino, titulada «La guantanamera», que había sido traída a la capital por auténticos cantadores orientales.
Alejo Carpentier, La música en Cuba, 1946
Pete Seeger y la internacionalización
La versión más ampliamente conocida de esa canción es la que adapta los primeros versos de los «Versos sencillos» del poeta cubano José Martí, los cuales fueron adaptados por Julián Orbón. Según el periodista López Nussa, en la revista Bohemia del 30 de diciembre de 1983, Pete Seeger, el cantante de folk, visitó un campamento de verano para niños en 1962, donde éstos le pidieron que tocara una canción que había traído uno de sus instructores. Se trataba de Héctor Angulo, el cual había estudiado con Orbón y conocía la versión con los versos de Martí. Seeger y Angulo quedaron reflejados como coautores de la canción, y Seeger, la popularizó en más de 35 países. Joseíto, quien había inscrito la «Guantanamera» en 1944, reclamó los derechos de autor y Seeger viajó a La Habana en 1971, llegando a un acuerdo. Según este relato, Joseíto hizo famosa la canción y el estribillo en el programa de radio, Julián Orbón le ajustó los «Versos sencillos», y su estudiante, la llevó a Nueva York, donde Seeger la internacionalizó.
Origen comunitario de la «Guantanamera»
Según el investigador musical Natalio Galán, la música de la «Guantanamera» encuentra sus raíces en el pasacallo que a su vez es una modificación del pasacalle español de 1730. Por lo cual, según Galán la «Guantanamera» es una modificación del Son Oriental, específica de la zona de Guantánamo, y la técnica utilizada (con sus modificaciones) provenía de España. La otra influencia importante en la canción es la montuna, y la fusión de estos dos estilos resulta en la guajira Guantanamera:
...la Montuna abandona el municipio de Guantánamo y los habaneros la descubren por 1927 —entre son y son que bailaban, pues sus vidas parecen haber seguido un fluir paralelo— llamándola guajira guantanamera, marcando con ello su cuna y fijándose la tonada que la caracteriza desde 1930.
Natalio Galán
Según esto, según María Argelia Vizcaíno, todo parece apuntar a que la tonada de la «Guantanamera» no es del siglo XX, ni se puede decir que Joseíto Fernández, u Orbón, ni ninguno de los mencionados fueran legítimamente autores, sino tan solo promotores e impulsores.
Letras
Aunque la letra más conocida internacionalmente es aquella que adapta las primeras estrofas de los «Versos sencillos» de José Martí, el propio carácter popular de la canción ha propiciado diversas variaciones.1tor de Cantares a Guantánamo, seis décimas cantadas y grabadas por Joseíto Fernández que constituyen la única «Guantanamera» con texto expresamente referido a la región más oriental de Cuba.
LA ERA ESTA PARIENDO UN CORAZON
Esta canción define de forma brillante el Internacionalismo.Una de las tantas canciones que Silvio dedico al ''El Che''. El internacionalismo es un movimiento política en el que Cuba, después del triunfo revolucionario, decidió que su causa no debía limitarse a su libertad sino a la de todos los pueblos oprimidos. El propio Silvio participó viajando a Angola con el ejército. En esta canción, Silvio describe el significado del internacionalismo.
Le he preguntado a mi sombra
A ver como ando para reírme,
Mientras el llanto, con voz de templo,
Rompe en la sala
Regando el tiempo.
Mi sombra dice que reírse
Es ver los llantos como mi llanto,
Y me he callado, desesperado
Y escucho entonces:
La tierra llora.
En estas dos primeras estrofas Silvio se pregunta como se puede vivir sabiendo que hay personas que sufren. ¿Cómo puedo reír si hay gente que sufre? La respuesta que consigue es el Internacionalismo. Podrás reír cuando veas los llantos de los demás como el tuyo. Entonces se da cuenta de que en todo el planeta se está pasando mal.
La era está pariendo un corazón,
No puede más, se muere de dolor
Y hay que acudir corriendo
Pues se cae el porvenir
En cualquier selva del mundo,
En cualquier calle.
La era está pariendo un corazón. La época que está viviendo Silvio está dando a luz un movimiento de solidaridad entre pueblos. Un corazón que se preocupa por el bien de todo el mundo. Pero esto conlleva dolor. Pero hay que acudir, hay que ir a cualquier sitio del mundo para defender la causa.
Debo dejar la casa y el sillón,
La madre vive hasta que muere el sol,
Y hay que quemar el cielo si es preciso
Por vivir,
Por cualquier hombre del mundo,
Por cualquier casa.
El final empuja al movimiento. A no quedarse sentado y a luchar. Luchar por la vida de cualquier persona. Aunque se tengan que hacer cualquier cosa por conseguirlo.
Fuente.Wikipedia.
https://www.youtube.com/watch?v=i79R72oRWog
https://www.youtube.com/watch?v=6YMFycOllMw
Es una canción que Javier le ha dedicado a su padre.
Según Javier: lo que pasó es que mi viejo, en ese momento tenía 90 años y sufrió un ACV (accidente cerebrovascular), que lo dejó postrado a un nivel que no puede ni hablar, no se mueve nada, pero en realidad, yo pensé que iba a ser peor. Y bueno, justo se dio que yo estaba componiendo las canciones para grabar ese disco y tenía un poema que se llamaba "Este minuto", que increíblemente las estrofas tenían mucho que ver con mi papá. Y musicalicé el poema y le hice un estribillo luminoso: "este es el tiempo y es el lugar, nada puede ser mejor...". Bueno, qué extraño cómo reaccionamos ante las cosas, nosotros nos ponemos profundamente tristes ante la perspectiva de la muerte, a veces desesperados, a veces aterrorizados, bueno, en ese momento me pintó hacer exactamente lo contrario, pensé que mi viejo se moría y cante algo que era lo más luminoso que hubiese cantado jamás. Y no se murió mi papá, está ahí, ahora que estoy hablando con vos él está acá, justo en la habitación de al lado.
La muerte es la única cosa irremediable, a veces pensamos mucho, demasiado sobre el tema, yo sé que no es sensato darle demasiadas vueltas al tema de la muerte, no hay que obsesionarse mucho con eso porque así se nos va la vida. Yo le empecé a dar vueltas al tema hasta que le encontré la salida luminosa y entiendo que en ese sentido le gané a la muerte. También fue coincidente con varias cosas, que tienen que ver circunstancialmente con mi vida actual, que no necesariamente están vinculadas a esto, yo hace 17 años que trabajo con una comunidad Qom (toba) de Chaco, que es una de las más castigadas de este país, en la región de Pampa del Indio, y creo que esto tuvo mucho que ver con el mensaje que quise transmitir. Y justo con el tango, asociado a algo «cortavenas», sufrido. Pero para mí no es así ni debe ser así, y asocié el tango a algo esperanzador, luminoso, como es vincularse con una comunidad aborigen y ayudarlos a cambiar su futuro.
Un grande Javier Calamaro. :oki:
https://www.youtube.com/watch?v=pDIFbWm-KGg
Otra gran canción, muy triste pero no es una historia real sino que su autor es el rosarino Jorge Fandermole y quiso reflejar sobre la perdida de un hijo . Todos creen que la canción es de Baglietto pero no señores de Jorge autor de una hermosisima canción como Oracion del remanso.
Según le contaba a Paz Martinez la otra vez en una charla, él deseaba escribir una canción triste e interpretarla y nació ''Era en Abril'' muchas fundaciones que se dedican a padres que han sufrido por la perdida de su hijo se identifican mucho con esta canción y creo que Jorge supo interpretar el sentimiento de un padre que pierde a su hijo en dicha canción.
http://www.eraenabril.org/2011/04/visita-a-jorge-fandermole-autor-de-la-cancion-era-en-abril/
https://www.youtube.com/watch?v=ZPmn1s61J9s (https://www.youtube.com/watch?v=ZPmn1s61J9s)
Una de las canciones más destacadas del rock nacional surgió de un romance juvenil. Luis Alberto Spinetta conoció a la bellísima Cristina Bustamante cuando los dos eran adolescentes y el amor entre ellos fue casi inmediato.
"Mi primer gran amor. Ella vivía en el mismo edificio de Emilio (Del Guercio) y por eso lo conocía de vista. A veces se juntaban los fines de semana a charlar en la puerta, pero sin pasar a ser más que conocidos. Pero una vez nos quedamos solos en la casa de Emilio, porque sus padres habían viajado, y entonces invitamos a las chicas a tomar algo, a bailar, una especie de asalto. Y ahí, por primera vez, me sentí enamorado. En realidad ya me había enamorado varias veces pero siempre habían sido amores imposibles de realizar por diferencia de edad, no sé, me enamoraba de las maestras, de las pibas más grandes y después no pasaba nada, obviamente. Yo era un inepto absoluto en ese momento. Y bueno, todos esos pequeños amores desembocaron en un gran amor que fue el de esta muchacha ojos de papel, que fue un amor correspondido. Porque también ella me quiso mucho. Fue mi primer amor, mi primer gran amor, inolvidable amor. Y me inspiró una canción", contó el músico en una entrevista radial.
Bustamante, que era la hija del portero del edificio de Belgrano donde vivía la familia Del Guercio, se juntaba con los músicos de la incipiente banda Almendra y llegó incluso a escribir las letras de una canción titulada Chocolate, que el grupo no llegó nunca a editar. Tras la muerte de Spinetta, en 2012, la Muchacha de la canción reveló que también le había sugerido al Flaco una modificación en el tema del que era destinataria. "En realidad yo hice un solo cambio; en el original Luis había puesto 'senos de miel', y yo le dije que eso parecía un catálogo de corpiños... Estuvimos de acuerdo en que 'pechos' quedaba mejor", reveló en una nota.
Almendra estrenó Muchacha ojos de papel antes de que fuera editada en un show muy especial. Fue el 22 de junio de 1969, durante un ciclo de conciertos que el sello Mandioca organizaba los domingos por la mañana en el Teatro Coliseo. Ese día, Spinetta y Bustamante habían tenido una pelea, lo que le sumó cierto dramatismo a la presentación.
"Cuando la estrenamos (...) fue tan rotundo el éxito de la canción que yo mismo lloraba, no lo podía creer. Aparte, el día que la estrené, por motivo de una rencilla que habíamos tenido, en la mitad de la canción ella se retiró. Yo cantaba la canción y la veía que se iba por el pasillo hacia el fondo. Ese tipo de cosas bien de pubertad, de 18 años. Amor", contó el músico.
La repercusión del tema fue enorme y en enero de 1970 quedó editado en Almendra I, el primer disco de la banda y uno de los fundacionales del rock argentino. Sin permiso de Spinetta, la discográfica decidió ceder la canción para el aviso publicitario de una empresa de telas, lo que ayudó para que la composición y la banda alcanzaran una gran popularidad.
Por su particular estilo poético, Muchacha... llamó la atención y llegó a tener, hasta el día de hoy, interpretaciones psicológicas y filosóficas de lo más variadas sobre algunas de sus memorables líneas como "cuando todo duerma te robaré un color". El propio Spinetta, muchos años después, elaboró su propia explicación en el artículo Desintegración abstracta de la defoliación publicado por Clarín donde desgranó frase por frase lo que había querido decir. Esto suscitó una polémica porque el diario cortó el texto que el músico había enviado. "¿Una niña con los ojos de papel adónde puede ir? La blindación ejerce la aflicción en quien no tiene ojos reales para una fundamental orientación. Allí, el relator ingresa sugerido por aquel quien, una vez instalada la dificultad, oficia de obvio guía. Quedarse hasta el alba, que sólo el guía ve, representa a las claras una orden impartida (que subyace en cualquier pedido) y refleja la prosecución de una finalidad de parte del que pide", explicó entre muchas cosas el músico en ese recordado artículo que años después fue publicado completo en la revista La Mano.
Aquel amor tan intenso como el que tuvieron el Flaco y Bustamante quedó plasmado en otras composiciones del músico. En Para ir, una canción del segundo disco de Almendra, le canta "quiero que sepan hoy qué color es el que robé cuando dormías", en referencia a las célebres líneas de Muchacha. Cuando el romance entre ambos finalmente se terminó, le dedicó Blues de Cris. Pero además, el célebre Todas las hojas son del viento, de Pescado Rabioso, también tiene a Cristina como inspiradora. "Mi antigua mujer iba a tener un hijo con otra persona. Yo ya había sellado esa relación para siempre con el Blues de Cris pero nos seguíamos viendo y ella me contó que tenía dudas de tener el bebé o no. Finalmente decidió tenerlo. Yo escribí Todas las hojas son del viento porque en ese momento ella era como una hoja en el viento al tener que decidir algo semejante", reveló el artista.
Extractos de "Quién es la chica. Las musas detrás de las grandes canciones del rock nacional" Un libro de Agustina Larrea y Tomás Balmaceda - Edita Reservoir Books / Literatura Random House
https://www.youtube.com/watch?v=zPxlLzbFpMg (https://www.youtube.com/watch?v=zPxlLzbFpMg)
Un clásico de ''Los Pericos'' cuya letra trata sobre un momento duro del Bahiano en un momento de su vida familiar y lo expreso de esta manera con sus propias palabras...''Estaba terminando las letras en el medio de una situación de mierda, porque las cosas estaban muy mal con mi mujer, y mi hija Candela era bebé todavía. Yo llamaba a mi casa todo el tiempo y nadie me atendía, ¡me sentía completamente de lado!''
— Bahiano, sobre "Pupilas Lejanas"
Después ha explotado en los medios televisivos y gráficos el año pasado, donde esta historia contada por ambos protagonistas difiere uno del otro. Diríamos historias de la vida misma que sucede a diario en todo el mundo.
https://www.youtube.com/watch?v=5_r0ic94uqg
Yesterday- The Beatles
Análisis de la letra:
Yesterday es el tema solista de Paul McCartney más popular. Si hay quien todavía no conoce este tema en su totalidad, al menos puede sentirse identificado ya que todos, sin excepciones, hemos vivido un terrible "Yesterday". Este tema musical ha sido muy aclamado a nivel mundial y posee una reputación lírica y melódica de excelencia es por eso que les traigo el análisis de esta canción de The Beatles.
Es también la primera composición del grupo que uno solo de sus integrantes la interpreta. Relata una aventura amorosa que por algún motivo no funcionó dejando al cantante reflexionando sobre el ayer. Esta canción simboliza el sufrimiento que se siente tras ser abandonado por la pareja.
Yesterday marca el adiós definitivo, quien la canta se encuentra en un estado de confusión y negación, tiene el deseo de volver al pasado y revivir con quien ama los momentos ya perdidos. Aunque habla acerca del "día anterior", ese "ayer" es una alusión literal pues surge en el tiempo perdido, un pasado que jamás sabremos cuando realmente ocurrió.
Análisis de la música:
McCartney interpreta la canción con una tristeza profunda ante el evento ocurrido acompañado de una guitarra eléctrica. El registro de voz tiene poco alcance; consigue que el dolor parezca tanto que no quedan muchas fuerzas para dar intensidad al cantar. La canción podría considerarse más como un monólogo que una conversación, en la que el autor le confiesa la pena que siente a alguien más.
Yesterday es una canción corta y simple que incorpora un cuarteto de cuerdas y transmite la sensación de tristeza y de escalofríos. También hay violines que hacen a la melodía más melancólica; el violonchelo también cumple también una función importante para transmitir estos sentimientos. Para mí, Yesterday es una canción totalmente bella desde la lírica hasta la música.
Análisis del contexto histórico:
Paul afirma que Yesterday brotó en su mente a partir de un sueño que tuvo en Londres cuando vivía en el departamento de su novia, Jane Asher. Esa noche, se despertó con la melodía sonando en su cerebro. Se levantó de la cama, corrió al piano, encendió la grabadora y tarareó la tonada para no olvidarla, evitando así que se le escapara junto con el sueño. En la mañana escucho la melodía y le gustó. Durante el mes siguiente consultó con editores musicales y expertos preguntándoles si no sabían de quién era esa tonada, o si la habían escuchado antes. Nadie supo darle pista alguna. Así, al no encontrar algo que lo convenciera de lo contrario, decidió considerarla como propia.
Hay quienes dicen haber encontrado importantes similitudes entre Yesterday y canciones como Answer Me de Nat King Cole o Georgia On My Mind de Ray Charles. Eso ha llevado a la idea de que Paul experimentó el fenómeno llamado "imitación creativa inconsciente", esto ocurre cuando el artista toma elementos de una obra ajena y hace con ellos una creación muy parecida, pero sin la intención de cometer plagio. También existe un estudio del mexicano Jorge Seymour Perkins que demuestra que el tema de McCartney posee una evidente relación con el tema Bésame Mucho de la compositora mexicana Consuelo Velázquez específicamente en su estructura.
El tema fue grabado en los estudios de grabación de EMI el 14 de junio de 1965. Hay muchas versiones sobre la grabación de esta canción; la más famosa afirma que McCartney grabó el tema de forma individual, sin la participación de los demás miembros de la banda. Sin embargo, fuentes no oficiales aseguran que en un principio el cuarteto probó una gran variedad de instrumentos, incluyendo la batería y un órgano. Finalmente McCartney fue el único en tocar la guitarra acústica, y posteriormente se incluyó un acompañamiento de cuerdas. Ninguno de los otros integrantes del grupo fue incluido en la grabación final. Sin embargo, este tema fue siempre tocado con los demás miembros de la banda en sus conciertos.
Aparentemente simple, McCartney sólo toca una guitarra acústica y lo acompaña un cuarteto de cuerdas. McCartney grabó el mismo día dos veces la canción. La segunda grabación se consideró la mejor y fue utilizada para la masterización final. Un acompañamiento de cuerdas se añadió a ésta última grabación que fue la que se publicó. La primera grabación, que no contiene ninguna mezcla, más tarde fue lanzada en el álbum recopilatorio Anthology 2. La segunda grabación incorporó dos líneas más que la primera.
Yesterday es una canción compuesta por Paul McCartney, publicada para el álbum Help! Según el Libro de Record Guinness, éste es el tema más transmitido en la radio en todo el mundo, con más de seis millones de emisiones en los Estados Unidos. Yesterday es además la canción con mayor número de versiones en la historia de la música popular con un total de 2600 interpretaciones distintas. La Broadcast Music Incorporated (BMI) asegura que en el siglo XX, esta canción fue interpretada más de 7 millones de veces.
En una entrevista realizada en el 2013 antes de la aparición de su ultimo cd '' New'' Paul decía esto sobre ''Yesterday''.
McCartney declaró que la inspiración detrás de la legendaria canción surgió de la melancolía por su madre, aunque, según aseguró, no se había dado cuenta en el momento reconoció en un diálogo con la revista Mojo.
"Con Yesterday, cuando la canto actualmente, pienso sin darme cuenta que estaba cantando sobre mi madre", admitió McCartney. "Porque ahora que lo pienso, el verso Why she had to go, i don't know, she wouldn't say, i said something wrong sería la delicia de un psiquiatra...", bromeó el músico.
La canción, considerada como una de las mejores de la banda, fue originalmente grabada para el álbum Help!. Desde entonces fue tocada al menos 7 millones de veces en el siglo 20, tiene alrededor de 2,200 covers y forma parte del Salón de la Fama del Grammy.
McCartney enfrentó momentos difíciles en su vida, como la muerte de su amigo y compañero, John Lennon, y la pérdida de su esposa Linda: "Creo que mi personalidad robusta me ayudó a salir adelante", reconoció. "Todo se resume a mi crianza con mi familia en Liverpool, la cual me enseñó que no importa lo difícil que estén las cosas, hay que salir adelante y tratar de pasarla bien", concluyó.
Fuentes:Rolling Stone Revista, Alfonso Ortega, TN,Revista Mojo.
https://www.youtube.com/watch?v=7duPNQCp-w4
The Air that I breath
"The Air That I Breathe" fue escrita por Hammond para una mujer muy especial, pero a la vez anónima. Estaba dedicada a una mujer que ayudó mucho a Albert en su estadía en Los Angeles, cuando este llegó con lo puesto y con una maleta llena de sueños y nuevos acordes.
Sobre este tema, recién en el año 1992 y en una entrevista con la BBC, el músico se dió el tiempo de hablar sobre esta canción. En esa ocasión mencionó: "Cuando escuchan la canción, muchos creen que las palabras van dedicadas a la mujer mas hermosa del mundo, pero no es así. Esta canción fue escrita para alguien común y corriente, quizás no tan bella fisicamente pero realmente hermosa en su espíritu. Esa mujer era cálida y amable y siempre la recordaré ... Esa persona me ayudó mucho e incluso me dió refugio a mi llegada a Los Angeles, cuando yo no tenía ningún lugar donde alojar" señaló el músico.
Además agrega: "Un día me senté al lado de Mike Hazlewood, y le conté todo lo que había vivido en esta ciudad y cuanto me hab´pia ayudado esa mujer. Fue en ese entonces cuando Mike dijo la frase "es el aire que respiramos", la cuál esta asociada a que en Los Angeles había mucho smog. Asi fue como nació esta canción, entre una historia de amor y una frase ligada a la ecología. Sea como sea, funcionó".
Pero volvamos a lo musical....Meses después de la publicación de Hammond, aparecería una nueva versión de la canción, esta vez en la voz de Phil Everly, el 50% de los famosos Everly Brothers, pero tampoco pudo enganchar con la gente. Al parecer esa "rola" era un caso perdido...
Por ese mítico año 1973, y mientras se dedicaba a su carrera como solista, Allan Clarke decidió poner el freno de mano e ir donde sus Hollies, esa banda que lo catapultó a la fama mundial. De esa manera y tras conversar variados temas, decidieron empezar a trabajar en un nuevo LP de bienvenida... Asi empezaron las grabaciones del espectacular "Hollies", un disco escencial para todo amante del buen rock.
Asi fue como contactaron al ingeniero Alan Parsons, que en ese entonces un personaje dentro de la historia del rock y que tenía en su curriculum el haber trabajado con bandas tan emblemáticas como The Beatles y Pink Floyd.
El primer corte que lanzaron fue otra versión de "The Air That I Breathe", pero esta vez con otra capa musical y con los sonidos típicos de esta agrupación inglesa.
La versión de los Hollies fue muy aplaudida por la crítica, especialmente por el toque de calidad en voz de Clarke y la motivación de los demás músicos.
"The Air That I Breathe", en voz de los Hollies, llegó al segundo lugar del UK Singles charts y se convertiria en su mayor hits dentro de los 70's.
En estados Unidos el single corrió la misma suerte, e incluso tuvo mayor promoción. Su llegada al puesto #6 del Billboard Hot 100 la dejó como una de las canciones mas escuchadas en el verano de 1974.
La fama volvía a los pies de los Hollies y de paso Albert Hammond también disfrutaba de la suya, aunque esta vez cantando en español. Asi fue, y aprovechando la promoción gratuita que le hacían los Hollies, Albert decidió publicar en el año 1976 una versión en español de esta canción, la cuál llevaba por nombre "Necesito poder respirar". Obviamente, fue un hit monumental en tierras de habla hispana...
Fuente: Revista Rolling Stone.
https://www.youtube.com/watch?v=-hGUyebsf60
MEJOR NO HABLAR DE CIERTAS COSAS INTERPRETE: SUMO
Una mujer, una mujer atrás,
una mujer atrás de un vidrio empañado.
pero no, mejor no hablar de ciertas cosas.
no, mejor no hablar de ciertas cosas.
Un tornado, un tornado, un tornado...
un tornado arrasa a mi ciudad y a mi jardín primitivo.
un tornado arras a tu ciudad y a tu jardín primitivo.
pero no, mejor no hablar de ciertas cosas
no, mejor no hablar de ciertas cosas.
Yo, yo, yo, yo...
yo tuve la mejor flor, la mejor de la plata ms dulce
yo tuve la mejor flor, la mejor de la plata ms dulce
pero no, mejor no hablar de ciertas cosas.
no, no, no, mejor no hablar de ciertas cosas.
Saltando, saltando, saltando...
saltando en mi cara a la mexicana, un fugitivo se entrega
saltando en mi cara a la mexicana, un fugitivo se entrega
pero no, mejor no hablar de ciertas cosas.
no, mejor no hablar de ciertas cosas.
La mujer, el vidrio, el tornado, el jardín primitivo,
yo, la flor, saltando, fugitivo,
no, no, no...que no, que no, que no...
La canción, si bien siempre fue interpretada por Sumo, su autor en realidad es el Indio Solari, líder de Los Redonditos de Ricota, otra reconocida banda de Rock en la década de los 80. Se comenta que Luca Prodan, de Sumo, escuchó a Solari tocar ese tema pero con un ritmo mucho más lento que el que nosotros conocemos y le pidió que se lo regalara. Solari nunca llegó a tocar este tema en vivo, ni tampoco llegó a grabarlo, es por eso que no podemos escuchar esta canción en su versión original y tocada por su compositor. Una vez adaptada a su estilo, mucho más rápido,Sumo incluiría esta canción es su álbum "Divididos por la Felicidad" publicado en 1985.Se dice también que en agradecimiento por haberle cedido la canción, Prodan, de nacionalidad italiana, le dio al cantante de Los
Redonditos de Ricota una obra suya, Criminal Mambo, en su lengua madre, el italiano. Solari, habría adaptado este tema al castellano y lo interpretó con su banda.En cuanto al significado de la letra de la canción, si bien parece complejo y difícil de entender, basta con ver en que contexto histórico fue escita, para entenderla con mucha más facilidad.Corrían los primeros años de la década del ochenta y en Argentina,seguía todavía latente la última y más cruel dictadura militar de su historia. A partir de 1976 hasta 1983, fueron años de mucha censura, muchas voces calladas y muchas verdades sin salir a la luz. El estribillo de la canción: "Pero no, Mejor no hablar de ciertas cosas" hace referencia a este silencio obligado, respaldado por terribles y amenazantes frases como "el silencio es salud" , que por tantos años había sido impuesto en el país.
https://www.youtube.com/watch?v=cddQn1mZRfI
Lo siguiente es un extracto de una entrevista con Phil Collins: En las letras, el coro de la canción viene de una improvisación mientras estábamos escribiendo la música. Yo tenía esta idea para la letra y escribí una historia sobre la base de la misma. Por supuesto, la historia se explica por sí misma, es acerca del abuso en un hogar. El padre se comporta como una especie de monstruo con la familia, está abusando del hijo o de la madre. No estoy completamente seguro de a quien, y eso se dejó deliberadamente al azar. Pero es algo que está sucediendo muy a menudo en ciertos hogares, y descubrí que muchas personas que oyeron la canción se sintieron identificados con la misma, como si hubiese sido escrita para ellos. Es extraordinario, simplemente escribes algo que surgió por accidente, pero llega a convertirse en algo que alcanza a mucha gente. (Rockline, 25 de noviembre de 1991)
https://www.youtube.com/watch?v=tzkG6Xu6lUE
No woman no cry.
Vincent Ford
Se trataba de un viejo conocido de Marley. Ford tenía 17 y Bob 13 años. Ford era el cocinero de un colegio,aunque más tarde creó su propia cocina en Trenchtown.
La madre de Bob emigró a USA cuando este era sólo un chiquillo, ante la negativa de Bob a quedarse con su padrastro, se vió obligado a vivir en la calle y comer en comedores sociales o en el restaurante de Vincent.
Bob comió gratis en infinidad de ocasiones en esa cocina, También fue Vincent quien enseñó al pequeño Bob a tocar la guitarra.
Viene firmada a nombre de Vincent Ford, ya que era la única manera de ceder todos los derechos de la canción a su amigo..
Otra Historia de la canción, según cuenta Rita Marley en su biografía,(con el mismo título que la canción) es que la canción la compuso Bob cuando este se enteró de que el cáncer se extendía por su cuerpo, y comenzaba a perder la batalla....fue una manera de consolarla y de echar la vista atrás para decir..mira todo lo que hemos hecho juntos, no llores.
NO LLORES MUJER
Recuerdo cuando solíamos sentarnos
En la plaza de gobierno de trenchtown.
Observando a los hipócritas
Mezclarse con la gente bien que conocemos,
Que buenos amigos hemos tenido,
OH muy buenos amigos hemos perdido en el camino.
En este futuro prometedor no puedes olvidar tu pasado,
Así que seca tus lágrimas.
No llores mujer
No llores mujer
Pequeña, no dejes caer mas lagrimas.
No llores mujer.
Y dije, recuerdo cuando solíamos sentarnos
En la plaza de gobierno de trenchtown.
Georgia encienda la fogata,
Los maderos ardían toda la noche
Cocinamos sopa de maíz
Que comimos juntos.
Solo con los pies me desplazo,
Así debo seguir,
Pero, mientras parto...
Todo estará muy bien.
Todo estará muy bien.
Así que, no llores mujer
No llores mujer.
Pequeña, no dejes caer mas lagrimas.
No llores mujer.
https://www.youtube.com/watch?v=fJ9rUzIMcZQ
El verdadero significado de Bohemian Rhapsody
(http://www.fahrenheitmagazine.com/wp-content/uploads/2015/11/magni.gif)
Bohemian Rhapsody es una canción de la banda británica de rock Queen. Fue escrita por Freddie Mercury para su álbum de 1975 A Night at the Opera.
Cuando se puso a la venta como sencillo, Bohemian Rhapsody se volvió un éxito comercial, permaneciendo en la cima de las listas británicas durante 9 semanas. Alcanzaría el puesto número uno nuevamente en 1991 tras la muerte de Freddie Mercury. En total, generó 2,176,000 ventas, siendo el tercer sencillo más vendido de todos los tiempos.
La canción consta de seis secciones: introducción, balada, solo de guitarra, ópera, rock y coda o final. Este formato, con cambios abruptos de estilo, tonalidad y tempo, es inusual en la música rock. Su compositor, el legendario Freddie Mercury, se negó a explicar su verdadero significado, diciendo que sólo trataba sobre relaciones. Tras el lanzamiento del sencillo, el cantante declaró:
"Es una de esas canciones que tienen un aura de fantasía alrededor. Pienso que la gente debería simplemente escucharla, pensar en ella y luego formar su propia opinión acerca de lo que les dice... 'Bohemian Rhapsody' no salió de la nada. Hice algunas investigaciones porque está pensada para ser un modelo de ópera, ¿por qué no?".
Varios suponen que la canción contiene referencias veladas a los problemas personales del cantante y pianista. En un documental de la BBC sobre el proceso de creación de Bohemian Rhapsody, Roger Taylor comentó que el verdadero significado de la canción es: "claramente de auto-exposición, con sólo unas pequeñas partes sin sentido en el medio".
Sin embargo, cuando la banda lanzó un disco recopilatorio con sus grandes éxitos en Irán, se incluyó un folleto en persa que contenía las traducciones de las letras a este idioma y sus explicaciones. En el caso de Bohemian Rhapsody, se aclaraba que es un diálogo en partes sobre un hombre que mató a alguien y que, como Fausto, vendió su alma al demonio. La noche antes de su ejecución, llama a Dios en árabe, diciendo Bismillah, y con la ayuda de sus ángeles puede recupera finalmente su alma.
A pesar de esto, el misterio alrededor de la canción aún persiste. Entre las teorías más aceptadas sobre la canción se comenta que es el diálogo de un asesino suicida perseguido por demonios o momentos antes de una ejecución. Se comenta también que la canción recibe la influencia de Albert Camus y su novela El Extranjero. Otros piensan que la letra sólo fue compuesta para acompañar la música y no tiene significado.
Sheila Whiteley sugiere que la letra de esta canción refleja la orientación sexual de Mercury, que en ese momento había llegado a un punto de inflexión en su vida personal. Había estado viviendo con Mary Austin durante siete años, pero en aquel año había tenido su primera pareja homosexual. Whiteley prosigue que la frase Mama Mia let me go significa realmente una petición a Mary Austin de dejarlo ir para vivir plenamente su sexualidad
https://www.youtube.com/watch?v=hLQl3WQQoQ0
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Cita de: senpai en 17 de Abril de 2016, 11:06:58 AM
https://www.youtube.com/watch?v=hLQl3WQQoQ0 (https://www.youtube.com/watch?v=hLQl3WQQoQ0)
:P
Si a veces buscas una lista de canciones que te ayuden a desahogarte y a identificarte con tu triste historia de amor, Adele es experta en eso . Esta cantante inglesa de 27 años es de las revelaciones del último tiempo no solo por su música e increíble voz, sino que también por su historia. Adele le escribe al amor y fundamental al desamor. Luego de perder a una de las parejas más importantes de su vida, ella se sentó a escribir y manchó los papeles con toda su pena, rabia e impotencia de no tener cerca a la persona que amaba.El álbum llamado 21, trata sobre su última relación, la que marcó su vida y la que la ayudó a inspirarse para crear sus exitosos y emotivos temas. Adele dijo en alguna oportunidad que no sabe si su ex novio sabe que él fue quien la llevó a escribir todos sus hits, "No tengo ni idea de si él ha escuchado el disco o de si es lo suficiente listo para relacionarlo, para pensar que se trata de él mismo. No estoy diciendo que sea tonto, tan sólo es que no sé si hacia el final de la relación, él sintiera que yo lo había querido tanto como para componer un disco sobre él, pero así fue", dijo.La canción Someone like you,habla de una mujer, que tiempo después de haber terminado una relación, aún no puede olvidar a aquel amor y decide ir a buscarlo para despedirse y que a pesar de que quizás él ya no piensa en ella, para la mujer nada ha terminado.La cantante explicó hace un tiempo diario The Sun, lo que significa para ella este tema, "Es simple, va sólo a dejarlo. Esta canción me enoja mucho de verdad y es de las más elocuentes. Va justo al grano, no trata de ser inteligente, creo que es por eso que me gusta tanto, porque es muy honesta"Más de alguien ha pasado por el desamor. Eso de sentir que alguien te dejó llena de amor por dentro sin saber dónde dejarlo, porque solo quieres entregárselo a una persona, pero él o ella no quiere recibirlo. Pasa el tiempo y tú sigues en lo mismo. Probablemente ya no piensan en ti, ya tiene otra pareja y todo ha cambiado, pero aún quedan todos los recuerdos que no quieres borrar.Letra de "Someone Like You" Adele"Someone Like You" traducida - Adele(Alguien como tú)Oí que has sentado la cabezaQue encontraste a una chicay que ahora estás casadoOí que tus sueñosse hicieron realidadsupongo que ella te diolo que yo nunca te diViejo amigo,¿por qué eres tan tímido?no es propio de ti contenerteu ocultarte de la luzOdio aparecercuando menos se me esperasin que me inviten, perono pude mantenerme alejadano pude resistirme, esperabaque vieras mi caray que te acordaras de quepara mí, esto no ha terminadoNo importa, encontraréalguien como tú, no deseonada más que lo mejorpara ti tambiénno me olvides, te lo ruegote recuerdo decir quea veces el amor perdurapero otras, duele, síSabías cómo el tiempopasa volando, sólo ayerfue la mejor época de nuestras vidasNacimos y crecimoscon bruma de veranoVinculados por la sorpresade nuestros días de gloriaOdio aparecercuando menos se esperasin que me inviten, perono pude mantenerme alejadano pude resistirme, esperabaque vieras mi caray que te acordaras de quepara mí, esto no ha terminadoNo importa, encontraréalguien como tú, no deseonada más que lo mejorpara ti tambiénno me olvides, te lo ruegote recuerdo decir quea veces el amor perdurapero otras, duele, síNada es comparableSin preocupaciones ni cuidadosRemordimientos y erroresforman parte del recuerdo¿Quién iba a saber el saboragridulce que esto tendría?No importa, encontraréalguien como tú, no deseonada más que lo mejorpara ti tambiénno me olvides, te lo ruegote recuerdo decir quea veces el amor perdurapero otras, duele, sí :oki:
https://www.youtube.com/watch?v=ucUG55frOSM
Era 1968, y los Stones estaban separados por diversos motivos. Uno de los principales era el sorprendente fracaso en ventas del disco "Their Satanic Majesties Request", un ejercicio de aires psicodélicos publicado en 1967. Por esa razón los músicos se tomaron unas merecidas vacaciones con el fin de reflexionar sobre su próximo trabajo musical y aprender de este gran fracaso musical.Asi fue como tras meses fuera de las pistas, donde la prensa empezó nuevamente a darle duro a la vida privada de cada uno de los integrantes de la banda, apareció un nuevo single el 24 de mayo de 1968. En este aparecía como cara A una rola muy energética, con tintes y aires renovados y que traía de vuelta a los Stones mas bluseros y de carretera. Se trataba de "Jumpin' Jack Flash", y el mensaje estaba mas que claro: Los Rolling Stones volvían al ruedo con todo...La historia de esta canción empieza a inicios de 1968, cuando Mick Jagger y Keith Richards fueron a vacacionar a Redlands, California. En esa ocasión ambos Stones se quedaron conversando y bebiendo toda esa lluviosa noche en la mansión que tenía KR en esa hermosa ciudad en el condado de San Bernardino. Pero cuando ya amanecía, Jagger casi se muere de susto al ver una persona desconocida pasar por el patio, y sentir el repentino ruido de unas botas en el marco de la ventana de la pieza. Y cuando el vocalista de la banda estaba a punto de gritar, Keith se le acercó y le dijo: "Es solo el jardinero, se llama Jack Dyer y al parecer está saltando". Ahí estaba la frase para una buena canción...A raíz de ese episodio, Keith encontró cierta inspiración, pescó su guitarra y empezó a improvisar un ritmo de blues mientras entonaba la frase 'Jumping Jack". Tras observar la cara de alegría de su compañero, Mick se unió a él y le agregó a la frase la palabra Flash, y el resultado los dejó mas que motivados. Tenían la base de una nueva canción (la cual fue titulada en primera instancia como "Supernatural Delta blues by way of Swinging London") , y todo gracias al jardinero de la casa. "Esta canción surge tras todo lo ácido de "Their Satanic Majesties Request". Solo trata de salir de los momentos difíciles y duros. Es tan sólo una metáfora para salir de todas esas cosas ácidas" declaraba en 1995 el señor Mick Jagger. Y era así, la canción no tiene nada que ver con mensajes ocultos a drogas, ni referencias al sexo ni a los excesos, simplemente era una canción para sentirse bien y empezar a volar a pesar de problemas.Si Jagger lo tomaba de un tono mas emocional, el otro autor, el señor Keith Richards, se iba mas a lo técnico, y declaraba que su fanatismo por esta canción venía de lo orgulloso que se sentía por haber creado un riff pegajoso y muy particular para la historia de la banda. "Cuando uno consigue un riff como el de 'Flash ', aparece una gran sensación de euforia, algo así como una alegría perversa ", declaraba el guitarrista a la Rolling Stone en el 2010. Además, agregaba que "puedo oír a toda la banda despegar detrás de mí cada vez que toco ' Flash'. Y ahí viene ese toque adicional donde todos van marchando para subirse al riff y empezar a tocar. Es lo mas cercano a la levitación".Pero años antes de esas palabras de Keith sobre el riff, en 1989 exactamente, en su autobiografia titulada Stone Alone: The Story of a Rock 'n' Roll Band, el bajista Bill Wyman sorprendería a todos los "Stonesmaniticos" al declarar que el mítico riff de guitarra no fue creación exclusiva de Keith, y que fue él el verdadero artífice de esa parte de guitarra durante los ensayos en los Olympic Studios de Londres, Inglaterra.En esas páginas, el bajista declaraba: "Estábamos en el estudio temprano una vez... de hecho creo que era un ensayo, no creo que haya sido durante una grabación. Y estábamos ahí Brian (Jones), Charlie (Watts) y yo - los Stones nunca llegaba temprano ni juntos, sabes - y Mick y Keith no habían llegado. Y estaba pasando el rato sentado al piano y comencé a tocar este riff: da-daw, da-da-daw, da-da-daw, y después Brian comenzó a tocar su guitarra y Charlie le estaba dando el ritmo. Estuvimos tocándolo por 20 minutos, y cuando llegaron Mick y Keith paramos, y ellos dijeron: 'Hey, eso suena muy bien, continuen, ¿qué es?.' Al siguiente día lo grabamos, Mick escribió una grandiosa letra y resulto ser un muy buen sencillo."Tras estas declaraciones, ni Mick ni Keith le han dado tanto hincapié a esas palabras, y pocas veces le han dado importancia. Eso si, en mas de alguna ocasión ambos han mencionado que frases como esa simplemente van ligadas al disgusto del bajista por no aparecer en los créditos de esa mítica canción que grabaron el 23 de Marzo de 1968. De hecho, en 1997, Keith llegó a decir que el riff simplemente "era lo inverso al que usamos en "Satisfaction". Ambos son intercambiables, salvo que esta vez no usamos una Gibson Maestro Fuzztone". Además, el musico agregaría que "me encanta "Satisfaction", es buena y todo eso, pero los acordes son más o menos simples y cumplen el rigor en cuanto a la composición de canciones como esa. Pero "Flash" es particularmente interesante. Es el todo en estos momentos. Es casi árabe o muy vieja, arcaica, clásica, y contiene las configuraciones de acordes que sólo se podía oír en los cantos gregorianos o algo por el estilo . Y tiene esa mezcla extraña de Rock and roll junto a esa música muy, muy antigua, que ni siquiera sabes como las hicieron. Es mucho mayor que yo , y eso es increíble ! Es como un recuerdo de algo, y no sé de dónde vino" .Pero eso no es todo, ya que para refutar las palabras del ahora ex-bajista de la banda, en el 2003 el baterista Charlie Watts declaró que el riff y los solos de "Jumpin 'Jack Flash" eran de su amigo Keith. Incluso agregó que fue el guitarrista quien le pidió, en esa sesión de grabación, que tocara la batería de cierta forma que acompañara del todo a su nueva creación. "El sonido de "Jumpin 'Jack Flash" es muy fuerte, porque nosotros nos sentamos cerca el uno con el otro y empezamos a tocarla en el estudio. Fue algo asombroso, tanto par nosotros como para los ingenieros en ese día. Nunca hicimos algo así. Nunca mas lo haremos" agregaba el baterista, que además es adicto al buen jazz.Mas allá de quien hizo el riff y quien no lo hizo, la canción fue tdo un éxito. Es que con "Jumpin 'Jack Flash" la banda volvía a la cima de los charts y al éxito de años atrás. Es que este single llegó al puesto #3 en Estados Unidos y a la cima del UK Singles charts. Esto marcaba la vuelta de la banda a los charts, y el fin de la mala racha, pero a pesar del éxito la canción no fue incluída en ningún disco y quedó simplemente como single, pero en el repertorio de la banda en vivo siempre ocupa un lugar especial.De hecho, el canal de televisión VH1 colocó a esta canción en el puesto #65 en su lista "100 Greatest Rock Songs". Mientras que la revista Rolling Stone la colocó en la casilla #124 en el especial "500 Greatest Songs of All Time". y en Marzo del 2005, la "Q magazine" dejó a "Jumpin' Jack Flash" en el segundo puesto de su lista "100 Greatest Guitar Tracks".
"Durazno Sangrando"- Spinetta / Invisible
Spinetta, un músico muy particular, quién es necesario entenderlo para admirarlo, no lo digo por las letras, sino, mas que todo por la originalidad y por lo que transmiten sus canciones.
El día de hoy, les traigo una tema muy conocido, llamado "Durazno Sangrando". Spinetta explicó que el tema era simplemente una fabula, pero lo mismo dijo Charly Garcia sobre su composición "Alicia en el país de las maravillas", y tiempo después muchos se dieron cuenta que hablaba de una forma sutil, sobre la dictadura. (Charly dijo esto en la época de los militares)
Durazno sangrando
("Durazno sangrando", Luis Alberto Spinetta)
Temprano el durazno del árbol cayó...
Su piel era rosa dorada del sol...
Y al verse en la suerte de todo frutal...
A la orilla de un río su fe lo hizo llegar...
Dicen que en este valle
los duraznos son de los duendes...
Pasó cierto tiempo en el mismo lugar,
hasta que un buen día se puso a escuchar
una melodía muy triste del sur
que así le lloraba desde su interior:
–"Quien canta es tu carozo,
pues tu cuerpo al fin tiene un alma...
Y si tu ser estalla,
será un corazón el que sangre...
Y la canción que escuchas
tu cuerpo abrirá con el alba".
La brisa de enero a la orilla llegó,
la noche del tiempo sus horas cumplió...
Y al llegar el alba el carozo cantó,
partiendo al durazno que al río cayó...
Y el durazno partido,
ya sangrando está bajo el agua...
El agua siempre fue imagen de la vida en cuanto posibilidad; el árbol, en cambio, lo es en cuanto alegoría de una vida concreta. Para decirlo aristotélicamente, el agua es potencia y el árbol, acto. Uno es condición de posibilidad, el otro es un concreto existir en el tiempo. Ambos han tenido siempre una estrecha relación con la divinidad. La historia del hombre esta surcada de manantiales sagrados, habitada de deidades fluviales, y empapada de mitos oceánicos. Pero también la historia de la Salvación comienza con el fatídico árbol del Edén y culmina en el árbol de la Cruz. El agua y el árbol, ontológicamente, el ser y el existir.
El árbol es también un particular modo de existir. Una metáfora que hace hincapié en un universo de relaciones y también en un destino. Un sistema de dependencias recíprocas y cerradas que tienen el fruto como feliz culminación. El árbol que no da fruto es maldito, como la evangélica higuera, y el fruto que desprecia su planta merece el fuego, como el sarmiento de la parábola. Vivir como un árbol implica entonces reconocer una dependencia y una pertenencia, además de aceptar un sentido. Se vive desde algo y también para algo. Ser árbol es, en definitiva, un modo de ser hombre. Quizás el único modo digno de serlo.
En este caso, sin embargo, el poeta practica una escisión en la monolítica semántica del árbol. El fruto aparece como una realidad desprendida simplemente por el inevitable cumplirse de su suerte "frutal". Una separación sin conflicto de una madre-árbol, no desprovista de aromas freudianos. El rosado y asoleado durazno adolescente cumple la inevitable ley de la vida que indica, en un determinado momento, comenzar a hacerse cargo de sí mismo, lejos de las cómodas seguridades arbóreas.
Luego del primer aturdimiento producido por el abrupto irrumpir en el valle, nuestro joven durazno permanece cierto tiempo estático. Observa un mundo habitado por duendes, que le es extraño. No parece, de todos modos, ser un durazno totalmente desprevenido, ya que sabemos que una fe lo asiste y lo empuja hasta la orilla del río. En esta privilegiada ubicación, en contacto con el agua vital, es donde recibe el mensaje que proviene desde su interior y que le comunica algo esencial. Es una canción triste, que parece llegarle de lejos, aunque proviene de su interior, señalando que a veces lo más íntimo es lo más lejano. El abandono del cálido árbol de la niñez es seguramente una experiencia no desprovista de dolor, y la canción llora. Vivir parece ser para el durazno el lento, y a veces arduo, transitar del árbol al agua. Rodar desde la causa eficiente, hacia la causa final.
Su cuerpo tiene un alma, su vida es algo más que lo que su apariencia indica. Tener un alma es una revelación a la que es imposible permanecer indiferente y es lo único que recibirá desde su carozo-conciencia. Con esta nueva y densa realidad sobre los hombros, la existencia del durazno se encamina a su hora. El doloroso encuentro con el agua, partido y sangrante, pero imagino feliz. Metáfora de una muerte frutal, que habiendo cumplido su destino, es también fructífera. Quizás el carozo arrastrado en la corriente sea árbol en otro valle. Pero prefiero, por el momento, detenerme en el encuentro definitivo con la divinidad cuyo ser hizo posible su existir.
Igualmente podemos tomar como otra interpretación, la leyenda de Momotaro,el niño melocotón (durazno),un famoso cuento japones.
https://www.youtube.com/watch?v=Vxnn8d_CPiE
One - Metallica.
Para entender mejor la canción habría que ver la película sobre un cuento de Dalton Trumbo llamada ''Johnny Got His Gun'', en la cuál Metallica se basó para hacer la canción. El vídeo de 'One' contiene escenas varias de esta película. La película es un poco difícil de conseguirse pero vale la pena.
En la película, Johnny deja atrás su hogar y a su novia para embarcarse en el infierno de la primera guerra mundial. Allí, durante un bombardeo, Johnny pierde las piernas y los brazos. El bombardeo también le desfigura la cara quitándole el sentido de la vista, oído y gusto. A pesar de eso, consiguen salvar la vida de Johnny llevándole a un hospital de guerra.
La letra de la canción expresa ese sentimiento de Johnny de completa desconexión con el mundo de los sentidos, el mundo que todos nosotros concebimos. Habla de la rabia, impotencia y locura de Johnny en un mundo que no ve ni oye ni siente. Habla de la necesidad de escapar de ese cascarón llamado 'mente' y de la necesidad de morir. Es una canción pro-eutanasia, al igual que la película en que se basa.
https://www.youtube.com/watch?v=WM8bTdBs-cw
https://www.youtube.com/watch?v=CLsFauH5jsE
(http://991.com/newgallery/John-Lennon-Nobody-Told-Me---93091.jpg)
"Nobody Told Me" es una canción del famoso músico británico John Lennon y fue lanzada como single un 23 de Enero del año 1984 promocionando el comentado disco póstumo "Milk and Honey".
Tras la muerte de Lennon, un 8 de Diciembre de 1980 y en manos de un descerebrado, y como homenaje a su trayectoria musical y en especial a sus seguidores, Yoko Ono decide entregar las cintas a la discográfica que contenían varias grabaciones "demo" que había dejado John en sus últimos 2 meses de vida. Este material musical, donde la mayoría había sido grabado en las sesiones del Double Fantasy, tenía como objetivo formar parte de un disco que se grabaría en 1983, con el fin de volver con todo a las pistas musicales tras un breve receso dedicado a la familia y a la desintoxicación.
Una de esas canciones que aparece en el disco es "Nobody Told Me", que en un principio iba a ser cedida a su amigo Ringo Starr para que formara parte del tracklist de su disco Stop and Smell the Roses (1980), pero tras la muerte de John la idea simplemente quedó en nada, y los derechos de autor jugaron un papel importante.
Pero la historia de esta canción recién empieza en el año 1976, y tras su reconciliación con Yoko Ono, cuando Lennon grabó en uno de sus estudios caseros que tenía en el Dakota una canción llamada "Everybody's Talkin', Nobody's Talkin'", donde el músico estaba en el piano y bajo una llamativa caja de ritmos. esta canción ya sería el 80% de la pista que hoy conocemos y que aparecería en el Milk and Honey. Eso sí tuvieron que pasar casi 4 años para que la canción volviera a ser interpretada y arreglada.
Semanas antes de entrar a grabar el disco Double Fantasy, Lennon volvió a sacar a la palestra a esta canción, y le incluyó una pista de guitarra a su nueva "rola" y pus algunos detalles vocales para adornarla más. Lo más llamativo de esa versión es que ahora contenía como coro la frase "nobody told me", lo cuál la hacía mas especial y la cuál marcaría para la eternidad a esta canción.
De esa manera, y cuando ya tenía terminada la canción, Lennon decidió trabajar más la letra para luego llamar a Ringo con el fin de que la escuchara y si le gustaba se la llevara para incluirla en el disco que estaba preparando, tras dos proyectos musicales de muy baja calidad que había lanzado sin vergüenza al mercado años antes.
La mítica sesión de grabación de la canción, donde Ringo participó como oyente, se llevó a cabo un 7 de Agosto de 1980 en los Hit Factory de Nueva York. En esa ocasión Lennon grabó 10 temas de la canción, quedando seleccionada la última pieza ( y que fue la que usó Yoko en la versión del disco Milk & Honey), y la cuál se puede escuchar en el compilado "John Lennon Anthology" publicado en 1998.
Otro detalle interesante es la parte lírica. Aquí es donde Lennon nos vuelve a sorprender con frases que tienen varias historias en su pasado oscuro. Por ejemplo, la frase "Little yellow idol to the north of Katmandu" es una adaptación de una frase que aparece en el famoso poema The Green Eye of the Yellow God cuyo autor es el emblemático actor y poeta británico J. Milton Hayes.
Otra frase que causó misterio fue "there's a UFO over New York and I ain't too surprised", que estaba ligada a un episodio donde el músico tuvo un encuentro cercano del tercer tipo en Agosto del año 1974. En su libro "Loving John", la secretaria personal de la familia Lennon y que también fue pareja de Lennon durante el "Lost Weekend", la también japonesa May Pang relata detalles sobre ese suceso: "Nosotros acabábamos de pedir algunas pizzas y ya que era una tarde de mucho calor, entonces decidimos salir a la terraza". No había ninguna ventana que nos permitiera ver más allá de la calle, entonces John salio caminando afuera para sentir esa brisa fresca que venía del río. Recuerdo que justo estaba dentro del dormitorio vistiéndome cuando John comenzó a gritar para que saliera hacia la terraza. Le grité que ya iba pero me siguió llamando para que saliera de inmediato. Entonces, salí a la terraza, mis ojos vieron un objeto grande, circular y que venía hacia nosotros (1). Pang agrega sin tapujos que
el objeto tenía forma de cono con amplio radio basal y que no tenía para nada forma de avión o de helicóptero.
La pareja quedó muy asustada con el suceso, y miraron fijamente el OVNI que se posaba sobre sus cabezas . "Cuando estuvo un poco más cerca, podíamos distinguir una fila o círculo de luces blancas que se ubicaban en todo el borde de la nave, y estas destellaban una intensa luz intermitente. Había tantas de estas luces que eran deslumbrantes para la mente. Tenía el tamaño de un avión Lear Jet y estaba tan cercano que si le hubiéramos lanzado algo probablemente le habríamos golpeado fácilmente" agregaría Pang en su libro.
Lennon, que era un fanático de la British UFO Magazine (1), quedó muy impactado con el suceso pero a la vez decidió hablar sin tapujos de esto, y en esta canción dejó una frase que data de ese encuentro. Ademas, por eso es que en su disco "Walls & Bridge" se puede leer la enigmática frase: "On the 23rd August 1974 at 9 o'clock I saw a U.F.O. - J.L.". Pero volvamos a pisar tierra firme...
Cabe señalar que tras la muerte del músico, Ringo no tuvo ni las ganas ni mucho menos el ánimo de grabar la canción que le había cedido su amigo meses antes de la tragedia. De hecho, el mismísimo baterísta ha mencionado que fue tanta su impresión por ese acontecimiento que no se hallaba capaz de grabar la pista, pues ya el escuchar la voz de Lennon en la cinta "demo" lo hacia llorar frente al micrófono. Además, una insegura Yoko decidió suspender todo homenaje musical, y guardar todo lo que fuera firmado por su esposo con el fin de ser ella la única en tener ese material y publicarlo bajo los derechos de autor que ambos protegían.
Finalmente la canción fue lanzada como single en Enero de 1984 (donde el lado B contenía la canción " O'Sanity" en voz de Yoko, quien no se separaba de su difunto esposo ni en los singles póstumos).
Este sería el último single de John lennon en entrar a los primeros lugares del Billboard Hot 100 (llegó al puesto #5) y además llegó a la sexta posición del UK Singles charts.
Lennon era la leyenda...
https://www.youtube.com/watch?v=Jwgtf0Zo-Ck
"I'll Follow the Sun" es una canción de la banda británica The Beatles y está incluida en su LP "Beatles For Sale", publicado el 4 de Diciembre de 1964 y que tuvo un gran éxito en las listas.
Tras estar sumergidos en las giras, conferencias de prensa, viajes y otras cosas, lo que menos tiempo había era para grabar canciones nuevas y originales. En plena "Beatlemania", las cosas se ponían mas que difíciles y por ello este disco cuenta con una batería de elegantes y moldeadas versiones de clásicos de sus artistas favoritos como Chuck Berry, Buddy Holly y Carl Perkins entre otros. Por ello, "Beatle For Sale" marca un periodo en que las discográficas querían sí o sí lanzar discos en las fiestas de fin de año, y además nos trae a un John Lennon que poco a poco iba haciendo de sus letras un canto autobiográfico.
Las sesiones de grabación de este LP empezaron en Agosto de 1964, y era tan el poco tiempo que pasaban ensayando o componiendo que en algunos casos Lennon y McCartney tuvieron que ir en busca de esas viejas canciones que tenían guardadas cuando simplemente eran una banda que tocaba en Pubs y bares de mala muerte en Hamburgo y en Liverpool
Una de esas canciones rescatadas fue la balada "I'll Follow The Sun", quedará el año 1959 y que era uno de los primeros registros bajo la firma "Lennon-McCartney".
La historia cuenta que esta melancólica canción fue escrita por Paul McCartney mientras pasaba sus vacaciones de invierno en la casa de un familiar en Allerton, Liverpool.
"La escribí en un salón que daba de frente con el camino a Forthlin. Yo tenía apenas 16 años, y escribí "I'll Follow The Sun" una mañana en que me levanté temprano. Recuerdo que venía saliendo de un fuerte cuadro gripal, y que tenía un cigarrillo - Yo fumaba desde los 16 años- de esos de algodón. Mientras estuve enfermo no fumé, pero cuando me sané y probé nuevamente un cigarro fue terrible, más si era de algodón. Bueno, recuerdo estar mirando por la ventana en ese salón, con mi guitarra y escribí la letra de una" comentaría años después Paul en una entrevista con el historiador inglés Mark Lewisohn.
Si bien la fecha exacta nadie la sabe, o simplemente la memoria fue frágil, al parecer entre Mayo y Junio de 1960 (pre-historia Beatle) aparece la primera versión de esta canción en una grabación casera hecha en el baño de la casa de McCartney, que al parecer era un lugar con una acústica formidable. En esa sesión McCartney, Lennon y Harrison tocaron las guitarras acústicas y Stuart Sutcliffe estaba en el bajo.
En ese audio que ya es un registro histórico, y que estaba en manos de Peter Hodgson y que fue comprado en 1995 por McCartney, traía una versión distinta en cuanto a sonido y gran parte de la letra (debido a la mala acústica del lugar y por ser algo casero, es muy difícil captar la letra en su totalidad). Además traía un acto de guitarra en manos Harrison que si bien era simple también contenía un especial arreglo con tintes Perkins, y eso que en aquellos años eran "amateurs".
Ahora, en cuanto a los créditos parecía raro que ya en ese entonces apareciera acreditado Lennon, que al parecer en esos años no tuvo ningún acercamiento con la "rola", pero igual la gente quería saber si ambos músicos crearon esta melodía tras bambalinas.
De hecho, tras publicar el "Beatles For sale", Paul declaró en una entrevista "John y yo escribimos esto hace mucho tiempo, pero decidimos cambiarle la melodía de ocho compases antes de grabarla". Pero en 1980 y en la famosa entrevista con la Playboy, John Lennon se desmarcó de los créditos, diciendo: "Esto es de Paul. No se que más puedo decir...'Tomorrow may rain so I'll follow the sun.' Es de las primeras melodías de McCartney, ya sabes... Escrita antes de ser The Beatles, creo. Había muchas cosas de esos años". Con eso queda claro, que la pareja de compositores también hacía cosas por separado incluso antes de formalizar la banda. Lo cuál es un dato interesante, y esta canción es un buen ejemplo y a la vez poco comentado.
Tuvieron que pasar 4 años para que la banda decidiera grabar de manera formal esta balada. La tarea no fue tan fácil, ya que tenían que hacer algunos arreglos musicales y adecuar la letra, que al parecer estaba muy pobre de metáforas.
Mientras pasaban la semanas, y la gerencia del sello de grabación apresuraba a la banda, Paul y John se dieron la tarea de hacer los cambios musicales, y el resultado final fue notable.
Una pieza con aroma a folk, bajo un manto musical agradable y una parte instrumental de alta calidad. Con un Harrison, sueño de punteos simples pero muy influyentes, dando un toque especial a su guitarra que al parecer, también quería seguir al sol.
Antes de incluirla en el disco, y como una forma de ir ya promocionandolo, la banda decidió interpretar esta pieza en un programa radial de la BBC llamado Top Gear. Dicha aparición fue grabada un 17 de noviembre de 1964, y fue transmitido recién el 26 de noviembre, dejando a muchos fanáticos con la boca abierta, tras escuchar un nuevo material Beatle.
Finalmente un 18 de Octubre de 1964, en los estudios de Abbey Road, fue grabada de manera oficial "I'll Follow the Sun", en tan sólo ocho tomas, donde la ultima versión fue la elegida ya que era la que usaba las guitarras eléctricas y contenía la base melódica total.
En lo que se refiere a percusión, hay un dato interesante puesto que Ringo dejó un rato su batería e hizo sonar unas cajas de cartón y grabó palmas. Sobre la actuación del baterísta, Paul recordaría años después: "No queríamos caer en la trampa popular de que todas las canciones sonaran igual en un disco, algo así como le pasaba a las Supremes, por lo que queríamos hacer una instrumentación variada. Ringo no podía seguir tocando lo mismo en batería en todo el disco, por lo tanto decidimos que toque una caja de cartón o que se coloque de rodillas y haga palmas"
Si bien la canción no fue lanzada como single por The Beatles en los 60's, es considerada una pieza importante dentro del catalogo musical de esta gran banda que cambió todo en el aspecto musical.
Superlógico.
https://www.youtube.com/watch?v=hQjsYiKXv5I
En el primer disco de los redondos Gulp!, hay dos canciones que están referidas al mismo tema: Un reformatorio. Una de ellas es BarbAzul vs el amor letal y la otra Superlogico. En el tiempo Superlogico fue la primera en aparecer allá por el año 82 y un par de años mas tardes para la edición del disco sale la segunda joyita en cuestión, BarbAzul. Esta ultima estaba preparada para el director de cine Hector Babenco que inspirados en la novela de Jose Louzeiro, le dieron vida a una obra cinematográfica que pintaba algo que luego se hiciera común en el cine brasileño el maltrato y la marginalidad en la que caen los menores reclusos en los reformatorios juveniles. Este film llamado "Pixote, la ley del mas débil", nos da una pintura de lo que vive este pequeño de diez años(Pixote) que inmerso en la calle y sumergido en la vida criminal, cae en el reformatorio tras ser atrapado por la policía de Brasil.
Para la explicación de los temas vamos a hacerlo de la forma en que fueron creados, primeros con Superlogico y al final por Barbazul.
Ahí van los machos para consumar una hermosa dotación vital
Solari nos va llevando de a poco, ahí van los machos para llegar a consumar el acto sexual que dará vida, que le dará vida a la hembra.
El club de mantis muy nervioso está, esas hembras no son dulces no
Ahora vamos entrando mejor en el tema, el club de mantis(así decide denominar a este reformatorio el Indio) esta nervioso, sabe que va a consumar el acto y después llega su final. Esas hembras que son participes no son dulces, no tienen sentimientos, apenas terminado el acto devoran a los machos para sobrevivir y hacer mucho mas fácil la gestación de las crías. Por eso los denomina "mantis", como las mantis religiosas, en esa especie la hembra es de mayor tamaño que el macho, como las celadoras de los reformatorios por sobre los reclusos. Y también estas celadoras para poder sobre llevar su vida en la prisión deben someter a los hombres/niños de la misma.
Tal orgía van a banquetear, sin descanso van a devorar
Sigue mostrando la vida de las mantis, en el momento en que se buscan macho y hembra para aparearse, son varios los machos que aparecen y se pelean entre ellos hasta que el ganador es el que finalmente llega a tener la chance de reproducirse, lo cual no es bueno, porque sin descanso, apenas terminado el acto, la hembra devora al macho. En el caso de la cárcel, de la cárcel de pixote, termina habiendo un muerto a causa de una golpiza recibida por los guardias y como asesino se culpa a la pareja del mismo, un niño afeminado que comienza a mostrar su homosexualidad y era la pareja del niño asesinado.
El rostro se comienza a afiebrar, esas hembras no son dulces no
La cárcel, la vida como transcurre dentro del reformatorio los mata, los liquida por la vivencia y la crueldad como los tratan. Las dureza se multiplica al ver que se aplica sobre niños y ahí es cuando los mismos incurren en practicas de presos mayores. la homosexualidad y las drogas(pixote recurría a la inhalación de pegamento) todo es común en este ámbito, mientras las celadoras son duras y severas, el rostro comienza a ponerse colorado al ver esto. Las imágenes generan escalofríos.
Superlógico! Superrigido!
Es realmente lógico que todo termine así, que la vida de estos chicos que terminan escapándose de la prisión, terminen muertos, como criminales o escapando del mundo. Con todas las vivencias que pasan, lo despiadado, la crueldad y perversidad en que viven los termina inclinando mas hacia el lugar que los empujo allí, el crimen. Esa rigidez extrema los llevo lógicamente a terminar así.
Fuente: Ricoteros del alma.
https://www.youtube.com/watch?v=bRPyLLrchE0
[/size]Signos.
La canción está compuesta por signos. Cada línea de tres palabras representa un signo que se conforma en este caso de: tres palabras (tres significantes) = 1 significado. Signos. Las ideas están formadas de signos y esa canción es un muestrario de signos aparentemente sin sentido. Está jugando con la lingüística.
"Signos Uniendo fisuras Figuras sin definir Signos, oh"
Una cadena de signos conforma un mensaje y este contiene una intención, en este caso la intención no es más que la de sembrar la intriga destapándose con detalles particulares y provocadores
"Signos Mi parte insegura Bajo una luna hostil Signos, oh"
Usa como medio los Signos para enviar su mensaje debido a la vergüenza que le da hablar de forma más clara y entregarlo todo (el mensaje completo y claro)
"Te doy todo Y siempre guardo algo"
El misterio y la falta de claridad son elementos en los que se apoya para confundir a quien escucha/lee la letra.
"No hay un modo No hay un punto exacto"
Es una apelación a la atención y a la interpretación del mensaje, sabiendo que solo una persona lo entenderá a la perfección
"Me amas a obscuras Duermes envuelta en redes"
"Llámame pronto Acertijos bajo el agua"
"Con los dientes Rasgar tus medias"
Es la única canción de Soda Stereo, que no es una balada, en ser tocada completamente con guitarra acústica de inicio a fin sin ningún tipo de guitarra eléctrica, ya que tienen otras canciones acústicas como "Té para tres", pero son todas baladas, lo que hace que el tema sea tan único y una de las mejores canciones de la banda. La canción empieza con un riff de guitarra acústica y sintetizadores, que le dan un toque misterioso al comienzo de la canción, luego viene el piano, posteriormente los demás instrumentos. Cerati toca la guitarra acústica, Zeta el bajo y Charly la batería.
Fuente:Revista Rolling Stones - Sodamania.
LOVE OF MY LIFE
https://www.youtube.com/watch?v=fxqNovNwGtE
No es más que una hermosa canción de amor deidicada al amor de su vida: Mary Austin, porque a pesar de todo y de todos ella fue y será "El amor de su vida"
Love Of My Life es realmente la canción más hermosa y esperanzadora de Queen. Es simplemente una persona que no tiene más duda de llamar a su "amor de su vida" a que no le deje. La canción nos transmite inseguridad, pena y al mismo tiempo la desesperación que tiene la persona al ser malinterpretada al ser malentendida por sus pares, porque según la canción nadie, pero nadie, puede sentir lo que él siente ni vivir lo que él vive. Sin su amor de su vida él simplemente muere.
(http://www.rockmusic.org/queen/articulos/entrevistas/Freddie_Mercury_Mary_Austin.jpg)
(Publicada en el Daily Mail, enero de 1999)
El mundo se sorprendió cuando el extravagante Freddie Mercury, quien murió de SIDA en 1991, legó la mayor parte de su multimillonaria fortuna a una mujer. Pero durante años el líder de Queen y Mary Austin habían vivido juntos como marido y mujer, y ahora por primera vez la mujer a quien él amó le cuenta a David Wigg cómo el dinero no fue el único legado de la estrella.
Cuando Freddie Mercury le dijo por primera vez a su antigua novia, Mary Austin, que deseaba dejarle su majestuosa mansión Georgiana en el barrio londinense de Kensington, su reacción inmediata fue de sorpresa, y después temor. De hecho, le aterrorizaba tanto el asumir tan enorme responsabilidad que intentó convencerle de que destinara la casa, con su hermosa colección de mobiliario antiguo y pinturas, a una fundación como museo.
Freddie consideró esta opción, pero decidió que quería que Mary (su amante durante seis años, antes de que se decidiese por la compañía masculina) tuviese algo permanente en su vida. No sólo le dejó su mansión, que se alza tras un amurallado jardín japonés, sino también la mayor parte de su multimillonaria fortuna, con un ingreso de por vida procedente de sus enormes ventas de discos.
Durante el año anterior a su muerte en 1991, Mary se las tuvo que ingeniar para cuidar a su hijo Richard., que ahora tiene nueve años, y al padre de éste, Piers Cameron, además de a Freddie, que padecía las etapas finales del SIDA. Al mismo tiempo se preparaba para el nacimiento de su segundo hijo, Jamie, que ahora tiene ocho años.
Mucho antes de que Freddie le dijera a sus amigos íntimos o a sus compañeros del grupo Queen que tenía SIDA le confió su secreto a Mary. Desde aquel momento ella estuvo allí cada día para intentar consolarle mientras su salud se deterioraba. Cuando comenzó a perder la vista y su cuerpo se volvió tan débil que no podía ni tan siquiera levantarse de la cama, Freddie decidió enfrentarse a la muerte rechazando tomar la medicación. "Fue la decisión de Freddie acabar con todo ello, él eligió el momento de morir", recuerda Mary en un susurro. "Él sabía que el final estaba cerca, que estaba más cerca de lo que jamás había estado antes, y de repente dijo, 'he decidido que me tengo que ir'".
"La calidad de su vida había cambiado tan dramáticamente y sufría más dolorcada día. Estaba perdiendo la visión. Su cuerpo cada vez más débil, al tiempo que sufría pequeños espasmos. Era tan angustioso verle deteriorarse de esa forma. Un día decidió que ya era bastante y abandonó todas las ayudas médicas que le mantenían con vida. Simplemente dejó actuar a la naturaleza. Lo sobrecogedor para mi fue su increíble valentía. Miró a la muerte a la cara y dijo 'está bien, lo aceptaré, me iré ahora' Pero fue algo tranquilo y murió con una sonrisa en su cara"
Tras su muerte, el 24 de Noviembre de 1991, Mary se mudó a su palaciego hogar, pero mientras deambulaba por sus enormes salones, rodeada de los tesoros de Freddie sus sentimientos eran de confusión y soledad. "Fue la época más solitaria y difícil de mi vida tras la muerte de Freddie. Sabía que tendría problemas al hacer frente a su muerte y a todo lo que me dejó. Lo mejor era que yo misma pudiese salir de aquella situación.
Mary, que había crecido en una modesta casa de Fulham, al oeste de Londres, se encontró con que había mucho a lo que hacer frente; la responsabilidad de la casa con su personal, y el hecho de encontrarse de repente con una enorme fortuna. Hubo algunas complicaciones con el testamento, y a algunos de los parientes y amigos de Freddie les molestó que le dejara tanto a ella.
"Siempre tenía a Freddie para ayudarme, y él siempre me tenía para ayudarle, si lo necesitaba. De repente no había nadie para ayudarme. Me hizo darme cuenta de que no era tan autosuficiente como me hubiera gustado ser. Así como yo había sido una amiga para él, me di cuenta de lo que había significado su amistad para mi- el hecho de simplemente saber que él estaba allí."
"Siempre me protegió mucho. Sólo me di cuenta tras su muerte de lo protector que había sido conmigo. Si algo malo ocurría él decía 'oh, cariño, no te preocupes, lo superaremos'. Siempre era optimista. Otras veces, cuando era consciente de que tenía SIDA y sólo tenía un tiempo limitado de vida podíamos tener alguna conversación seria, cuando me decía "ven y siéntate, no sabemos cuanto tiempo nos queda".
Mary hizo frente a la enorme generosidad de Freddie convirtiéndose en una reclusa dentro de los seguros muros de su casa. "Me sentía fuera de mi sitio, realmente", explica. "El personal de Freddie había sido como una familia para mi, pero tras su muerte la mayoría de ellos se marcharon, porque él había sido muy generoso con ellos. Pasé noches sin dormir preocupándome por todo. Sentía como si hubiera hecho algo malo y me volví un poco paranoica. Algunos fans incluso me dijeron que yo sólo era el guardián de la casa. Eso duele. Sé que a algunos de los amigos gay de Freddie les sorprendió que me dejara tanto. Había algunos que pensaban que les tenía que haber dejado la casa a ellos. Es como si la gente estuviera resentida conmigo por lo que me dejó".
Aunque Freddie murió en 1991 tuvieron que pasar 8 años para que recibiese la mayoría de su herencia. "Fue una época preocupante", dice, "los impuestos habían sido pagados, pero al no recibir el dinero no sabía si me podría permitir el mantener la casa. Me sentí bajo mucha presión".
En contraste con el extravagante ídolo del rock, Mary, de 48 años de edad, es tímida y da la impresión de carecer de cualquier confianza en sí misma. Pequeña y delgada, de ojos verdes y pelo rubio. "Ciertamente no soy ninguna académica", dice, al tiempo que uno de los gatos exóticos de Freddie se le une en el profundo sofá de color rojo oscuro. Mary ha mantenido la decoración y el mobilario tal como estaban cuando Fredde murió. "Tenía un estilo impecable, así que ¿por qué cambiarlo?", dice.
Su muerte dejó un vacío en su vida. "Perdí a alguien a quien creía mi amor eterno. Cuando murió sentí que habíamos tenido un matrimonio. Habíamos vivido nuestros votos. Habíamos permanecido juntos en los buenos tiempos y en los malos, en la riqueza y en la pobreza. En la salud y en enfermedad. No podrías haberte separado de Freddie hasta que hubiese muerto, incluso entonces, ha sido difícil".
La proximidad de la pareja siempre causó problemas a los demás. Ninguno de los novios que tuvo Mary cuando dejó de vivir con Freddie en 1980 duró mucho. Pronto se daban cuenta de que tenían que compartir el cariño de Mary con la estrella de rock y ese especial lazo de lealtad e íntima amistad jamás pudo ser penetrado por un recién llegado. Incluso el padre de los dos hijos de Mary, el pintor Piers Cameron, acabó decidiendo que esta especial situación era demasiado y terminó desapareciendo de la vida de Mary por completo. "Siempre se sintió eclipsado por Freddie", dice Mary. "Fredie había ampliado tanto el horizonte de mi vida introduciéndome en el mundo del ballet, la ópera y el arte. Aprendí tanto de él y me dio tanto. De ninguna manera podría jamás abandonarle. Nunca".
Como otra forma de mantenerla próxima a él, Freddie creó un trabajo para ella, haciéndola secretaria de su empresa discográfica. Tras su muerte, le llevó a Mary mucho tiempo hasta que aceptó que Freddie había salido definitivamente de su vida. Cinco años tuvieron que transcurrir hasta que fue capaz de dormir en su enorme dormitorio amarillo. Antes se había sentido incapaz de tocar nada en esa habitación. "Había pasado tanto tiempo con él estando enfermo y había tantos recuerdos en aquella habitación. Recuerdos de él sufriendo. Sólo veía este hombre tan frágil, tumbado en la cama y recordaba todas las pequeñas cosas que solía hacer por él. Como peinar su pelo, por ejemplo".
"En aquella época realmente sentí tanto amor por él. Esos eran los momentos que recordaba cada vez que miraba a su cama. Me sentaba todos los días junto a su cama durante seis horas, tanto si estaba despierto como si no. A veces se despertaba de repente, sonreía y me decía "oh, eres tú, vieja fiel".
Sólo Mary sabe donde fueron finalmente colocadas sus cenizas. Le dio a ella la responsabilidad de encargarse de ellas y le hizo prometer que nunca revelaría donde fueron enterradas. "No quise saber nada de ellas", admite abiertamente. "Las dejé en la capilla ardiente durante un tiempo. Sabía que tenía esta responsabilidad, pero no encontraba valor para deshacerme finalmente de él. Tenía que hacerlo sola, tal como me lo pidió, y mantenerlo en secreto. Eso fue algo no mejoró el aprecio de su familia por mi".
Encontré todo aquello un poco siniestro. Estaban en una bolsa de plástico dentro de una urna. Después tuve que juntarlo todo. Pensé 'realmente me has dejado demasiado para hacer, Freddie' ".
Mary tenía 19 años cuando conoció a Freddie. Hasta entonces había llevado una vida de privaciones. Sus padres eran pobres. Su padre trabajaba como recortador para especialistas en empapelados. Y su madre una empleada de hogar para una pequeña empresa. Ambos eran sordos y se comunicaban a través del lenguaje de los signos y leyendo los labios. Mary abandonó la escuela a los 15 años. Su primer trabajo fue como aprendiz de secretaria con Remingtons, ganando 5 libras a la semana. Posteriormente alcanzó el puesto de relaciones públicas con los clientes en la tienda Biba en Kensington. Fue cuando trabajaba en Biba cuando conoció a Freddie y al batería de Queen, Roger Taylor, quienes tenían un puesto en el cercano mercado de Kensington, en el que vendían ropa usada y el trabajo artístico de Freddie.
El guitarrista, Brian May, los presentó, durante una discusión sobre el grupo. Intentaban elegir un nombre. Freddie quería llamar al grupo Queen, mientras Brian prefería Build Your Own Boat. "Recuerdo la melena negra de Freddie, que le hacía parecer un caballero, con su brazo apoyado sobre la repisa de la chimenea de la casa de Brian en Barnes. Estaba muy orgulloso de sus nuevos zapatos blancos. De repente se volvió hacia mi y me pidió mi opinión sobre los nombres. Dije "oh, creo que Build Your Own Boat de Brian". Pero se salió con la suya, como hacía casi siempre. Al final se decidieron por Queen.
Aunque bastante intimidador, Mary se sintió fascinada por este 'músico artístico de aspecto salvaje'. "No se parecía a nadie que hubiese conocido antes. Tenía mucha confianza en sí mismo, y yo nunca la había tenido. Maduramos juntos. Me gustaba, y todo progresó a partir de ahí".
"Me llevó unos tres años enamorarme realmente de él. Pero nunca había sentido eso antes por nadie". Al principio compartieron una habitación de 10 libras a la semana en Victoria Road, Kensington. "Teníamos tan poco dinero entonces que sólo podíamos permitirnos un par de cortinas, así que las colgamos en el dormitorio. Teníamos que compartir el baño y la cocina con otra pareja".
Un par de años después se mudaron a un piso más grande en Holland Road, que les costaba 19 libras a la semana. Por aquel entonces el grupo ya había firmado un contrato discogáfico, y las fotos para el primer album se tomaron en aquel piso.
Fue en un concierto celebrado en el Ealing College of Art, cuando Mary reconoció por primera vez su calidad de estrella. Cuando bajó del escenario todas las chicas y sus amigos se agolpaban a su alrededor", recuerda. "Estaba tan ocupado que pensé 'no creo que me necesite ya'. Ya me iba cuando llegó corriendo hasta mi. Me dijo '¿a dónde vas?', le dije 'me voy a casa'.
"Las cosas habían cambiado para él y para el grupo. Freddie era tan bueno sobre el escenario-diferente a cualquier cosa que hubiese visto antes, como si fuese algo para lo que él se había estado preparando. Por primera vez sentí 'aquí está una futura estrella. Está en su camino. No creo que me necesite nunca más'. Me aparté. Conforme todo progresaba pude verle florecer. Era algo maravilloso de observar. No me sentí triste ni molesta. Estaba feliz de que por fin lo estuviese consiguiendo gracias a su talento. Él no me dejaría marchar. Aquella noche me di cuenta de que yo también tendría que ser parte de ello. Realmente fue emocionante ver como todo ello ocurrió-yo estaba feliz y orgullosa de que él quisiera estar conmigo".
"Me sentía muy segura con él. Cuanto más le conocía más le quería. Tenía calidad como persona, lo cual creo que es muy raro hoy día. Algo que siempre fue constante fue el amor. Sabíamos que podíamos confiar el uno en el otro, y nos sentíamos seguros juntos. Sabíamos que nunca ninguno de nosotros haría daño al otro a propósito. Una vez, en Navidades me compró un anillo y lo puso dentro de una caja enorme. Íbamos a visitar a sus padres el día de Navidad. Abrí la caja, y dentro había otra caja, y así sucesivamente hasta que encontré aquella caja diminuta. Cuando la abrí allí estaba aquel hermoso anillo egipcio de escarabajo. Se supone que trae buena suerte. Fue muy dulce y tímido cuando me lo dio.
Fue después de haberse mudado a su segundo piso, en Holland Road, cuando Mary comenzó a sospechar que algo iba mal en su relación de seis años. "Incluso aunque yo no quisiera admitirlo plenamente, me había dado cuenta de que pasaba algo. Aunque no sabía lo que era decidí discutirlo con Freddie y se lo dije. 'Algo pasa y me siento como una soga alrededor de tu cuello. Es hora de que me marche'. Pero insistió en que no pasaba nada. Luego su vida alcanzó un ritmo vertiginoso tras el éxito de los albumes y los singles".
"Las cosas nunca volvieron a ser iguales. Nuestra relación se enfrío. Yo sentía que evitaba cualquier confrontación conmigo. Cuando yo volvía a casa del trabajo él no estaba. Siempre llegaba tarde. La situación era obvia. Simplemente ya no estábamos tan juntos como lo habíamos estado".
Cuando Freddie se convirtió en una celebridad internacional, Mary pensó a menudo que lo perdería por culpa de otra mujer-pero nunca por un hombre. Todo eso cambió un día cuando Freddie le comunicó que tenía algo importante que decir, algo que cambiaría su relación para siempre. "Él dijo, 'creo que soy bisexual', yo le dije 'creo que eres gay'. Y no se dijo más. Sólo nos abrazamos. Pensé que había sido muy valiente. Como soy un poco ingenua me llevó bastante tiempo darme cuenta de la verdad. Después, él se sintió bien por habérmelo dicho. Me dijo 'era consciente te que tenía que otra alternativa, no decírtelo, pero creo que tienes derecho a tener tu propia vida'. Y pensé 'sí, al igual que tú tienes derecho a la tuya' ".
Decidió que era hora ya de marcharse, pero Freddie insistió en que no debía alejarse mucho de él. "Con el tiempo encontramos una casa cerca de donde él vivía, que quería que yo me quedara. Era perfecta para una persona soltera como yo. Su empresa discográfica me la compró por 30.000 libras. Podía ver el piso de Freddie desde mi cuarto de baño. Pensé, 'oh, nunca me voy a escapar'. Pero no me importaba. Era muy feliz allí. Era pequeña, pero me gustan los lugares pequeños. Mi familia era muy pobre. Éramos cinco y mis padres lo pasaban realmente mal para llegar a fin de mes. La vida siempre fue una lucha para ellos".
La vida de Mary hoy día está lejos de ser una lucha. Comparte su majestuosa casa con Nick, el empresario londinense de 48 años con el se casó hace dos años. Sin decírselo a nadie, se casaron en Long island con sólo sus dos hijos, Richard y Jamie, como testigos. "Creo que Nick fue muy valiente al hacerse cargo de mi. Traigo mucha carga conmigo, un enorme capítulo de mi vida. En un principio, debido a mi pasado y la cantidad de rupturas que he tenido no estaba muy segura respecto al matrimonio. Después alguien me dijo 'no lo sabes hasta que no lo intentas'. Pero conforme el tiempo pasa, ahora puedo ser feliz con él. Sé apreciar lo que tuve, y lo que tengo ahora, y sigo hacia adelante. Creo que sólo lo podría haber conseguido conociendo a alguien".
"Al conocer a Nick, todo se arregló mucho más deprisa. Quería estabilidad para mi y para mis hijos. Sentía que este hombre nos daría eso-estabilidad en un sentido familiar. Realmente había perdido a mi familia cuando Freddie murió. Incluso la gente que trabajaba para él en la casa eran mi familia, pero todos se marcharon. Freddie lo era todo para mi, aparte de mis hijos".
A Freddie le emocionó tanto como a ella la llegada de su primer hijo y solía visitarla en el hospital. Enseñó al pequeño a decir sus dos primeras palabras 'tractor' y 'guitarra'.
Ahora su generosidad ha permitido a Mary educar a sus hijos en colegios privados. "De alguna manera creo que a una parte de Freddie realmente le habría gustado la vida familiar, un hogar feliz e hijos. No sé qué tal habría sido como heterosexual. Al principio solía pensar que le había perdido por ser gay. Pero creo que aunque hubiese sido completamente heterosexual habría acabado perdiéndole por otra mujer, especialmente cuando llegó la fama. Las mujeres le seguían a todas partes, aunque sospechasen que era gay".
Freddie vivió con el conocimiento de que era VIH positivo durante siete años. Murió a los 45 años de una neumonía inducida por el SIDA.
En su testamento, legó el 50% de toda su fortuna y de los ingresos futuros a Mary. Sus padres y su hermana recibieron un 25% cada uno. Aparte de eso, dejó 500.000 libras a Jim Hutton y le compró un terreno en su lugar natal, Irlanda, en el que pudiese construir una casa. También les dejó 500.000 libras tanto a su ayudante personal Peter Freestone como a su cocinero Joe Fannelli. Y 100.000 a Terry Giddings, su chofer y guardaespaldas.
Mary es también administradora de la fundación de lucha contra el SIDA establecida en nombre de Freddie, la Fundación Phoenix, establecida en Montraux, Suiza, donde Queen tienen sus propios estudios de grabación. Como fue un showman tan vital y enérgico, le pregunté a Mary si quizás fue mejor que no llegara a envejecer. Sorprendentemente me respondió "no, hubiera preferido que hubiese ocurrido al contrario. Yo tendría que haberme ido primero. Hubiera preferido que fuese él quien tuviera que echarme de menos, en lugar de tener yo que echarle de menos".
BAJAN.
https://www.youtube.com/watch?v=Egj4PSgMAfA
Bajan, Luis Alberto Spinetta
Tengo tiempo para saber
si lo que sueño concluye en algo
No te apures ya más, loco
porque es entonces cuando las horas
bajan, el día es vidrio sin sol
bajan, la noche te oculta la voz
Y además vos querés sol
Despacio también podés hallar la luna
Viejo roble del camino,
tus hojas siempre se agitan algo
Nena, nena, que bien te ves
Cuando en tus ojos no importa si las horas
bajan, el día se sienta a morir
bajan, la noche se nubla sin fin
Y además vos sos el sol
Despacio también podés ser la luna.
(http://3.bp.blogspot.com/-ioJpiXqtLf4/TdW4TCrHCII/AAAAAAAAAA8/1VoeMrkCg38/s320/2603275978_a73c676da8.jpg)
En 1973 se terminó de editar el último disco de Pescado Rabioso, aunque es sabido que en realidad fue un trabajo como solista de Luis Alberto Spinetta, grabado con músicos invitados luego de que la banda se disolviera definitivamente. Se trata de Artaud, para muchos el mejor disco de la historia del rock nacional. De todas las canciones, Bajan es quizás la que más similitudes tiene con el estilo musical de Pescado Rabioso.
A grandes rasgos Bajan habla de la cuestión del paso del tiempo, aunque no resulta tan simple como eso. Se puede pensar que se trata del fin de un ciclo, del comienzo de una etapa al menos artísticamente diferente para el autor. Sin embargo, desde un plano general suena más a un elogio de la calma, una utopía en sociedades como la nuestra. Lo que intenta decir Spinetta es que con tranquilidad, con paciencia, no sólo se puede tener más sino que también se puede ser mejor.
Spinetta comienza hablando en primera persona, pero rápidamente se desprenden los otros destinatarios de la canción: un él, a quien llama "loco", un viejo roble, que se puede relacionar con una persona mayor, y un ella, a quien pone el calificativo "Nena". En fin, la canción no se dirige a alguien en particular sino a Todos.
Lejos de hablar del ocio o la conformidad, creo que Spinetta busca un equilibrio. Su consejo es no cruzar la línea hacia el exceso, hacia a la locura; de apretar el freno, de parar un poco. Así, no refiere a algo estático: por más serenos que aparentemos ser, las hojas siempre se agitan algo. Y eso está bien, así debe ser para que la vida no pierda intensidad. Todos sabemos que el tiempo parece durar más cuanta menos atención le prestamos y cuanto más disfrutamos el momento. "El día se sienta a morir (...) la noche se nubla sin fin", parece expresar todo lo contrario. ¿Para qué vivir agitados si al final no podemos aprovechar ni del sol ni de la luna? Es por eso que Spinetta alaba "qué bien te ves cuando en tus ojos no importa si las horas bajan".
¿Por qué las horas bajan? Porque se pierden: lo que sube baja, pero lo que baja no tiene por qué subir. Se puede relacionar también con la caída del sol o de la luna, que sí vuelven a aparecer. Pero las horas no se recuperan y ese es el drama del paso del tiempo. Lo que de alguna manera nos recomienda Spinetta con esta canción es que disfrutemos del día y de la noche, del tiempo de la vida, que no dejemos de apreciar a los detalles de lo cotidiano: démosle luz al instante.
https://www.youtube.com/watch?v=bx1Bh8ZvH84
La canción "Wonderwall" está dedicada a la novia de Noel Gallagher Meg Mathews. Noel se casó con Mathews, pero se divorciaron en 2001. Gallagher ahora dice que la canción no habla lo más mínimo de Mathews. Sostiene que esa interpretación surgió de la prensa y que no hubo manera de decirle a su novia que esa canción no trataba de ella. Gallagher dice que es una canción dedicada a un amiga imaginaria que un día vendrá y le salvará de sí mismo, pero que ahora no puede convencer a la chica de que no habla de ella. Al comienzo, Noel quería cantar esta canción pero le dio a su hermano Liam la oportunidad de hacerlo y Noel terminó cantando "Don't Look Back in Anger".
"Wonderwall", de la banda británica Oasis, es una de sus canciones más famosas. De su álbum (What's the story) Morning glory?. La portada del single está inspirada en los cuadros de Magritte.
(http://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/1/17/Wonderwall_cover.jpg)
La música está inspirada en Wonderwall Music, un álbum instrumental que compuso George Harrison para la peli Wonderwall en 1968. Y el concepto de "Wonderwall" se lo inventó John Lennon al parecer, que una vez, en vez de decir "wonderful" dijo "wonderwall" y como palabra inventada es bastante difícil de traducir, Oasis lo sacó de la película. La peli va de una chica que vive al lado de un hombre que está fascinado por ella y hace agujeros en su muro para verla a través de ellos y eso es el "wonderwall" (el muro maravilloso, la pared maravillosa). Es una peli psicodélica y rarísima, aquí les dejo el tráiler:
Al principio la canción se iba a llamar Wishing Stone, que significa "piedra de los deseos", o algo así (menos mal que le cambiaron el título).
https://www.youtube.com/watch?v=ReCKDmeAdXA
El sonido del chelo que suena en la canción, no es un chelo sino un Mellotron, que es como un teclado de los años 60 que reproducía sonidos de orquesta (como el violonchelo). Y otra curiosidad acerca de los instrumentos es que Noel Gallagher en los conciertos la toca con una telecaster, cuando normalmente utiliza una Gibson.
https://www.youtube.com/watch?v=aGSKrC7dGcY
La canción fue escrita por Martin Gore. En esta canción, el cantante está en una relación en la que los pensamientos y los sentimientos son todo lo que importa. Él siente que las palabras son innnecesarias y pueden ser incluso dañinas, así que prefiere disfrutar el silencio esta canción que estaba destinado a ser una balada de ritmo lento en Do menor, la demostración incluyó una armonio con el canto de Martin Gore La letra representa una gran paradoja al estar dedicada al silencio, pues en principio de estudio académico de la música se enseña que el intervalo entre nota y nota es el que realmente da la armonía; esto es, el Silencio, por lo cual se vuelve en verdadera poesía el sentido lírico del tema. paradójicamente en una letra dedicada al silencio repitiendo en su coro "Todo lo que quiero, Todo lo que necesito, Está aquí en mis manos, Las palabras son tan innecesarias, Ellas sólo pueden hacer daño".
DRONES-MUSE
Dead inside,Psicho,Reapers,Mercy,The handler.
https://www.youtube.com/watch?v=EqCo4T-QkGk
https://www.youtube.com/watch?v=I5sJhSNUkwQ
https://www.youtube.com/watch?v=UqLRqzTp6Rk
En cuanto a la idea de un álbum conceptual no es de extrañar: la inclinación a escribir letras siempre se ha comprometido. Un vistazo a los títulos de los discos anteriores o darse cuenta de que la página de Wikipedia dedicada a ellos alberga una sección que resume una serie de libros que han influido en sus letras. Por eso son al menos cinco datos que necesitas saber sobre el nuevo disco de Muse.
Es un álbum conceptual.
En un futuro quizás no tan lejos será posible cometer asesinatos mientras se esta sentado en el sofá de casa. Los hombres al mando controlarán el sistema y nos transformaran en robots (Una entidad no humana), que llevará a cabo las órdenes sin experimentar ningún tipo de emoción. Inspirado por una tecnología que aparece presente (el mercado de Drones para uso profesional, sino también recreativo, está creciendo aunque hay varios agujeros en su regulación) Muse describe un escenario dramático, distópico y conspiratorio. El tema se trata con crudeza: si excluimos la aparición ocasional de términos audaces, percibimos la clara intención de la banda de comunicar el concepto de forma explícita. Entre la ciencia y la ciencia ficción, el concepto de Bellamy y compañía aborda el tema del lavado de cerebro (inspiración claramente orwelliana) en un álbum conceptual donde el contenido es seductor y perturbador.
El comienzo es el final.
El single Dead Inside sirve como premisa y resolución: el grito de ayuda de un robot domestico, que en un momento de claridad se da cuenta de que él se convirtió a su vez un "controlador" que puede mentir, matar y reclutar más seguidores. El discurso militar es un preámbulo de Psycho introducido en un flashback: la promesa del sargento de transformar el conejillo de indias en un asesino despiadado. En el momento del secuestro es fotografiado por la posterior Mercy, mientras Reapers se centra en la figura del opresor. The Handler entonces entra en juego con la esperanza: el prisionero que busca una manera de salir de la humanidad y el emotivo discurso de John F. Kennedy termina con la frase "El hombre es lo que él había nacido para ser: libre e independiente". En este punto el sentimiento de esperanza se convierte en rebelión con Revolt, mientras que la trilogía final huele a rendición a pesar de que aquí juega un papel fundamental la interpretación personal.
Hay que escucharlo todo, sin interrupciones.
Drones da lo mejor cuando se escucha de principio a fin, una práctica que en tiempos de transmisión parece reservada exclusivamente para los nostálgicos y para aquellos que están dispuestos a comprometerse seriamente, tal vez poniendo el smartphone en modo avión y apagar el wi-fi. Y no nos referimos sólo a sus letras: musicalmente es realmente difícil separar una canción de las demás. Las canciones escuchadas individualmente sólo aprovechan la mitad.
https://www.youtube.com/watch?v=yj8Xpdx60Ws
https://www.youtube.com/watch?v=gcNEC9NaJuE
https://www.youtube.com/watch?v=0KRT_uoH1DU
HELTER SKELTER.
https://www.youtube.com/watch?v=kLWSQRNnGY8
DESCONTROL
Cuando llego abajo vuelvo a subirme al tobogán
Allí me paro , me giro y me tiro
Hasta que llego abajo y te vuelvo a ver
Dime,¿no quieres que te ame?
Bajo rápido pero estoy mucho más arriba que tú
Dime, dime,dime,venga, dame la respuesta
Quizás seas una amante pero no sabes bailar
Descontrol
Descontrol
Descontrol
Dime ¿no quieres que te lo haga?
Bajo rápido pero no dejes que te rompa
Dime,dime,dime la respuesta
Quizás seas una amante pero no sabes bailar
¡Cuidado! descontrol
Descontrol
Descontrol
¡cuidado!
Porque aquí llega
Cuando llego abajo vuelvo a subirme al tobogán
Ahí me paro, me giro y me tiro
Hasta que llego abajo y te vuelvo a ver
Dime ¿no quieres que te lo haga?
Bajo rápido pero no dejes que te rompa
Dime,dime,dime la respuesta
Quizás seas una amante pero no sabes bailar
¡Cuidado! descontrol
Descontrol
Descontrol
¡Cuidado!descontrol
Mira que rápido baja
Sí, muy rápido,sí, muy rápido
¡Tengo ampollas en los dedos!
Helter Skelter nació en la mente de Paul McCartney luego de leer un articulo que el famoso periodista musical de Melody Maker, Chris Welch, publicó en Guitar Player Magazine donde afirmaba que la canción "I can see for miles" de la agrupación inglesa The Who era "el rock más ruidoso, crudo y sucio de todos los tiempos".
McCartney se tomaría esta descripción como un reto y sin pensarlo un segundo se dispuso a componer una canción más ruidosa, más cruda y más sucia para incluirla en el ahora mítico Álbum Blanco de The Beatles.
Y no se descarta la posibilidad de que también surgiera por el afan de Mccartney por mostrar que no era solo el mas suave,blando o tierno de la banda.
Por el sonido agresivo que lograron se la considera un precedente de estilos posteriores, el primer ladrillo en el muro del heavy metal o el punk rock entre otros y varios críticos la denominaron "el tema de rock más feroz y brutal escuchado jamás". Su nombre original era "Heather Leather".
Helter Skelter se ha convertido en una de las grabaciones míticas de los Beatles a lo largo de los años. La canción mantiene el récord por ser la grabación más larga realizada por los The Beatles, exactamente 27:35 minutos en una toma que hasta el día de hoy se mantiene guardada.
La palabra helter-skelter que proviene del inglés, significa descontrol o precipitación pero también es como denominan a un tobogán típico de las ferias inglesas, compuesto por una torre rodeada por un tobogán en forma de espiral.
Paul McCartney afirma que tomó el tobogán como símbolo de "el viaje que se hace desde la cima hasta el fondo -la cima y la caída del imperio- y esta es la caída, el fallecimiento".
En 1969 El Álbum Blanco llega a manos de Charles Manson, un músico frustrado obsesionado con los Beatles, y gracias a su enorme imaginación desarrolló toda una teoría Apocalíptica inspirada en varias canciones del Album Blanco a la que llamo Helter Skelter.
Según el testimonio de uno de los miembros de la "Familia" (así se hacía llamar la secta liderada por Charles) el Helter Skelter empezaría "cuando el hombre negro vaya a las casa de la gente y robe a la gente blanca y los destruya físicamente [...] cortando sus cuerpos y esparciendo y escribiendo leyendas en los muros con su sangre [...] Después el hombre negro tendría el karma del hombre blanco y ellos mandarían y cuando esto ocurriera solo los miembros de la "familia" irían a un sitio en una zona del Death Valley [...] en ese lugar permanecerían hasta que la inferioridad propia del hombre negro no le permitiera seguir gobernando la Tierra, entonces ellos [...] tomarían el poder y dominarían la Tierra nuevamente, siendo servidos por esclavos negros. Jesucristo volvería a gobernar secundado por cinco ángeles: John Lennon, Ringo Starr, Geoge Harrison, Paul McCartney y Charles W. Manson"
Pero harto de la "pasividad del pueblo negro", Charles Manson ordenó a sus secuaces asesinar a las personas que se encontraban en el 10050 de Cielo Drive: Sharon Tate (esposa del cineasta Roman Polanski quien tenía 7 meses de embarazo), Wojciech Frykowski, Abigail Folger, Jay Sebring y Steven Parent. En la casa aparecía la inscripción Pigs, que hace alusión a la canción "Piggies", también de los Beatles.
Dos días más tarde asesinan al matrimonio LaBianca y es en esta escena del crimen donde se encontró la inscripción Helter Skelter en la puerta del refrigerador y no en la residencia Tate-Polanski como muchos creen.
La reacción de los Beatles ante este episodio es de horror. Ringo Starr, amigo de Polanski y Tate, no podia creer que el Álbum Blanco haya sido el detonador para esa cadena de crímenes. George Harrison declara años después: "Todo el mundo quiso aprovecharse del fenómeno Beatle: la policía, los promotores, los alcaldes y hasta los asesinos. Los Beatles constituían un tópico, el tema más comentado en el mundo y todos quisieron sacarle jugo fuera o no por nuestra culpa. Nos disgustó mucho que nos asociaran con un tipo tan indeseable como Charles Manson".
Lennon consideró que la interpretación de Manson era absurda. La afanosa búsqueda por parte de éste de signos y símbolos en las letras era típica de los fans de los Beatles, pero --igual de típico, según Lennon-- leyó un mensaje que simplemente no existía en la canción.
Pero no hagan como Charles Manson y los seguidores de su secta , que dieron un significado satánico y apocalíptico a esta canción , y no se les ocurrió otra cosa que entrar en una mansión de Hollywood , y ponerse a matar gente (entre ellas la actríz Sharon Tate , mujer de Roman Polanski) , para la historia de la crónica negra, quedan escritas con sangre ,en las paredes de la mansión , las palabras "Pigs" y "Helter skelter".
En su día, John Lennon fué llamado a testificar en el juicio , sobre el significado de la canción, pero nunca llegó a ír ,(entre otras cosas,porque el autor de la canción fué McCartney).
TE RECUERDO, AMANDA.
https://www.youtube.com/watch?v=1q2_zOfuGcA
"Te Recuerdo, Amanda" es una famosa canción del cantautor chileno Victor Jara publicada en su disco "Pongo en tus manos Abiertas..." de 1969. Este disco es, sin lugar a dudas, uno de los mejores en la corta pero fructífera carrera de Victor Jara (asesinado por los "valientes" soldados chilenos en 1973 solo por pensar distinto) y ha sido galardonado, con el paso de los años, con diversos premios y lugares en rankings históricos.
La canción es un homenaje a la mujer, especialmente a esa mujer casada con un obrero y que tiene que vivir las injusticias laborales, los malos pagos y hacer vida en ese contexto que les tocó asumir como familia. Jara en una entrevista con un medio cubano en 1969 señaló sobre la mujer y su importancia en la sociedad : "La mujer no es una esclava: es igual al hombre y tiene los mismos derechos. Pedirle a la mujer pureza y dedicación al hogar y al hombre no, es ser esclavista. El hombre no es nada sin la mujer".
La letra de la canción nos narra historia de amor de una pareja de obreros, donde la muchacha (Amanda) corre a ver a su amado (Manuel) quien luego muere al ser enviado a la Sierra.
Según Victor Jara: "Te recuerdo, Amanda es una canción que compuse en Londres. Ya tenía algo en mi cabeza. Es la historia de una pareja joven de obreros que conocí. Me hice amigo de ellos, supe de sus problemas y sentí cuando se separaron. En el hotel donde vivía en la capital inglesa, acompañado de mi guitarra, di forma a la canción".
Pero existe otra historia detrás de esta canción, que complementa la historia de esos obreros y le da mas sentido a esta gran canción. Según el libro "Como una Historia" de José Manuel García, esta canción fue escrita en 1968, cuando Victor jara se encontraba en Londres invitado por el British Council, debido a su grandes logros como director teatral, a pasar una temporada en Inglaterra para observar diversas obras de teatro que se hacía allí en ese momento. Mientras él se encontraba en Stratford-upon-Avon, en la celebración del aclamado Shakespeare´s Birthday, en Chile su hija Amanda, que por ese entonces tenía 3 años de edad, caía enferma al hospital. Jara al saber esa noticia, empezó a enviar cartas a su esposa para saber el estado de salud de su hija pero justo eran los días donde los funcionarios del Correo en Inglaterra se habían ido a huelga, lo cual hizo casi imposible saber más sobre la noticia. Así que, sentado en la cama de su hotel, y con un desbordante sentimiento de soledad y premonición compuso Te recuerdo, Amanda.
Lo nombres de los personajes de esta historia de amor, Manuel y Amanda, fueron ideados por Jara en homenaje a sus padres y su hija. Pero Joan Jara, esposa del cantautor, ha mencionado sobre el mensaje de la canción que "la gente se pregunta si la escribió por su madre o por su hija. Creo que no la dedicó específicamente a ninguna de las dos, si bien contiene la sonrisa de la madre y la promesa de juventud de su hija". En fin... solo Victor Jara sabe cual es el motivo real que llevó a escribir este vals con sentido social.
"Te recuerdo, Amanda" es de esas canciones que ya son parte del cancionero latinoamericano. Una obra clásica del idioma español, con su simpleza, con su melancolía en sus acordes y letras pero con sentido social, con una imagen real acompañada del folclor y la sangre sudamericana.
https://www.youtube.com/watch?v=NmqK0aXkHho
La canción surgió un día en el estudio de ensayo de la banda(el salón de baile de Huntington beach). Axl se encontraba en el piso de arriba, escribiendo letras para ajustar a alguna canción todavía por componer. En esa época Axl se encontraba profundamente enamorado de Erin Everly.
Steven Adler (Batería) y Slash estaban afinando los instrumentos, jugando con ellos, improvisando en una aparente locura en la cual nada tenía sentido. Ante un comentario jocoso de Duff (Bajista).."Vaya circo teneís montando" Slash comenzó a improvisar los primeros acordes, intentando emular una melodía de circo en broma.
Stradling, el genial guitarrista rítmico y compositor de los temas más grandes de los Guns, inquirió a Slash para que tocara de nuevo ese riff..y allí comenzó un Jam Session( sesión de improvisación).
Axle bajó a reunirse con sus compañeros tan pronto como se percató de lo que allí se estaba gestando.
5 minutos después la canción estaba terminada
En una entrevista con Eddie Trunk show 's radio de Nueva York en mayo de 2006, Axl Rose aseguró que su concepto original para el video, se centró en el tema de tráfico de drogas . Según Rose, el video debería representar a una mujer asiática, que lleva a un bebé en un país extranjero. Al final se descubriría que el niño estaba muerto y relleno de cocaína . Este concepto fue rechazado por Geffen Records .
Quisieron entonces los guns realizar un video fiel a cómo se compuso la canción, por ello se rodó en el mismo lugar en el que se compuso. En él, al tratarse de una oda a las parejas de los componentes del grupo, aparecen todas sus chicas. La mentada Erin Everly hija de Don Everly componente del grupo The Everly Brothers. También aparece Mandy Duff componente de un no muy conocido grupo de rock, incluso el perro de Izzy aparece en el video.
Existió una gran controversia con la edición de la canción. Las emisoras de Radio recortaron el solo de guitarra del maestro, lo cual ocasionó un gran malestar en el grupo...Axl declaró a la revista Rolling Stone.
"Mi voz no la cortan, pero mi parte favorita de la canción el el solo de Slash, es la parte más heavy de la canción, no hay ninguna razón para que falte,excepto para dejar hueco los anunciantes claro,así los dueños de las emisoras ganarán más dinero por publicidad"
Aún así la edición fue lanzada en vinilo de 7 pulgadas como "remix" mientras que el LP contenía la versión buena (Larga).
Esta versión a cargo de Slash es una rareza de las pocas que han respetado su esencia original.
https://www.youtube.com/watch?v=bRfc_Y_AsLo
Aunque existen infinidad de versiones, he de reconocer que personalmente ninguna de ellas me agrada, ya que el espíritu comercial que han tratado insuflar a la canción, le hace perder esa magia y fuerza que te hace galopar la sangre por la venas la primera vez que la escuchas...No seré yo quién difunda tales sacrilegios, pero la información de su existencia aquí queda.
Fuente:Revista Rolling stone.
https://www.youtube.com/watch?v=XFkzRNyygfk
"Creep" es el primer single lanzado por la banda británica Radiohead, el cual se emitió por primera vez en Septiembre de 1992, en Reino Unido por la BBC Radio 1. Inicialmente la canción no tuvo mucha difusión pues dicha Radio, la consideró demasiado depresiva y la retiró de la programación. Sin embargo, después de su re-lanzamiento en 1993, se convirtió en un éxito.
Sobre la canción Thom alguna vez brindó alguna explicación parcial: "Fue escrita cuando estaba en Exeter,y cuenta la historia de un estudiante ebrio que trata de llamar la atención de la mujer que lo atrae; al final su autoestima no le permite decírselo".
En otra ocasión el cantante expresó: "Tengo un gran problema siendo un hombre en los 90... cualquier hombre con sensibilidad o conciencia hacia el sexo opuesto tendría un problema. Imponerte en un modo masculino sin parecer que estás en una banda de rock duro es, de hecho, una cosa muy difícil de hacer... Se trata de la música que hacemos, que no es afeminada, pero tampoco brutal en su arrogancia. Es una de las cosas que siempre estoy intentando: confirmar una imagen sexual y por el otro lado negarla"
Lo cierto es que Thom Yorke escribió el tema mientras estudiaba Arte y Literatura en la Universidad de Exeter, y que hubo una muchacha atractiva quien lo inspiró en esos momentos.
Lo que pocos saben es que en realidad, la canción se refiere a la infancia del cantante, por lo cual la letra es una suma de tristes recuerdos disfrazados. Si bien es sabido que Thom nació con una parálisis facial congénita, él prefiere no hablar del tema o de su infancia. En su niñez tuvo que ser sometido a varias operaciones, hasta los casi seis años tuvo su ojo izquierdo paralizado y fue en la última intervención cuando quedó con una leve, pero notable, caída de párpados por la cual a partir de ese momento tuvo que llevar un parche en el ojo.
Toda esta serie de eventos desafortunados, lo marcaron y dejaron un poco tímido, haciéndolo sentir "creep", sobre todo al relacionarse con miembros del sexo opuesto, según contó uno de sus amigos íntimos en una reciente entrevista.
Nota: muchos críticos afirman que Creep es el verdadero "himno del rechazado". El cantante rse divierte con dicha denominación pero no le importa ponerse serio y decir que durante algunos años recibió cartas de asesinos, comentándole lo mucho que se indentificaban con el tema.
Fuente:
http://www.indyrock.es/radio2.htm#BIOGRAPHY
http://mentalfloss.com/
https://www.youtube.com/watch?v=yywL2rc-QZM
Lago en el Cielo:
Un lago en el cielo
quiero ser suave
para evitar tu dureza
apago tu fuego
enciende mi agua
puede que no haya certezas
Vamos despacio
para encontrarnos
el tiempo es arena en mis manos
sé por tus marcas
cuanto has amado
más de lo que prometiste
Hoy te apuré
(estaba tan sensible)
son espejismos que aumentan la sed
si adelanté no me hagas caso
a veces no puedo con la soledad
Vamos despacio
para encontrarnos
el tiempo es arena en mis manos.
sé por tus marcas
cuanto has dejado
para olvidar lo que hiciste
sentir algo que nunca sentiste
Sos el paisaje más soñado
y sacudiste las más sólidas tristezas
y respondiste cada vez que te he llamado.
Si bien sabemos que las letras de Cerati son un poco ambiguas en lo que respecta a su significado, el mismo Cerati las escribe para que cada uno de las personas que escuche cualquier pista pueda sacar conclusiones o incluso buscarle un significado íntimo y personal a cada tema. Esto hace que los temas compuestos por Gustavo sean únicos. Más de una vez hemos escuchado decir a Zeta Bosio y a Charly Alberti que ni ellos entendían lo que quería expresar Gustavo Adrián en las letras, y bueno he aquí la cuestión planteada en el párrafo anterior.
Lago en el Cielo es una pista del CD "¡Ahí Vamos!", CD con el cual el mismo Gustavo se declara hasta identificado con el título que eligió.
La letra de dicho tema en general y en una vista de perspectiva personal a lo que es el significado de la misma se orienta a una nueva relación que se origina entre dos personas. Durante todo el tema se habla sobre una cuestión más que importante en la vida de cada persona: el tiempo. Todos sabemos que las cosas se dan paso a paso, que no todo en la vida es cuestión de un día para el otro, y para que alguien se convierta en algo especial lleva mucho tiempo. Esta canción apunta precisamente a eso. Otra de las ideas principales del tema es la incertidumbre con la que se entabla una nueva relación viniendo lastimado de otra. El ser humano por naturaleza siempre se anticipa o quiere estar atento ante cualquier semejanza de un hecho indeseable del pasado, en otras palabras: evitar malas experiencias del pasado. Uno tiene que ser optimista, y empezar cada relación de cero, sin importar que haya pasado en el pasado y dejar las comparaciones de lado, porque cada persona es un mundo diferente. El tercer verso de la canción principalmente apunta a un tema tan temido por cualquiera: la soledad. ¿A quién le gusta estar solo? A NADIE. Más allá de lo que se pueda sentir en el momento que se conoce a alguien nuevo, uno se encuentra impaciente por llenar un vacío que le pudo haber dejado otra persona. La expresión "si adelanté no me hagas caso..." es una metáfora de un impulso sobre quién canta. ¿Impulso? No me vas a decir que nunca sentiste por alguna persona que apenas conocés y comienza a ocupar algo de simpatía en tu vida o que simplemente te haya ayudado en alguna cuestión importante para vos ganas de darle un abrazo. A eso es lo que se refiere Gustavo (creo yo) cuando habla de "adelantar". El último verso de la canción y con la que termina la letra antes de volver a repetir el estribillo es la parte más bella de la pista. ¿Quién nunca no ha soñado con qué le digan que es el paisaje más soñado? ¿Que pudo con todas las tristezas de alguien? ¿Que siempre estuvo cuando más lo precisaban? Es por ello que toda la canción en sí engloba un mensaje simple: ir despacio, el tiempo apremia a todos y quién sabe que esa persona que conoces y qué es nueva en tu vida puede ser el regalo más soñado y ser único, tanto para representar cosas que nunca sentiste.
https://www.youtube.com/watch?v=jputx5Gr2V0
Espejismo
(Beilinson - Solari)
La tierra gira, hoy, menos veloz
(en ciertas cosas, el diablo siempre es neutral).
Pasará, ya pasará
este espejismo pasará...
Cerrá los ojos y ves la boutique del rock
y sus jugadas que siguen saliendo bien.
Lo mejor de nuestra piel es lo que no nos deja huir...
Contra las cuerdas vas a desafinar
canciones tristes, bohemias, del corazón.
Borra el rastro tu dolor
y ya no te arrepentís
Una canción muy nostálgica, muy triste, esa melodía que antepone Skay a las palabras del Indio son el cóctel perfecto que invaden el corazón de todo ricotero cuando la escucha.
Creo particularmente que habla de un "viaje" con alguna droga. Alguna experiencia particular del indio tal vez.
Bastante claro resulta cuando el Indio expresa que la Tierra gira menos veloz, sus sentidos parecen haberse alterado. Y siempre sorprendentes las metáforas del indio a la hora de describir cosas tan concretas... En ciertas cosas el diablo siempre es neutral Creo que esa asociación metafísica con el viaje psicodélico es más difícil de explicar, particularmente desde lo personal, por no haber hecho la experiencia. Pero supongo que el Indio se refiere al sentimiento de lejanía, de sobrepasar los muros de la conciencia, de ese diablo neutral, y para explicarlo mejor voy a citar al Indio que cierta vez dijo ... La droga es siempre la droga, eso que está ahí. Los que somos diferentes somos nosotros, según lo que hacemos con ella. Tal vez se refiera a esa neutralidad, pero la interpretación es muy subjetiva.
Este espejismo pasará , el viaje, el efecto se disipará.
Cerrás los ojos y ves la boutique del rock. El hecho de cerrar los ojos, relacionado con ese viaje que está experimentando. La boutique del rock creo que hace alusión a la regularidad de las drogas en el ambiente del rock, como una especie de boutique, de farmacia. Sus jugadas que siguen saliendo bien, lo mejor de nuestra piel es que no nos deja huir. A pesar de todo, es muy difícil, como diría el gran Moris en su fantástico tema De nada sirve,... escaparse de uno mismo. Por eso la piel no nos deja huir, si bien deja divagar al espíritu, siempre el estado natural vuelve cuando el efecto de la droga se disipa, entonces la realidad sigue tal cual. Las jugadas de esa boutique sin embargo siguen saliendo bien, porque la gente busca de una forma u otra escaparse de esa realidad.
Contra las cuerdas vas a desafinar, canciones tristes dueñas del corazón Puedo verlo desde 2 perspectivas. Asociarlo con el método que muchos músicos emplean para componer, es decir, intoxicarse con drogas para dejar volar la conciencia y lograr crear obras psicodélicas como han sabido hacer grandes bandas como Los Beatles o Pink Floyd.
O más bien metafóricamente, refiriéndose a las cuerdas que sostienen nuestro espíritu, desafinándolas, transformándolas en cosas tristes, que habitan en el corazón.
Borra el rastro tu dolor y ya no te arrepentís. Es decir, le produce una sensación en la cual cree que sus dolores son formateados, disipados.
https://www.youtube.com/watch?v=7uEfxv3DQ5M (https://www.youtube.com/watch?v=7uEfxv3DQ5M)
"Sé que el mar'' describe un poco el momento de entender que estamos inmersos en una realidad mucho más basta, misteriosa y profundamente interconectada de lo que normalmente percibimos. Que nuestra locura es a veces la mejor guía y que el mero hecho de respirar es ya una batalla ganada, motivo de enorme dicha y agradecimiento.
Y el mar como llave y metáfora del diálogo simple y profundo del silencio y su música; y como foco y corolario... el Amor, aquel puente a todo lo que vale la pena."
Fuente :Guillermo Bonetto.
https://www.youtube.com/watch?v=hyrqdknARv0 (https://www.youtube.com/watch?v=hyrqdknARv0)
Su nombre inicial fue "en la calle de la sensación" y no paso mucho tiempo para que sea considerada como una de las mejores composiciones en la carrera artística de Charly Garcia.
Con el proyecto de la formación de una nueva banda aun sin nombre, ni canciones ni discos y faltando aun la incorporación de un baterista y un bajista, Charly y Lebon deciden tomarse unas vacaciones en la playa de Buzios junto a sus familias. En este contexto surge la inspiracion para escribir lo que fue la gran mayoria de todos los temas que en un futuro integrarían el primer álbum oficial de la banda. Entre estos temas estaban Seminare, El mendigo en el anden, la reescritura de "Nena" (Tema de la época de Sui Generis, que luego fue editado bajo el nombre de "Eiti Leda"), entre otras.
Han pasado ya mas de treinta años desde que Seminare ha visto la luz, y hasta el día de hoy todavía sigue cautivando a tantas personas, y eso se debe a su letra lo que la convierte en esa balada de amor que tanto gusta particularmente entre las chicas.
Cuenta acerca de dos jóvenes y la historia de amor que sucede a su alrededor.
Aquí el joven encarna al personaje romántico que intenta luchar por lo que ama siendo capaz de arriesgarlo todo o pelear contra cualquier obstáculo para hacer realidad su mayor anhelo.
Llega un momento donde se ve a si mismo abatido ya sin esperanzas, debido a que por mas que lo intente y lo de todo por ella, para esta chica nada es suficiente. ("Te doy Dios, quieres mas...").
La distancia que los separa a ambos pareciera ser el hecho de pertenecer a clase sociales diferentes ("...es que nunca comprenderás a un pobre pibe").
Pero a pesar de la superficialidad que abunda en su amada, sus ilusiones lo convencen de que en lo mas profundo de su corazón ella siente algo por el ("Si pudieras olvidar tu mente frente a mi, se que tu corazón diría que si.")
Motiva a su amada a buscar en lo profundo de su ser aquella verdad oculta demostrándole que tal vez no puede darle un futuro lleno de lujos o placeres pero le asegura que siempre estará a su lado para cuidarla y darle su amor.
Una historia donde el mismo amor que lo lleva a continuar adelante, tristemente desmorona sus sentimientos poco a poco.
Fuente:Revista Pelo, Rolling Stones.
Para vivir- Pablo Milanes.
https://www.youtube.com/watch?v=2wPyLFJM7rs (https://www.youtube.com/watch?v=2wPyLFJM7rs)
Esta es una canción del cantautor cubano Pablo Milanés, editado primeramente en el disco con el mismo nombre. A pesar de ser una de sus primeras canciones (y una muy triste), es aún una de las más conocidas y favoritas de la gente.
La primera etapa de la nueva pareja se centra en la pasión, conocerse mutuamente y pasar días enteros pensando el uno en el otro. Con el pasar del tiempo, se llega a una estabilidad agradable en la cual se atenúan un poco estos elementos, sin embargo a veces una relación lleva otro camino, en el cual no solo se borran aquellos lindos momentos, sino que cada día el cansancio de la situación se va tornando insostenible.
Cuando uno se apresura demasiado o cuando las diferencias se van acrecentando con el tiempo, se mira todo en retrospectiva para entender el porqué de lo que está pasando. Es entonces que se nota claramente que no bastaba con que una persona entienda y que muera por la otra; o que en contraparte la otra persona sirva de refugio para los fracasos. En la mayoría de los casos falta aquél factor desconocido que hace que un sentimiento vaya evolucionando en vez de morir, eso que llaman amor para vivir.
En otras ocasiones, por costumbre o temor a la soledad, se continua el tal vez tortuoso camino espinado, esperando que algún día el tiempo se hiciera cargo del fin y mientras tanto seguir jugado a hacer feliz a la otra persona. Faena arriesgada ya que el dolor no es menos y lo peor es que luego ya no se puede sentir.
En el mundo del amor las personas van creando corazas en el corazón después de cada herida, a veces a tal nivel que ya se convierte en una mortaja. Y aunque el llanto es amargo, piensa en los años que se tiene para vivir. La tristeza pasa, el corazón sana y el amor se transforma.
American pie - Don McLean.
https://www.youtube.com/watch?v=QWTvWG2tqUE (https://www.youtube.com/watch?v=QWTvWG2tqUE)
¿Cuándo fue el "día en que la música murió"? ¿Quiénes son el rey, la reina y el juglar? ¿Cuál es el dulce aroma que perfuma el aire donde los sargentos tocan al compás de una marcha? ¿Por qué Satanás ríe con placer? ¿De quién se despide el coro cuando canta "Bye-bye, Miss American Pie"?
Esos son apenas algunos de los misterios en la críptica letra de la clásica canción "American Pie", de Don McLean, que los amantes del rock y pop han estado tratando de interpretar durante más de cuatro décadas.
El significado de 'American Pie' es que nunca tendré que volver a trabajar
Don Mclean
Según algunos, el tema –catalogado por algunos como la "Canción del Siglo"– describe la historia del rock durante su período más inspirado y turbulento.
Y esto podría confirmarse, o desmentirse, luego de que este martes se subastara en Nueva York el manuscrito original de 1971, el que incluye 16 páginas en el puño y letra de McLean, con versos alternativos y sendas anotaciones.
El manuscrito estuvo olvidado y escondido en una caja en la casa del autor durante 43 años.
Y se vendió este martes por US$1.205.000.
El himno de una generación
Más allá del valor del documento mismo, para los aficionados de "American Pie" hay un tesoro más valioso: los borradores, sin editar, revelan el proceso creativo detrás de la canción "de principio a fin", según Tom Lecky, de la casa de subastas Christie's.
"Se ven grandes momentos de inspiración, se le ve intentando cosas que no funcionaron. El camino que tomó inicialmente y que después no quiso seguir", explicó Lecky.
"Esas palabras que todos conocemos tan bien no estuvieron fijas al comienzo", destacó.
Se ven grandes momentos de inspiración, se le ve intentando cosas que no funcionaron. El camino que tomó inicialmente y que después no quiso seguir
Tom Lecky, Casa de Subastas Christie's
Y aunque durante años Don McLean mantuvo silencio respecto al mensaje y significado de su más famosa canción, el cantante manifestó recientemente que "el escrito y las letras revelarán todo lo que hay que revelar".
Pero, ¿podrá ser tan diferente a las teorías que los estudiosos de "American Pie" han arrojado todo este tiempo?
La canción es definitivamente épica y bien merece el título de "Canción del Siglo".
Sus seis versos, con el pegajoso coro intercalado, duran más de ocho minutos y, según muchos expertos, describen la historia del rock'n'roll desde sus orígenes en los inocentes años 50, su espléndido desarrollo durante los turbulentos 60 y su decadencia al entrar en los 70.
McLean combina esta cronología con su propia experiencia, enfrentado a los acontecimientos mundiales y a la transformación de las tendencias musicales que se vuelven la pista sonora de una adolescencia optimista, luego de una juventud rebelde y, finalmente, de una madurez desilusionada.
Fue así que se convirtió en el himno de toda una generación, que memorizó cada verso y los trasmitió a sus hijos y estos a los suyos, quienes ahora los tararean tal vez sin saber qué significan.
"Bye-bye, Miss American Pie, drove my Chevy to the levy but the levy was dry..."
("Adiós, señorita del Pie Americano, fui en mi auto Chevy hasta el dique pero el dique estaba seco...").
Para muchos, esos versos esconden la añoranza de tiempos pasados.
Nada es más "americano" (o estadounidense) que el pastel de manzana (apple pie), el automóvil marca Chevrolet (Chevy) y la sensación de libertad y aventura que le brindaba para ir a donde quisiera.
McLean, cantando en primera persona, se está despidiendo de todo esto porque, como dice en el sombrío comienzo del tema, fue "el día en que la música murió" ("The day the music died").
Es una referencia específica al 3 de febrero de 1959, cuando tres estrellas de la música popular murieron en un accidente de avioneta: el pionero del rock Buddy Holly, el DJ conocido como the Big Bopper, y Richie Valens, uno de los primeros latinos del rock y autor de "La Bamba".
El rock y la sociedad se transforman
La noticia de la tragedia no sólo transformó la música y a sus intérpretes, transformó el mundo de McLean y los valores con los que se crio.
Ya no es el energético potrillo conduciendo confiado en su camioneta con un clavel en la solapa y ha perdido a su novia, a quien ve bailando con otro en la danza de la escuela.
Con la pérdida de la inocencia también tambalean los íconos de su adolescencia. Elvis el "rey del rock" es usurpado por un "juglar" vestido con "una chaqueta prestada de James Dean".
Escribiste el Libro del Amor?¿Puede la música salvar tu alma mortal?
"American Pie" de Doug Mclean
"And when the King was looking down, the jester stole his thorny crown..." ("Y cuando el Rey no estaba mirando, el juglar robó su corona de espinas"), dice la canción.
Y el juglar no es otro que Bob Dylan, la "nueva voz de la generación de los 60" que en muchas canciones hace referencia al personaje bufonesco y quien, en la carátula de su álbum revelación, está vestido en una chaqueta de cuero a la "James Dean".
Entran luego en la escena, el "cuarteto tocando en el parque" ("The quartet playing in the park"), en referencia a los Beatles, a quienes también identifica como los "sargentos" en alusión al famoso álbum "La Banda del Sargento Pepper".
Este período está enmarcado por el llamado "Verano del Amor", de 1967, que impregnó el aire de marihuana, el "dulce perfume" que menciona McLean.
"American Pie" está cargada de simbología religiosa, pero eso es lo que el rock es hasta cierto punto.
Sus letras son una especie de biblia, un mantra de las jóvenes generaciones: "¿Escribiste el Libro del Amor?¿Puede la música salvar tu alma mortal" ("Did you write the Book of Love? Can music save your mortal soul?").
Son el amor y la salvación predicados por las nuevas deidades como John, Paul, George, Ringo y otros en respuesta a la guerra institucionalizada por los gobiernos en el poder, la brutalidad de la policía, la violencia politizada.
El diablo y su séquito
Pero donde hay dioses, también hay demonios y agentes del infierno.
Y con eso se abre el telón sobre Jack Flash: nada más y nada menos que Mick Jagger y los Rolling Stones que, en esa época tenían éxitos titulados "Jumpin' Jack Flash" y "Simpatía por el Diablo".
En diciembre de 1969, los Rolling Stones dieron un concierto gratis cerca de San Francisco, para toda esta "generación perdida en el espacio" ("A generation lost in space") que se tornó violento.
El conjunto contrató al rudo grupo de motociclistas Hell's Angels (los Ángeles del Infierno) para mantener el orden del público. Uno de ellos terminó matando de una puñalada a un espectador mientras Mick Jagger cantaba en el escenario envuelto en una diabólica capa roja.
Ningún ángel nacido en el infierno pudo romper ese hechizo satánico
"American Pie" de Doug Mclean
"Ningún ángel nacido en el infierno pudo romper ese hechizo satánico" ("No angel born in hell could break that Satan's spell"), cantó McLean.
Para muchos observadores ese evento puso punto final al idealismo de los 60. El idealismo, tan vívidamente expresado en la música, había muerto.
La música murió, aunque no literalmente. La música rock, como todo arte, tiene ciclos que también reflejan el vaivén de la historia. Se regenera, se desarrolla, llega a su auge y luego desciende.
Pero, realmente, no desaparece. Por eso es, tal vez, que generación tras generación se reencuentra con "American Pie" y la hace suya. Nuevos artistas graban sus propias versiones, una de las más destacadas siendo la de Madonna.
Y Don McLean, a través de sus manuscritos, esta vez ofrecerá una explicación sobre el significado de su éxito discográfico que será mucho más amplia que la que había venido dando durante años, cada vez que era interrogado.
"El significado de 'American Pie' es que nunca tendré que volver a trabajar", era su respuesta.
Fuente:BBC Mundo.
Queen - Save me.
https://www.youtube.com/watch?v=Iw3izcZd9zU
Todas las canciones de Queen, creo que tienen muchisima fuerza y expresan de una manera espectacular lo que quieren decir, son unos músicos geniales y Freddie el mejor cantante que hay, un ídolo, una leyenda del rock, te hacen sentir el dolor, llorar, reir... sentirte totalmente identificado.
Escribía para hablar de una canción en particular: Save Me. Como bien dije, todas me expresan algo, pero Save Me, su letra expresa el dolor de alguien que no sabe cómo una relación puede llegar al punto de preguntarse "¿fue desperdiciado todo ese amor?", cosa que muchas veces me pregunté también yo. Aparte, es impresionante la fuerza, con las ganas que dice "sálvame, no puedo enfrentar esta vida solo", y quién no tuvo ganas más de una vez de decir "aquí hay un alma para alquilar o rentar", tiene una letra hermosa, pero creo que si no la cantara Freddie y Queen no sería lo mismo, son ellos los que trasmiten todos esos sentimientos, es impresionante... simplemente magnífico.
Save Me es una canción que muestra a alguien hundido en un profundo dolor y que busca a aquella persona que le prometió amarlo para que lo salve. Cuando dice que está desnudo ("I´m naked and I´m far from home") da a entender cuán solo se encuentra. Esta canción es una obra de arte.
Mas allá del significado de la letra (bastante simple y claro en este caso), escuchar una canción de Queen de este tipo, me produce un estado de elevación difícil de describir. No cabe duda que el lenguaje musical (las melodías, los coros angelicales, las complejas e inextricables armonías) posee la virtud de penetrar lo mas profundo del espíritu. Aunque se precisa mucho para lograr tal cosa. Queen logra esto como ningún otro grupo.
Escuchar un gran tema de Queen es quedar, de pronto, inmerso en un mágico e intemporal refugio. Refugio que nos separa, por inmensurable sima, de las vulgaridades y sin sentidos del mundo. Un paréntesis en el cual cesa la lógica de los procesos mundanos, un "sin tiempo" que, en mi caso al menos, es el oxígeno del alma. Algunas veces un buen libro nos depara un goce similar, rescatándonos por un momento de los oscuros dédalos cotidianos.
Si hasta en Save me, Freddie pareciera ser cualquier cosa menos humano, con una voz angelical que tal vez ni la lira de Orfeo podría igualar.
Aparte de que, "Save me" posee un mensaje imperecedero: siempre necesitamos de un otro que nos salve. ¿Qué sería de nosotros si a cada paso que damos en nuestra vida no apareciera siempre alguien que nos rescata?, tal vez sin darnos cuenta, pero creo que, secretamente, siempre hay un otro que nos salva, y por eso sobrevivimos hasta hoy.
Todos sentimos en algún momento lo que sentía Dante al inicio de la Divina Comedia "me encontraba solo en una oscura selva, suyo solo recuerdo evoca su pavor y temor a la muerte". Save me, es esa imperecedera llamada hacia alguien que nos rescate de esa "selva oscura".
Los mocosos -Los piojos.
https://www.youtube.com/watch?v=vIxXEwpa7hU
Este es un tema que habla de las estaciones de trenes y los pibes que piden plata, donde se los ve a veces drogándose acabando con su futuro. Es, probablemente, el tema que mas identifica a Los Piojos con sus fanáticos.
"En la tierra del ruido y la prostitución,y las calles mugrientas, con mercados hambrientos que perforan la estación como largas culebras...", describe un poco como son las estaciones y como es viajar en tren. Prostitutas en algunos lugares, ruidos de autos, gente apurada, y los negocios en las estaciones.
"Los mocosos se trepan y se van hacia el sol, en los trenes de piedra", los pibes que viven en la calle y no tienen donde ir, andan pidiendo plata en las estaciones y arriba del tren.
"Me pregunto porqué esa gente no ve detrás de los ventanales, los mocosos se trepan y se van hacia el sol a buscar a sus madres, los mocosos se trepan y se van hacia el sol, a buscar a sus mamás", critica a las personas que parecen estar ciegas en su mundo, y no ven el problema que hay frente a sus narices ignorándolo y sin hacer ningún esfuerzo por ayudar.
"¿Creíste estar en su lugar?" Es una pregunta con un poco de doble sentido, diciendo que siempre hay gente que está peor que uno.
TODO CAMBIA.
""Julio Numhauser""" compuso la canción Todo cambia luego de tener que irse de Chile. La canción transmite con imágenes de gran belleza sus emociones en el exilio frente al cambio, al punto de escribir un poema de validez universal. La letra llama a aceptar el cambio, como algo natural, pero también a preservar los sentimientos y valores profundos, así como a esperar que "lo que cambió ayer, tendrá que cambiar mañana".
MERCEDES SOSA LA CANTO Y LA HIZO POPULAR ACA EN ARGENTINA A fines de la década del 70, la Junta Militar estaba implementando una política de represión que cobraría la escalofriante cifra de 30 mil desaparecidos políticos, MERCEDES luego de ser detenida durante un concierto en la ciudad de la Plata junto a 350 espectadores, debió exiliarse.
"""EN SINTENSIS, TODO CAMBIA MENOS EL AMOR A LA PATRIA""""
Pero no cambia mi amor
por más lejos que me encuentre.
Ni el recuerdo ni el dolor
de mi pueblo, de mi gente.
TODO CAMBIA DE JULIO NUMHAUSER
Esta canción fue compuesta por el chileno Julio Numhauser exhiliado en Okar, un pueblo de Suecia, tras el golpe de estado de Pinochet, en 1973. Julio Numhauser fue fundador del grupo Quilapayun y su canción ha sido interpretada por un buen número de cantantes pero quién ha popularizado la misma es Mercedes Sosa. Se incluyen aquí la versión original de Numhauser y la interpretación de Mercedes Sosa y Rosario
La versión más conocida, la interpretada por Mercedes Sosa.
https://www.youtube.com/watch?v=Za75SkduQX8
TODO CAMBIA
Cambia lo superficial.
Cambia también lo profundo.
Cambia el modo de pensar.
Cambia todo en este mundo.
Cambia el clima con los años.
Cambia el pastor su rebaño.
Y así como todo cambia,
que yo cambie no es extraño.
Cambia el más fino brillante
de mano en mano su brillo.
Cambia el nido el pajarillo.
Cambia el sentir un amante.
Cambia el rumbo el caminante,
aunque esto le cause daño.
Y así como todo cambia,
que yo cambie no es extraño.
Cambia, todo cambia.
Cambia, todo cambia.
Cambia, todo cambia.
Cambia, todo cambia.
Cambia el sol en su carrera
cuando la noche subsiste.
Cambia la planta y se viste
de verde en la primavera.
Cambia el pelaje la fiera.
Cambia el cabello el anciano.
Y así como todo cambia,
que yo cambie no es extraño.
Pero no cambia mi amor,
por más lejos que me encuentre.
Ni el recuerdo ni el dolor
de mi pueblo, de mi gente.
Y lo que cambió ayer,
tendrá que cambiar mañana.
Así como cambio yo
en esta tierra lejana.
Pero no cambia mi amor,
por más lejos que me encuentre.
Ni el recuerdo ni el dolor
de mi pueblo, de mi gente.
Y lo que cambió ayer,
tendrá que cambiar mañana.
Así como cambio yo
en esta tierra lejana.
Cambia, todo cambia.
Cambia, todo cambia.
Cambia, todo cambia.
Cambia, todo cambia.
https://www.youtube.com/watch?v=uNPbMiCdeLU
Es lamentable e injusto que no se diga que en 1920 Don Alfonso Carrizo catamarqueño hizo la recopilación de este estilo que se cantaba en la época popularmente...es probable que Julio se haya llenado de plata con los derechos y está bien porque la música es de él pero la letra no es de él...es un choreo total del estilo escrito en los libros de Carrizo muchísimo antes del 74...es más don Alfonso murió en 1957...lean la letra original y sean honestos...
Muda la vana esperanza (estilo)
Recopilación: Juan Alfonso Carrizo
Muda la vana esperanza
muda todo lo profundo
de modo que en este mundo
todo presenta mudanza
Muda el fiel de la balanza
muda el clima de los años
muda el agua desde antaño
por su vertiente menuda
Y así como todo muda
que yo mude no es extraño
Muda el más fino diamante
de mano en mano su brillo
muda el nido el pajarillo
muda el pensar un amante
También muda el navegante
su rumbo con mucho amaño
y con disgusto tamaño
muda de traje una viuda
Y asi como todo muda
que yo mude no es extraño
Muda en el agreste llano
su guarida el bayo puma
mudan los mares su espuma
muda cabello el anciano
Muda la planta en verano
sus hojas sin grave daño
muda el pastor su rebaño
para ver si dios lo ayuda
Y así como todo muda
que yo mude no es extraño
Muda el sol en su carrera
cuando la noche no existe
muda el campo y se reviste
de verde la primavera
Muda de pelo la fiera
muda de color el pan
muda el niño ante el regaño
que en su amor vierte la duda
Y así como todo muda
que yo mude no es extraño.
Juan Alfonso Carrizo
https://www.youtube.com/watch?v=_EZObNDIivE
Fuente:"EDUCACIÓN PARA LA SOLIDARIDAD" otra mirada hacia la educación.
Libre - Nino Bravo.
No falta en la listas de reproducción de cualquier fiesta que se precie. La hemos cantado en multitud de ocasiones; su letra y melodía inspiran alegría, libertad e incluso exaltación. Pero una de las canciones más exitosas de la música española, «Libre» de Nino Bravo, esconde también una triste historia en su origen.
Debemos trasladarnos hasta el corazón de Europa. Corría el año 1962 cuando el recién estrenado muro de Berlín cobraría su primera víctima y probablemente la más notoria.
Peter Fechter era un obrero de la construcción alemán que -cansado de esperar- un día intentó escapar de la República Democrática Alemana junto con su amigo Helmut Kulbeik.
Ambos habían tramado un plan para esconderse en un taller de carpintería cerca del «muro de la vergüenza» donde observarían a los guardias y después saltarían desde una ventana en el momento adecuado hasta el llamado corredor de la muerte (un espacio entre el muro principal y un muro paralelo que recientemente se había empezado a construir). Si todo salía bien, correrían por este corredor hasta una pared cercana al checkpoint Charlie, en el distrito de Kreuzberg en Berlín occidental.
Pero su aventura no tuvo un final feliz, al menos para Fechter, que al tratar de escalar la pared final fue avistado y disparado por los guardias, cayendo de nuevo en el lado este. Estuvo gritando y desangrándose durante cerca de una hora, pero no recibió ayuda médica de ninguna de las partes, que tenían miedo a posibles represalias.
Tras la reunificación alemana, se construyó un monumento en su honor y el de las otras 270 personas que perdieron su vida tratando de buscar la libertad. Una libertad que también supo dedicar Nino Bravo a nuestro amigo Peter Fechter.
https://www.youtube.com/watch?v=7812dngARbk
Born in the USA – Bruce Springsteen
https://www.youtube.com/watch?v=lZD4ezDbbu4
Si escuchas esta canción, pensarás que es un himno al orgullo americano al orgullo estadounidense, pero la realidad es que la gente escucha lo que quiere escuchar y que lo que quiere creer, la canción fue realmente creada para mostrar como eran tratados los veteranos de la Guerra de Vietnam cuando regresaban a casa.
Esta canción es la antítesis de el sueño americano la canción captura los sentimientos de la clase trabajadora en una América post-Vietnam.
El mismo Bruce Springsteen comenta que el protagonista de esta canción es un ciudadano aislado del gobierno, aislado de su familia hasta el punto en el que nada tiene sentido.
Total Eclipse of the Heart - Bonnie Tyler
https://www.youtube.com/watch?v=lcOxhH8N3Bo
Es sin duda alguna, una de las canciones más famosas de la década de los ochenta. Además de la versión original interpretada por Bonnie Tyler, esta composición ha sido traducida a varios idiomas y siguen realizándose numerosas versiones de este clásico año tras año.
La historia que se narra en esta canción se encuentra contada por una mujer que sufre, en demasía, las consecuencias de una ruptura amorosa. La soledad y los recuerdos de lo que vivió con aquella persona especial en el pasado siguen atormentándola. Ahora, únicamente le pide que se dé la vuelta a mirarla nuevamente como lo hizo anteriormente; no obstante, ella sabe que esto nunca ocurrirá porque se ha presentado un eclipse total en su corazón donde ella jamás podrá volver a brillar para los ojos de él.
En la mayoría de las estrofas es recurrente el verso "Turn around" (Date la vuelta), el cual es interpretado por una voz masculina. Esta frase podría contar con dos interpretaciones: 1) la narradora le pide a la otra persona que vuelva a mirarla nuevamente como antes lo hacía o 2) una petición de su ex pareja —incluso se escucha la voz de un varón— para que la protagonista dé la media vuelta y deje de insistirle.
A continuación se comenzará con el análisis de cada una de las estrofas omitiendo estos versos intercalados que ya se han explicado en el párrafo anterior. En la primera estrofa, la narradora expresa cuál es su estado actual, ella se siente bastante solitaria y esto se agrava cuando recuerda que él —su antigua pareja— nunca volverá a su lado. La soledad la agobia en demasía y la tiene envuelta en una profunda depresión en donde ella ya se ha cansado de llorar y de "escuchar cómo caen sus lágrimas".
Además de la soledad, los recuerdos son los principales enemigos de la narradora, ya que le hacen creer que los mejores años de su vida se han ido para siempre y que ahora sólo le esperan años de sufrimiento rememorando todo lo acontecido. Estas crisis se agravan en el momento en que ella recuerda cómo la miraba aquella persona especial con sus ojos brillantes, cosa que es lo que —realmente— la hace derrumbarse ante la idea de que las cosas han cambiado y que no podrán ser como antes.
En la segunda estrofa, la protagonista cuenta que, constantemente, se encuentra inquieta y que sueña con atreverse a hacer algo "salvaje", cosa que podría ser entendida como su deseo de regresar a pedirle que retomen su relación. Ella se siente abatida y desvalida, pero al mismo tiempo siente furia y miedo por todo lo que ha ocurrido. Tiene miedo de poder rehacer su vida, se siente furiosa porque —seguramente— ella fue la causante del rompimiento y desvalida porque no hay nada que pueda hacer para remediar lo ocurrido.
Ya en el coro, la dinámica de la canción cambia bastante desapareciendo la voz masculina que alternaba con algunos versos. En estas estrofas que conforman el coro, se da el quiebre emocional de la narradora, ya que confiesa que necesita que su antigua pareja regrese a su lado esa misma noche; incluso menciona que lo necesita más que antes. Esto, seguramente, a que con la distancia y el sufrimiento se ha percatado que él era realmente valioso para ella.
Ella le comenta que si él decide abrazarla una vez más, esto será para siempre, esto no sería ningún error, ya que están destinados a pasar el resto de su vida juntos. Estos versos permiten apreciar cuál es la concepción que tiene la narradora de la situación, da a entender que se trataba de una relación idílica, únicamente faltaría obtener la visión del otro individuo implicado para poder contrastarla con la de la protagonista, pero si él no ha decidido aceptarla nuevamente podría tener motivos para no hacerlo.
Asimismo, la protagonista menciona que el amor que sigue sintiendo hacia él se hacia él se ha convertido en una sombra que la rodea a todo momento. Se ha obsesionado y desea, fervientemente, regresar a su lado y los mismos recuerdos la conducen a esta especie de crisis de ansiedad donde ella no sabe qué hacer a continuación y siente que vive en una continua obscuridad. Todo esto queda sintetizado en el último verso de una de las estrofas del coro: "We're livin' in a powder keg and givin' off sparks" (Estamos viviendo en un barril de pólvora que está haciendo chispas), ambos se encuentran en un estado de cierta pasividad afectiva y únicamente basta una chispa para que el amor que profesaban el uno hacia el otro pueda reactivarse.
La narradora continúa insistiendo que desea verlo esa noche, si él acepta esa noche escribirían el primer día del "para siempre", ya que no volvería a cometer los errores de antaño. No obstante, se da a entender la negativa por parte de él, ya que la protagonista cambia por completo el sentido de los siguientes versos de la canción dando a entender que alguna vez ella estuvo completamente enamorada, pero ahora se cae en pedazos sin poder hacer nada para solucionarlo. En su corazón se ha presentado un eclipse eterno que le impide volver a amar, pero que deja ver un pequeño halo de luz que le recuerda el amor que añora y le atormenta, a la vez. Alguna vez tuvo para ella toda esa luz que se deja entrever, pero ahora sólo quedan los recuerdos: "Now there's only love in the dark" (Ahora sólo hay amor en la obscuridad).
Una última estrofa continúa expresando la melancolía de la narradora ante la imposibilidad de recuperar lo que perdió debido a ese eclipse total y absoluto que se presentó en su corazón. Ella valora que su antigua pareja fue la única persona capaz de valorarla y apreciarla por lo que realmente es, por esto mismo ella lo sigue teniendo en una alta estima donde, incluso, ella estaría dispuesta a darlo todo por él. La canción concluye con varias súplicas de que aquella persona con los ojos brillantes dé la media vuelta para mirarla nuevamente.
"Johnny B. Goode"
"Johnny B. Goode" es una canción escrita e interpretada por Chuck Berry en 1958. Forma parte del disco Chuck Berry is on Top publicado en 1958.
Es considerada por muchos criticos musicales como una de las primeras canciones de rock and roll puro de las que se tiene constancia.
La canción puede interpretarse como la versión musicalizada en rock and roll del sueño americano ya que nos relata la historia de un joven de campo que vive en la pobreza y tiene el sueño de convertirse en una estrella a base de arduo esfuerzo y su destreza tocando la guitarra (como dice el tema, el joven podia "tocar una guitarra como si fuera una campana")
Aunque en varias partes de la letra se puede notar un toque autobiográfico, Berry ha mencionado tambien que parte de la inspiración tambien vino de Johnnie Johnson que era el pianista y compositor en varias canciones del musico estadounidense que fue influencia en muchas bandas de rock que vinieron con el tiempo.
Se dice que Johnson estaba algo "pasado de copas" junto a Chuck Berry y que en esa junta el guitarrista le respondía siempre a su amigo con la frase "Johnnie be good". Al acordarse de esas llamativas palabras, empezó a escribir la canción.
A pesar de que Johnny Johnson colaboró en ideas para este tema junto a Chuck Berry, quien tocó el piano en la grabación fue Lafayette Leake, se deconoce el por qué no participó Johnnie.
Chuck ha dicho que al principio escribio el tema con la frase 'coloured boy' ( en español "chico de color") en vez de 'country boy' (que viene siendo "chico del campo"), pero los hermanos Chess (que eran los productores del disco) decidieron que eso no vendería y tambien podria traer problemas raciales lo cual traeria la censura en los medios.
Otro dato sobre el tema: Como una posible fuente para el apellido del personaje de la canción, se ha señalado que viene del lugar donde nació Berry, especificamente Goode Avenue en St. Louis.
El sonoro riff de guitarra que se escucha en la apertura de "Johnny B. Goode" puede ser considerados como uno de los riffs más famosos de la historia de rock and roll. Es esencialmente basado en el riff de una canción de Louis Jordan's publicada en 1946 titulada "Ain't That Just Like a Woman" que fue interpretado por el guitarrista Carl Hogan.
Este clasico del rock and roll fue elegida como uno de los logros más grandes de la humanidad dentro de la colección de obras culturales que se mandaron en la sonda espacial Voyager I.
Además, esta canción fue colocada en el puesto 7 dentro del ranking de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, según la perspectiva de la revista Rolling Stone, y el puesto número uno en la lista de Las 100 canciones de guitarra más grandes de todos los tiempos, hecho por la misma revista.
De hecho ,consciente de la importancia de la canción a su fama y su imagen como musico, Berry ha escrito dos canciones sobre su personaje Johnny, "Bye Bye Johnny" y "Go Go Go", hasta le hizo un álbum instrumental titulado como "Concerto in B. Goode".
Otra de la apariciones clasicas de esta canción es la que se hizo en la famosa pelicula Regreso al futuro, donde el personaje principal Marty McFly, interpretado por Michael J. Fox, tocó esta canción en un baile de instituto de manera magistral. De hecho en la cinta se infiere que fue McFly quien inspiró a Chuck Berry ya que mientras tocaba un musico llamaba a "Chuck" para contarle el nuevo sonido que estaba deleitando sus oidos. En ese tono humoristico se da a conocer que el nacimiento de los ritmos siguientes de las piezas de rock, y eventualmente la aclamada Johnny B. Goode vienen del protagonista y con el sentido que la película imprime, o sea al concepto de los actos y consecuencias a través del viaje en el tiempo.
https://www.youtube.com/watch?v=MEtLeoNW6Sw
DO YOU REMEMBER ROCK'N'ROLL RADIO? / THE RAMONES
"Do You Remember Rock 'n' Roll Radio?" es una canción de la banda de punk-rock The Ramones. Esta canción escita por Joey Ramone fue el segundo sencillo lanzado para promocionar el disco End of the Century de 1980.
Lo que mas llamó la atención entre le publico fiel a la banda fue el radical cambio de sonido que trae esta pieza. Esto se debe en parte a un intento de alcanzar el éxito comercial con la labor de su nuevo productor, el famoso Phil Spector.
Esta banda que conquistó el mundo con sus canciones de tres acordes se fue en una experimentacion mas compleja en "Rock 'n' Roll Radio" basandose en muchas canciones pop de la década de los 50 que la banda creció escuchando. The Ramones le intentaba devolver al rock and roll sus raíces más básicas dejando de lado los movimientos de finales de la decada de los 60's con el rock Psicodelico y los inicios del pop setentero.
La letra de la canción es una referencia al por qué formaron una banda de este estilo musical y ademas se da el lujo de mencionar muchas de las influencias juveniles de miembros de la banda como: John Lennon, Jerry Lee Lewis y The Beach Boys. Otra de las ideas que plantea la letra es que el rock and roll siempre esta cambiando y que eso hace que no desaparesca.
Musicalmente se utilizaron junto con la guitarra, batería y el bajo, un piano, trompeta, trombón y saxofón. Al igual que en esos clasicos del rock & roll de 1950, el saxofón es el principal instrumento en lugar de la guitarra.
La apertura y el cierre de la canción muestra una emisora de radio de una sintonía de rock 'n' roll.
Esta canción es una de las mas famosas de la banda oriunda de Queens y se ha convertido en una de sus piezas mas perdurables. Cuando era ejecutada en vivo, la parte del saxo era reemplazada por una gran parte de bajo.
Debido a su exito y en homenaje a esta canción de los Ramones, en el año 2005 fue creado un programa de radio llamado "Rock 'n Roll Radio" en la radioemisora WESU Middletown bajo el dial 88.1FM, que es una radio del estado de Connecticut en "yanquilandia".
Otro dato sobre este temazo es que en los partidos del club español Alavés (actualmente en la segunda división) se coloca esta canción por los parlantes del estadio de Mendizorroza mientras ruda la pelota por el cesped.
Existe tambien una varsión hecha por los "enmascarados" de Kiss, la cual aparece en el álbum homenaje de los Ramones We're a Happy Family: A Tribute to the Ramones.
https://www.youtube.com/watch?v=loFLdYM79gY
CARUSO -LUCIO DALLA.
La canción está inspirada en la muerte del gran tenor italiano Enrico Caruso, y habla del dolor y los anhelos de un hombre que, estando a punto de morir, mira a los ojos a una niña muy querida para él.
Según explicó Lucio Dalla en una entrevista publicada por Il Corriere della Sera,3 la canción se inspiró en las historias sobre la muerte de Enrico Caruso que le contaron los propietarios de un hotel de Sarrento en el que se alojó una vez que se vio obligado a hacer una escala allí con su barco. Dalla pasó la noche en la misma habitación en que, muchos años antes, Caruso había pasado algunos de sus últimos días. Los propietarios del hotel le hablaron de la pasión que por aquel entonces Caruso sentía por una joven a quien le estaba dando lecciones de canto. Enrico Caruso, una gran leyenda de la ópera, era uno de los más grandes y más buscados después de los cantantes durante finales de los 19 y principios del siglo 20. Vivió una vida muy difícil y bastante infeliz que se hayan registrado muchos desafíos y problemas con los teatros de ópera italianos, pero ganó más fama y el éxito en los Estados Unidos.
Él nació en una familia muy pobre en Nápoles. Él estaba a menudo involucrado con las mujeres y tuvo varios amoríos con mujeres casadas prominentes en las artes escénicas. Estos amores a menudo terminaban mal. Con Ada Giachetti (su más apasionada y más larga historia de amor) que ya estaba casado, tenía dos hijos, pero al final ella lo dejó por su chofer. Entonces conoció y se casó con una mujer 20 años menor que él, Dorothy Parque Benjamin, sólo unos pocos años antes de morir, a quien Lucio Dalla describe en esta canción "Caruso". Con ella tuvo una hija llamada Gloria.
Guardò negli occhi la ragazza quegli occhi verdi come il mare
Poi all'improvviso uscì una lacrima e lui credette di affogare
Te voglio bene assaje ma tanto tanto bene sai
En la canción que dice "Surriento", en el dialecto napolitano que significa Sorrento. Es el lugar donde pasó muchos días en la convalecencia antes de que finalmente murió en Vesuvio Hotel en Nápoles. La música y las palabras del estribillo
Te voglio bene assaje
ma tanto tanto bene sai
è una catena ormai.
che scioglie il sangue dint'e vene sai...
se basan en una canción napolitana, titulado "Dicitencello vuje", publicado en 1930 por Rodolfo Falvo (música) y Enzo Fusco (texto) por escrito de acuerdo con la mejor tradición de la napolitana "romances" con un estilo operístico fuerte.
En un italiano puede decir "Ti voglio bene" a cualquier miembro de la familia o un amigo cercano, pero la frase se utiliza rutinariamente hacia el amor romántico de uno. Las palabras exactas de la canción son: "Te voglio bene assaje, del tanto ma beneficio del tanto sai" y son, en dialecto napolitano, es decir: Te quiero mucho. Muy mucho, ¿sabes? "Seguido por las líneas:". Hemos formado un (cadena) de bonos a estas alturas, que se deshiela la sangre en mis venas, ya sabes "
https://www.youtube.com/watch?v=JqtSuL3H2xs
HISTORIA DE LA CANCION "CARUSO"- La primera y original versión de esta canción fue escrita y cantada por Lucio Dalla, que dedicó esta canción a Caruso después de haber estado en Sorrento y haber quedado impresionado por la belleza de esta ciudad.
A Lucio Dalla se le estropeó el barco y en Sorrento solo había disponible el lujoso apartamento en el Grand Hotel Excelsior Vittoria, donde Caruso vivió los dos últimos meses de su vida y donde se conservaban intactos sus libros, sus fotografías y su piano.
Angelo, que tenía un bar en el puerto le contó esta historia ... y él nos la regala con música. Caruso estaba enfermo de cáncer en la garganta y sabía que tenía los días contados pero eso no le impedía dar lecciones de canto a una joven de la cual estaba enamorado. Una noche de mucho calor no quiso renunciar a cantar para ella que lo miraba con admiración, así que, aún encontrándose mal, hizo llevar el piano a la terraza que daba al puerto y empezó a cantar una apasionada declaración de amor y sufrimiento. Su voz era potente y los pescadores, oyéndole, regresaron al puerto y se quedaron anclados bajo la terraza. Las luces de las barcas eran tantas que parecian estrellas o quizás las luces de los rascacielos de Nueva York... Caruso no perdió las fuerzas y siguió cantando sumergiéndose en los ojos de la muchacha apoyada al piano. Esa noche su estado empeoró. Dos días más tarde, el 2 de agosto de 1921, moría en Nápoles. Esta canción narra el drama de esa noche... con luces y sombras del pasado... con muerte y vida...
un hombre enfermo que busca en los ojos de la muchacha un futuro que ya no existe...
un testamento de amor... este fue su último concierto... y este fue su excepcional público... el mar, las estrellas, los pescadores, las luces de las barcas y su amada...
Fuente:nuevopatio.blogspot.com
MUJER AMANTE -RATA BLANCA.
https://www.youtube.com/watch?v=zTVTG6BxCYg
Rata Blanca es una banda de heavy metal proveniente de Argentina, formada en el año de 1985. La banda tiene una amplia trayectoria y una larga historia; pero en esta ocasión nos centraremos en una de sus más populares canciones, "Mujer Amante", y es que ésta canción es una de las favoritas para dedicar en términos románticos, pero ¿realmente saben qué significa la letra? ¿están seguros de que está canción fue compuesta por Adrían Barilari y Walter Giardino para un "one night stand" del cuál un hombre terminó enamorado y deseoso de encontrar a esa misteriosa mujer que lo conquistó, dejando en él lujuria total?
(http://images.genius.com/9992cc9113f226bc9578020b9822f7d2.953x953x1.jpg)
Si leemos bien la letra de la canción, para nada es eso, incluso la misma letra nos da pistas sobre lo que realmente trata, con frases como "Haz que mi sueño sea una verdad. dame tu alma hoy, haz el ritual. llévame al mundo donde pueda soñar... Corazón sin dios, dame un lugar en ese mundo tibio, casi irreal... dame un lugar en ese mundo tibio, casi irreal."
Pero en realidad, la letra de la canción sugiere que la mujer de la que se habla es un súcubo, éste de acuerdo a las leyendas medievales occidentales, es un demonio que toma la forma de una mujer atractiva para seducir a los varones, sobre todo a los adolescentes y a los monjes, introduciéndose en sus sueños y fantasías. En general son mujeres de gran sensualidad y de una extrema belleza incandescente. La apariencia de los súcubos suele pintarse casi universalmente como seductoras mujeres desnudas o con ropas muy pequeñas y reveladoras, con una belleza no terrenal, a menudo con alas demoníacas. De vez en cuando, se les dan otros rasgos demoníacos, como pueden ser los cuernos, una cola con una punta terminada en triángulo, ojos de serpiente, colmillos, serpientes enrolladas a su cuerpo, entre otras. A menudo, simplemente aparecen en los sueños como una mujer atractiva y desnuda de la que la víctima no puede deshacerse ni olvidarla, incluso después de despertar.
Así que antes de dedicar ésta famosa canción, piénsalo dos veces, y si es a vos a la que se la están dedicando, analiza bien lo que están tratando de decirte.
(https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/6/6b/Succubus_bracket_02.jpg)
Fuente Gaby Diaz,MetalSV.
Sia Kate Isobelle Furler pero conocida mundialmente por ser SIA y su bellisima voz. Todos admiran esa manera de romper la voz al cantar casi como que es su sello personal por mas que much@s quieran hacerlo jamas se parecerá a su estilo. :smile:
Cantante, Empresaria, compositora, productora, Diseñadora.
Es Mezzosoprano lírica.
Canta:Pop, dream pop, indie pop, electrónica, trip hop, jazz, Alternativo y seguramente buceara otros generos porque esa voz puede todo.
Ademas de ser una de las cantantes mas famosa de los últimos 5 años, su historia y canciones guardan mucho de su vida y ha podido superar momentos muy tragicos y difíciles en su vida.Hoy elige tapar su bello rostro porque se manifesta en contra de la fama de hecho hay letras de sus canciones donde la manifiesta,
https://www.youtube.com/watch?v=01mKnowim5A
Alcoholismo y Suicidio: Sia - Chandelier
"Ante todos los miembros de la familia humana, independientemente de la religión que profese, se alza el enorme reto de ayudar a la humanidad a hacer frente al serio y tan extendido problema del alcoholismo con valentía, confianza y esperanza." San Juan Pablo II. 22 de junio de 1984
Desde hace algunos días tengo esta canción pegada y no me la podía quitar de la cabeza, así que se me ocurrió escribir este artículo.
Chandelier (Candelabro de Techo), es una canción de Sia (Sia Furler), cantante australiana que con el álbum 1000 Forms of Fear (Mil Formas del Miedo) llegó al número 1 en ventas en Estados Unidos, habiendo estado con sus dos álbumes anteriores en el puesto 26 en 2008 y en el 37 en 2010. Lleva 291 millones de visitas en YouTube.
En honor a la verdad no tenía idea lo que realmente decía la letra, no la había escuchado detenidamente. Vi el video clip donde aparece una niña bailando de forma extraña y no entendí nada. Así que decidí interiorizarme en la cantante y en su canción.
Tras leer la letra creo haber entendido el tema detrás de la misma, su significado, a la vez el video ahora me parece espectacular, demasiado acorde con la letra de la canción cuya letra es un canto desesperado de una persona que está contemplando suicidarse para encontrar ayuda.
Este nuevo conocimiento me llevó a comprender la trascendencia de la canción y el video, considero que son un triunfo y que ojalá este artículo lleve a otros a lo que yo encontré, y que viéndolo nuevamente me emocionó hasta las lágrimas.
Siendo una canción tan popular me imagino que tal vez la has escuchado antes, o que tus hijos la han escuchado y siguen cantándola. tal vez leer esto te ayude a comprender el significado de la letra, a lo mejor así podrás comentarla con ellos y sacar algún buen fruto.
Si no has visto el vídeo, entendido o escuchado la canción, te recomiendo verlo ahora, luego leer lo que escribo y terminar viéndolo por segunda vez.
Sobre la cantante: Sia Furler pasó por un periodo de alcoholismo y drogodependencia farmacológica. Luego logró salir de ella y ha escrito canciones para un gran puñado de los artistas más reconocidos en los últimos tiempos (Rihanna, Beyonce, Eminem, etc., etc.), y para sus propio álbumes. No me detengo en esto porque no es tan importante. Alcohólica, drogadicta, logró salir gracias a Alcohólicos Anónimos, entre otras cosas. Cree en un ser superior, un Dios no cristiano, según tengo entendido.
Sia nos canta sobre el vacío existencial, el cual suele ir de la mano con el deseo de suicidio. No he leído a nadie que trate mejor este tema que Viktor Frankl. En su libro Ante el vacío existencial (editorial Herber), cuenta que en una estadística de una Universidad en que se tomaba por muestra a 60 alumnos que habían contemplado el suicidio, o lo habían intentado, el 85% de ellos intentó suicidarse porque no encontraban ningún sentido a sus vidas. El 95% de ellos tenía buenas notas y salud física y psíquica, en sus relaciones afectivas, familiares, financieras, todo bien... pero ¿para qué? "...la voluntad de sentido es una motivación sui generis, que ni puede reducirse a otras necesidades ni puede derivarse de ellas", nos escribe Frankl, esa voluntad de sentido, en definitiva, no se encuentra en cualquier parte.
Uno de los conceptos principales del psiquiatra es el de la "autotrascendencia de la existencia humana", explicando que "en todo momento el ser humano apunta, por encima de sí mismo, hacia algo que no es él mismo, hacia algo o hacia un sentido que hay que cumplir, o hacia otro ser humano, a cuyo encuentro vamos con amor. En el servicio a una causa o en el amor a una persona, se realiza el hombre a si mismo." Pero qué pasa cuando la persona ya no encuentra sentido a su vida.
Nosotros estamos "programados" para dirigirnos hacia Dios, si ponemos la mira en otros caminos que no tiendan a esa trascendencia que nos lleve a la Verdad entonces podremos encontrarnos con un vacío existencial, sin un objetivo real nos desperdigamos y podemos terminar en cualquier parte, haciendo cualquier cosa, como por ejemplo con una depresión mayor llegando incluso a contemplar el suicidio, cayendo antes, no siempre, en el alcoholismo o en las drogas.
Una lectura esencial para todo católico la encontramos en Santo Tomás, aquí "¿En qué consiste la bienaventuranza del hombre?" en su Summa Teológica. De la mano encontramos "al escritor del siglo XX", Chesterton, cuando decía que en el momento en que el hombre deja de creer en Dios, comienza a creer en cualquier cosa, que se puede entender también como buscar la felicidad en donde jamás se encontrará, tal como los explica el buey mudo:en los honores, en la fama o en la gloria, en el poder, en algún bien del cuerpo, en el placer, etc.
La relación del católico y el suicidio está más lejana que en otras creencias, podemos pensar en la idea del Core Belief del psiquiatra Aaron Beck, aplicándola al católico, bien formado, quien tiene una serie de creencias que forman su núcleo fundamental de pensamiento, que normalmente no cambian con el tiempo y quedan fijadas durante su formación, entre ellas encontramos que el suicidio no es una opción, solamente Dios sabe nuestro día y nuestra hora. Por lo que la contemplación del suicidio en un católico es más rara que en la de un ateo.
Siendo la música una expresión intelectual y emocional que pretende mostrarnos una realidad, en Chandelier encontramos una buena descripción sobre la vacuidad existencial que siente una persona con depresión, alcohólica y drogadicta, clamando al cielo, buscando una explicación, buscando un sentido a su vida, que se ha ido cayendo, sin valores, decayendo en la soledad y la angustia, y que solo encuentra tranquilidad tomando alcohol y drogándose, sin querer despertar de ese estado adormecido.
Revisemos la letra.
Comenzamos con el adormecimiento de la conciencia, de la realidad, "Las niñas que van de fiesta en fiesta no son lastimadas", rodeadas de otras personas y tomando y festejando piensa que tal vez así adormecerá el dolor, la vacuidad de su existencia. Ahora en la fiesta, ebria "No puedo sentir nada ¿cuándo aprenderé?", privándose de los sentidos gracias al alcohol y las drogas no siente dolor, no siente nada, pero esto no puede seguir, al día siguiente siente el remordimiento de volver a la vida, sin creer que aprenderá algo de la noche anterior. La felicidad no llega sola, y en depresión hay que buscar ayuda (ojalá encuentre a alguien que le extienda la mano.)
Ella sabe que es a la que llaman para pasar un buen rato, para lograr placeres inmediatos, cree encontrar el amor allí, pero sabe que no es cierto "Yo soy a la que "llaman para pasar un buen rato", Mi teléfono está estallando con tantas llamadas, suena el timbre de mi casa. Siento el amor, siento el amor". Lamentablemente todos sabemos que ahí no encontrará el amor.
El estribillo dice relación con un juego alcohólico, de esos en que se dice algo o se entona una canción y se toma un golpeado, luego otro, y otro "1, 2, 3, Toma, 1, 2, 3, Toma"; "Tómalos todos, arroja los vasos hasta que ya no puedas contarlos"
(Ahora el coro sobre balancearse en un candelabro de techo me recuerdo a la última escena de La Guerra de los Rose con Michael Douglas y Katheleen Turner) La referencia que hace el coro a balancearse en el candelabro es claramente una alusión al suicidio "Yo quiero balancearme en el candelabro, en el candelabro". Ya no da más en esa vida vacía, sin sentido, contempla seriamente suicidarse. "Voy a vivir como si el mañana no existiera, como si no existiera", es vivir sin responsabilidades, sin preocupaciones, es simplemente deshumanizar la vida humana. Pero ahora quiere volar, escapar "Voy a volar como un pájaro a través de la noche, sentir como mis lágrimas se van secando." Luego, seguramente en los breves momentos de lucidez "Pero me estoy aferrando a la querida vida, no miraré hacia abajo. no abriré mis ojos" por el temor a lo que verá, mirar lo que hizo la noche anterior. Y así volvemos a la rutina del alcohólico "Mantener mi vaso lleno hasta que amanezca, porque solo tengo que aguantar, pasar, esta noche."
Pero dentro de esa vorágine hay algo en ella que sabe por lo que está pasando, tanto por la frase anterior cuando dice que se está intentando aferrar a la vida, como por la oración siguiente (que es la oración que me llegó más fuerte) cuando dice "Help Me" (Ayúdame), es notable que al escuchar la canción uno puede no darse cuenta de esta frase, no escucharla o no retenerla, ya que no es una pausa para llamar la atención a la misma, esa es la idea, que pase desapercibida la petición de ayuda, como muchas veces nosotros mismos no ayudamos a otras personas porque no entendemos o escuchamos sus gritos. Y ¿A quién le dice esto? si estamos en presencia de un monólogo interno de una alcohólica que describe el momento más bajo de su vida, por su depresión y adicciones, "Ayúdame, me estoy aferrando a la querida vida."
Solo quiere pasar esta noche, noche a noche, de forma repetitiva, tal como funcionan las adicciones, solo quiere atontarse, adormecerse, emborracharse y pasar cada noche, o sobrevivir para la siguiente. Y ahora viene el momento de lucidez absoluta, el destello que nos muestra lo que realmente piensa "El sol apareció, estoy echa un desastre. Ahora tengo que escapar, tengo que correr lejos de este lugar", pero al mismo tiempo se da cuenta de lo que hizo "Ahora viene la vergüenza, ahora viene la vergüenza."
¿Qué hace un alcohólico cuando siente esa vergüenza, cuando ve que todo lo que hace está mal, cuando quiere buscar ayuda y no se atreve, donde no hay una mano amiga, un católico u otra persona que se la extienda y la saque de ese lugar, aunque ella haya rechazado esa mano mil y una vez? Pues vuelve a la rutina, rápidamente, tal vez comenzando a tomar a penas encuentra algo que poner en el vaso, a cualquier hora, y comienza nuevamente "1, 2, 3 toma, 1, 2, 3 toma. Arrójalos los vasos hacia atrás hasta que pierdas la cuenta."
Y así termina la canción de forma repetitiva, lo que hace el mensaje de desesperación más poderoso, con "Solo quiero pasar esta noche, solo quiero pasar esta noche, esta noche, esta noche, solo quiero pasar esta noche."
Esta es la interpretación que le di a Chandelier de Sia, otras personas le darán otra, millones de interpretaciones, pero yo solo puedo interpretar el arte, las obras de arte, desde mi visión del mundo, mi visión de la realidad, que es católica.
En When a Man Loves a Woman, con Andy García y Meg Ryan, podríamos imaginar que cuando el personaje de Ryan está hablando con el de García en la casa, en una de las mejores escenas de la película (aquella en que García da vuelta la mesa y vemos la real desesperación de una persona que quiere ayudar a su esposa alcohólica pero no sabe bien cómo hacerlo), ella estaría pensando en lo que esta canción dice, y dependerá del receptor del mensaje poder captarlo e interpretarlo. Ryan nunca dejó realmente de amar a García, pero el alcoholismo es una enfermedad muy fuerte y la forma en que podemos actuar frente a estas personas que padecen de la enfermedad es variada, y sin conocimientos sobre el mal no podemos realmente ayudar.
Ahora una apreciación del video clip que parece tan perturbador a primera vista.
Una idea de C. S. Lewis, que extrañamente no recuerdo haberla leído en los libros suyos que tengo, que se la leí a Josef Pieper, es que hay dos cosas que no se encontrarán en el Infierno: Música y Silencio. No hay tranquilidad en el Infierno, lo que si se encontrará será ruido y rechinar de dientes, tal como comienza el video con ese perturbador ruido de las luces mal ajustadas.
Entramos caminando a un departamento con colores monótonos, opacos. El departamento está claramente mal cuidado, como si hubieran habido múltiples fiestas en el mismo y el dueño, o arrendatario, no se preocupara del mismo. Vemos la pintura, en sus paredes, en las puertas, todas heridas por el paso del tiempo y la apatía hacia un hogar. Cuadros viejos con tonos también algo macabros, ni siquiera están centramos, no hay simetría alguna en el departamento. El refrigerador con dibujos, típicos de los niños que ponen sus padres allí como premio, pero siniestros, puras líneas negras sin armonía, todo mal. Despersonalizado, sin fotografías, sin arreglos, detalles, propios de personas que quieren su hogar. Hongos en las esquinas, bacterias, etc. Se asemeja a esos lugares que vemos en las noticias o películas que solo sirven para que los drogadictos se inyecten.
La niña protagonista del video sería una versión joven de la cantante (supongo que demasiado joven para ir de la mano con la canción pero lo suficientemente joven para impactarnos). Su vestimenta es una malla de color piel, no tiene ropa que la identifique como una persona normal, no tiene colores o accesorios, se nos muestra desnuda. Es una joven que quiere mostrarse tal como es, nos va a confesar algo aterrador, no quiere cubrirse ni esconderse, esta es ella y esta es su historia.
Puede haberse realizado este mismo video con un grupo de gente joven tomando y drogándose, mostrando los vasos caer al suelo, vomitando, haciendo todas esas cosas que vemos en las películas cuando se excede con el alcohol, o con otras drogas. Aquí de forma inteligente decidieron mostrarnos a una niña que junto con la locación, la iluminación, el vestuario, el baile y sus expresiones nos mostrará su alma atormentada.
Así, desesperada, no puede moverse como una persona normal, no puede mirar, nunca sonríe realmente, es una marioneta. Como tal se mueve, baila, como aparece en el video, con movimientos falsos, sin una voluntad propia, se cae, se levanta, choca, intenta abrir los ojos, intenta mostrarnos como actúa con la gente, gente que ella ve y nosotros no (gente que estuvo allí con ella, recreando como actuaba para ocultar su dolor). Movimientos inhumanos, como arañas, lo que sigue la idea de Viktor Frankl cuando dice que los animales no se preguntan por el sentido de la vida, solo los humanos, y esta niña está reducida a una vida casi animal.
Si es que han visto a un alcohólico, a gente borracha, completamente borracha; que choca con las paredes; se cae y se levante; que se ríe sin que nadie sepa por qué; que se mueve de un lugar a otro; que salta de un lugar a otro; que conversa con una persona y en la mitad de esa conversación pierde interés, o se le olvida, y comienza a conversar con otra; que te interrumpe una y otra vez, etc. He ahí el secreto del video, una vida vivida como una marioneta que es controlada en realidad por el alcohol y las drogas, que se come parte, gran parte, de la voluntad de la persona, que por dentro llora, clama al cielo... "Ayúdame."
El final del video es de las mejores escenas. Una marioneta, interiormente despedazada por sus adicciones, con depresión, que sigue pensando que tal vez debería colgarse del candelabro y terminar así con su vida, se despide de nosotros con una falsa sonrisa, forzada, repetitiva, con movimientos de despedida en los que no es tan difícil ver los cables que manipulan su voluntad, levantando sus manos, y la hacen despedirse como si nada estuviera pasando, mira su sonrisa, aquí no hay nada, aquí no hay vida. Y nosotros, la cámara, nos alejamos de este espectáculo, retrocedemos paso a paso, tal vez porque no vimos más allá de su actitud rebelde, adolescente, alcohólica, o tal vez porque a pesar de ello nos engañó -o nos dejamos engañar- de que nada malo pasaba. Tal vez pensamos que si vimos su sufrimiento no era nuestra responsabilidad hacernos cargo. Las razones por la que nos alejamos poco a poco pueden ser múltiples, y puede ser que no le pase nada, o que volvamos al día siguiente y la encontremos colgada del candelabro.
Tal vez, ahora, te gustaría dejar de retroceder, correr hacia ella, abrazarla, aunque te empuje y te diga cosas para herirte, para apartarte, abrazarla, no soltarla y decirle "Tranquila, aquí estoy para ayudarte" (ojalá alguna frase más original que esa.)
Los primeros síntomas de la depresión, del alcoholismo o la drogadicción suelen ser difíciles de detectar, a la vez hay que estar instruidos en estos temas. En esta canción vemos un canto a la vida de una persona que no se puede ayudar a sí misma, que busca la ayuda de Dios. ¿Podremos ayudarla?
Tal vez ahora puedas ver nuevamente el video y encontrar algo de lo que escribí en el mismo. Todavía me estremece.
https://www.youtube.com/watch?v=R7Hi0XxfV04
https://www.religionenlibertad.com/blog/38597/alcoholismo-y-suicidio-sia--chandelier.html
https://www.youtube.com/watch?v=ywP7RVvVJQY
LA BAILARINA QUE LA ACOMPAÑA EN LOS VÍDEOS Y RECITALES LA HA ELEGIDO ELLA , Y HOY PARA ELLA ES COMO UNA HIJA Y SINO AQUÍ TIENEN UNA MUESTRA DEL REGALO QUE LE HA HECHO POR SU CUMPLEAÑOS.
https://www.eonline.com/ar/news/973393/mira-el-grandioso-regalo-que-sia-le-dio-a-maddie-ziegler-por-su-cumpleanos
EN ESTA CANCIÓN MUESTRA SU FORMA DE VIVIR DESPUÉS DEL INFIERNO QUE LE HA TOCADO VIVIR.
https://www.youtube.com/watch?v=eVaAnOCKT20
https://www.infobae.com/tendencias/2017/02/10/sia-el-misterio-de-la-famosa-artista-sin-cara-que-odia-ser-famosa/
Aquí podrán apreciar su talento y buen humor, una autentica Sia.
https://www.youtube.com/watch?v=S_RzBeC5ZJY
https://www.youtube.com/watch?v=ztJ3E1_sO4A
https://www.youtube.com/watch?v=nxr8j0rqa-s
https://www.youtube.com/watch?v=h_6yZldZsrg
Después del accidente que mató trágicamente a su primer amor, sufrió de una fuerte depresión y adicción a las pastillas, y a través de "I'm Here" nos contaba que ya estaba bien y limpia. Tal como en I'm Here, un tema recurrente en sus letras tiene que ver con la fuerza interior que tenemos para enfrentarnos al mundo, y es así como se gestó la única canción con contenido que ha tenido David Guetta en toda su carrera; soy a prueba de balas, no tengo nada que perder. Me derribaste, pero no caeré, soy de titanio, nos dice con fuerza, mucha fuerza.
https://www.youtube.com/watch?v=ITRgFUUp1Bw
La radiografía actual de Sia es esta: aparentemente tiene terror a hacerse famosa, ya que en EEUU está todo el mundo loco por su música, sobre todo desde que la "sacaron del closet" respecto a su trabajo previo, por lo mismo todas sus apariciones masivas han sido con algún hack que le permita no mostrar su cara.
(Puede que youtube e internet esté plagado de fotos de ella, pero salir en TV americana es cosa seria, y nunca más podrás vivir tranquilo)
Tal como les contábamos en Titanium sobre la fijación de la "fuerza interior", Sia junto a Weeknd y Diplo como productor crearon la canción que probablemente mejor represente el espíritu de Katniss Everdeen, la protagonista de The Hunger Games: Elastic Heart .
https://www.youtube.com/watch?v=c5VYxMQ5Clc
https://pousta.com/sia-es-brillante/
(https://pbs.twimg.com/media/DqYLfW2WoAAA7RC.jpg:large)
Disfruten de esta niña que hace un cover de una canción de Sia. :clap2: :clap2: :clap2:
https://www.youtube.com/watch?v=Jyrb3IExfOk
https://es.wikipedia.org/wiki/Sia
https://www.youtube.com/watch?v=v-Dur3uXXCQ
KESHA -PRAYING.
Kesha se embarcó durante el verano de 2016 en su tercera gira mundial Kesha and the Creepies: Fuck the World Tour1 el cual empezó el 23 de julio de 2016 en Las Vegas y tuvo su fin el 29 de octubre de ese mismo año en Maine.2 Durante ese tiempo ella escribió la mayoría de las canciones de su nuevo trabajo discográfico. Praying fue escrita entre enero de 2014, cuando Kesha estuvo ingresada en una clínica de rehabilitación y octubre de 2016, cuando la cantante anunció que tenía listos para grabar 22 nuevos temas y que su discográfica no le permitía lanzar.
Kesha anunció el lanzamiento del single en una serie de videos en Instagram. En una carta adjunta en el blog feminista de Lena Dunham, Lenny Letter, escribió sobre el significado de la canción: "He canalizado mis sentimientos de desesperanza y depresión, he superado obstáculos y he encontrado fortaleza en mí mismo, incluso cuando se sentía fuera de su alcance. He encontrado lo que yo pensaba que era un lugar inalcanzable de paz." Esta canción trata de llegar a sentir empatía por alguien más incluso si te hacen daño o te asustan. Es una canción sobre el aprendizaje de estar orgulloso de la persona que está incluso en momentos de baja cuando se siente solo. También se trata de esperar que todo el mundo, incluso alguien que te lastime, pueda sanar.
El tema va dedicado a Dr. Luke, el productor musical que abusó sexualmente de la cantante.
En 2010 saltó a la fama con el single 'Tik Tok', recogido en su primer álbum Animal y tras varios sencillos y un disco en 2012, Kesha parecía tener una prometedora carrera por delante. Pero en 2014 la cantante estadounidense dejó los escenarios para meterse en los juzgados.
Kesha entró en una batalla legal contra Lukasz Gottwald, más conocido como Dr. Luke, reputado productor de la industria por su trabajo con estrellas como Britney Spears, Pitbull, Katy Perry y Miley Cyrus, entre otros. Kesha denunció a Gottwald por abusos sexuales y emocionales en 2014, a lo que él respondió con una demanda por difamación e incumplimiento de contrato.
El contrato de Kesha con Dr. Luke, CEO del sello discográfico de Sony, Kemosabe Records, no permitía a la cantante producir música con ningún otro sello por lo que, mientras la disputa legal siguiera en pie, Kesha no podría producir su música.
De esta forma, la carrera de la joven de 30 años se vio varada. Pero todo cambió en abril de este año, cuando Sony Music, propietario de Kemosabe Records, decidió apartar a Gottwald de la compañía.
Aunque el juicio entre el productor y la cantante continua abierto, Kesha ya no está atada de pies y manos. El 11 de agosto se publicará de manera oficial el nuevo disco de Kesha, 'Praying', del que ya hemos podido escuchar su single oficial y dos sencillos más.
Tras años de silencio en la industria, Kesha ha apostado por explicar su experiencia en 'Praying', que cuenta con letras llenas de significado como se ha recuperado de la depresión motivada por su batalla contra Dr. Luke.
De hecho, el single oficial de su nuevo álbum va dirigido a Gottwald y arranca diciendo: "Casi consigues engañarme. Me dijiste que no era nada sin ti".
Pero tras la tormenta llega la Kesha más optimista, que asegura: "Me dijiste que estaba acabada, bien, estabas equivocado y ahora lo mejor está por venir".
https://www.youtube.com/watch?v=k2qgadSvNyU
NEW RULES -DUA LIPA.
Aunque muchos pensarían que a una celebridad como Dua Lipa jamás le romperían el corazón, la realidad es que New Rules (su más grande éxito hasta el momento) refleja la terrible experiencia de haber estado en una relación tóxica.
En entrevista para Teen Vogue, la cantante compartió que no siempre es fácil decir que no. De hecho, en el sencillo que disparó su carrera, Dua da una cátedra sobre cómo superar a tu ex. Como recordarás, la canción recita algo así como "Uno, no atiendas el teléfono: Sólo te llaman porque están borrachos y solos. Dos, no los dejes pasar: No quieres lidiar con el drama de tener que sacarlos de nuevo. Tres, no seas su amigo: todos sabemos donde eso termina (en la cama, de nuevo)", pero para ella hay una cuarta regla.
"Honestamente", afirmó, "bloquéenlos en las redes sociales"... Algo así como, ¿Ghosting?
Sin duda, New Rules es un curso de superación de tres minutos y 24 segundos, pero a veces la teoría se queda sólo en eso. La cantante reconoce que a veces no ha podido seguir sus propias reglas.
Dua relata en la entrevista que alguna vez fue atacada por esto y que para poner freno tuvo que responderle a la seguidora "cálmate, hermana". Ella sabe que es muy posible que cualquiera podría regresar con un ex, pero si sabe que los amigos estarán ahí, todo estará bien.
¿Será que su próximo éxito musical tenga otra gran lección de vida?
Actualmente Dua está promocionando su más reciente One Kiss, el cual hizo en colaboración con Calvin Harris, pero asegura que en cinco años le gustaría estar trabajando en su tercer disco, o bien en el segundo.
"Quisiera seguir haciendo esto y seguir siendo muy honesta. No quiero tenerle miedo a mis propios pensamientos".
https://www.youtube.com/watch?v=NrLkTZrPZA4
SACRIFICE- ELTON JOHN.
En si nos habla de un engaño entre una pareja, por lo tanto después dice que eso no importa por que aunque al otro le duela la traición no le deja de querer y ese es el sacrificio que esta haciendo por quedarse con el que engaño, ya que no le importa el sentir celos o el no hablar aun sabiendose traicionado por que ama a esa sobre todas las cosas.
ES UNA SEÑAL HUMANA
CUANDO LAS COSAS SALEN MAL,
CUANDO EL PERFUME DE ELLA PERSISTE
Y LA TENTACIóN ES FUERTE.
EN EL LÍMITE
DE CADA HOMBRE CASADO,
EL DULCE ENGAÑO LLAMA
Y DESEMBARCA LA NEGATIVIDAD.
CORAZÓN FRÍO, FRÍO
ENDURECIDO POR TI.
ALGUNAS COSAS PARECEN MEJOR, CARIÑO,
CON SOLAMENTE ATRAVESAR.
Y NO ES UN SACRIFICIO.
SOLO UNA SIMPLE PALABRA.
SON DOS CORAZONES VIVIENDO
EN DOS MUNDOS SEPARADOS.
PERO NO ES UN SACRIFICIO,
NO ES UN SACRIFICIO.
NO ES UN SACRIFICIO EN ABSOLUTO.
UN MUTUO MALENTENDIDO
DESPUÉS DEL HECHO.
LA SENSIBILIDAD CONSTRUYE UNA PRISIÓN
EN EL ACTO FINAL.
PERDEMOS EL SENTIDO.
REMOVEMOS CIELO Y TIERRA.
NO HAY LAGRIMAS PARA CONDENARTE
CUANDO ARDEN LOS CELOS.
"A veces estamos tan perdidos detrás de la bruma de nuestra propia ceguera, amando atormentados sin recibir nada a cambio, sin reciprocidad, desesperados por una caricia, por una mirada, una palabra que nunca llega, y poco a poco sin darnos cuenta nos apagamos hasta fallecer. ¿Y cuanto tiempo vivimos estando muertos, cuanto tiempo podemos aguantar ese fracaso que delante del altar nos lo vendían como un verdadero milagro a punto de descubrir?
A veces demasiado.
Tanta mentira, tanta esperanza, tanto amor desperdiciado. Vaciamos nuestro corazón con la persona equivocada sin tener la valentía de decir, de gritar que eso no era lo que esperamos, lo que nos han prometido, no es lo que leímos o vimos en el cine. Y nos volvemos opacos, grises o negros, oscuras almas deambulantes por los caminos de la perdición, por los caminos de loseta negra del cementerio donde enterramos la esperanza.
No es amor si hay que empujarlo, porque al final la piedra solo la empuja uno cuesta arriba hasta que su espíritu se quiebra y resulta aplastado en ese intento de sujetar algo que está fuera de su alcance. Y cuando al fin nos damos cuenta de que hemos fracasado han pasado ya 20 años.
Y así es como esa flecha envenenada alcanza nuestro corazón y lo parte en dos, convirtiendo nuestro cuerpo es una tumba andante hasta que un día, sin esperar nada ni a nadie, aparece alguien que nos enseña lo equivocados que habíamos estado, nos enseña vivir en un año todo lo que no habíamos vivido en 20."
https://www.youtube.com/watch?v=EgVlnvARvPM
Todos hemos oído con tristeza la trágica historia de amor de la canción de Maná «En el muelle de San Blas», que el grupo mexicano popularizó en 1997.Pues bien, su protagonista era real. Se llamaba Rebeca Méndez Jiménez y murió este año en Monterrey, Su historia comenzó en 1971, cuando días antes de casarse con su novio Manuel, éste se fuera a pescar y nunca regresara.
Rebeca, el mismo día en el que estaba prevista su boda, acudió al muelle de San Blas, en Nayarit (México), y esperó a su prometido vestida incluso de blanco. Allí lo esperó durante años hasta que murió ea la edad de 63 años.
https://www.youtube.com/watch?v=teprNzF6J1I
En homenaje del atentado del 11 de marzo que se llevó las vidas de decenas de inocentes, LODVG nos trae un relato sencillo y tierno sobre la historia de amor de un par de amantes que, desgraciadamente, tomaron ese tren aquel fatídico día. La ternura con la que acaba la canción, la triste melodía, casi sin instrumentos y la elegancia con la que ni siquiera mencionan la fecha, ni el día, ni el lugar, me parecen poesía hecha música. Tan sólo importa que sucedió un Jueves.
https://www.youtube.com/watch?v=jzvnFbsXxxA
"Hey Jude": el himno Beatle que nació para "Jules", un insulto grabado y 36 músicos para el "nananana"
(https://www.infobae.com/new-resizer/icKuuQDIiWQNURx2EXZLKEUSfk4=/750x0/filters:quality(100)/s3.amazonaws.com/arc-wordpress-client-uploads/infobae-wp/wp-content/uploads/2019/08/29193829/hey-jude-1-3.jpg)
(https://www.infobae.com/new-resizer/ZugJPKEhw7SzODQfyKAiDl-t7Lo=/750x0/filters:quality(100)/s3.amazonaws.com/arc-wordpress-client-uploads/infobae-wp/wp-content/uploads/2019/08/29193820/hey-jude-1-3-5.jpg)
Paul compuso la parte principal de Hey Jude mientras manejaba su Astor Martin, un auto como vemos apto para agentes secretos y para crear obras maestras. Iba a visitar a Cynthia Lennon y al pequeño Julian, el hijo de 5 años. John y Cynthia acababan de divorciarse y Paul pensó que llevarle una melodía a ese pequeño podría aliviar su dolor. Muchos años después Cynthia dijo que para ella la visita de Paul había sido muy importante, que se sentía muy sola y el único del "círculo Beatle" que se había interesado en su bienestar y en el de su hijo había sido McCartney: "Sus caminos habían empezado a separarse y él fue el único que desafiaba a John, esa fue una manera de afirmarse ante él", recordó la ex esposa de Lennon. Paul contó que "la separación de ellos me había dejado particularmente desolado. Pensé esa melodía para confortar a Julian. Era un mensaje esperanzador para ese chico". Julian ya de grande y después de haber gozado de un fugaz éxito en el pop de los ochenta comentó: "Es muy emocionante saber que escribió esa canción mítica porque se preocupaba por mi mamá y por mí". Hace unos años se subastaron los apuntes de las sesiones de grabación de la canción y Julian Lennon los adquirió; pagó 25 mil libras por ellos. No está mal que sea él quien los posea.
Originalmente la canción decía (en homenaje a Julian) "Hey Jules". Pero a McCartney no le gustaba cómo sonaba, con esa ese final. Lo cambió por Jude -posiblemente por el personaje interpretado por Rod Steiger en la película Oklahoma. Y así se perpetuó.
Sin embargo, John tenía otra visión sobre el origen de este asunto. Creía que la canción era sobre él y no sobre su hijo: "Cuando dice Go out and get her (salí y andá a buscarla) inconscientemente me estaba diciendo que me fuera, aunque él inconscientemente no lo quisiera. El ángel que hay en él me daba su bendición para emprender un nuevo camino. Pero a su lado diabólico eso no le gustaba, no quería perder a su compañero". Otra pérdida que estaba sufriendo Paul en esos días era la de su novia Jane Asher. La relación se había roto definitivamente.
No interesa demasiado cuál es la versión correcta, la más ajustada a los hechos. Las dos emocionan por igual. Que Paul pensara en el hijo de su amigo y en su desamparo, o que fuera una desgarrada invocación a que su compañero de aventuras y de creación se largara solo pese al dolor que eso le causaba, no modifican demasiado la ecuación.
Los Beatles siempre pensaron a Hey Jude como un simple. Fue el primer lanzamiento de Apple, el sello discográfico que crearon. Estaban en medio de las grabaciones del Álbum Blanco y deseaban sacar un simple independiente con una canción que no estuviera en el doble. John Lennon peleó para que el lado A fuera Revolution pero su postura no tuvo adeptos. La composición de Paul era evidentemente un futuro hit y nadie podía resistir la tentación de lanzarla como lado A.
(https://www.infobae.com/new-resizer/MjfMgiDZ_3NVqCOZt_nb65adhzU=/750x0/filters:quality(100)/s3.amazonaws.com/arc-wordpress-client-uploads/infobae-wp/wp-content/uploads/2019/08/29200330/hey-jude-single.jpg)
FUENTE:INFOBAE
https://www.infobae.com/historias/2019/08/30/hey-jude-el-himno-beatle-que-nacio-para-jules-un-insulto-grabado-y-36-musicos-para-el-nananana/
https://www.youtube.com/watch?v=A_MjCqQoLLA
https://www.youtube.com/watch?v=df86WeaXf20
Ricardo Mollo explicando esta canción de su autoría. :clap2: :metal:
https://www.youtube.com/watch?v=TfwnE_ENx5c
https://www.youtube.com/watch?v=tFhanIRGS4M
«Que nadie sepa mi sufrir», también conocida como «Amor de mis amores», es una canción de 1936, interpretada por Hugo del Carril, y compuesta en ritmo de vals peruano por el argentino Ángel Cabral, con letra de su compatriota Enrique Dizeo.
El éxito internacional de «Que nadie sepa mi sufrir» comenzó en 1953. En ese año, la cantante francesa Édith Piaf se presentó, como parte de su giro latinoamericana, en el Teatro Ópera de Buenos Aires. En esa oportunidad pudo escuchar la interpretación de Alberto Castillo. Ya en París, Piaf decidió versionar el vals, para lo cual convocó al autor Michel Rivgauche, quien le cambió la letra por completo y el título, que en francés significa La multitud.1 La transformación resultó un éxito extraordinario desde que fue publicada en 1957.
La letra original está claramente destinada a ser cantada por un hombre que ha sido abandonado por su amante; mientras que la canción de Édith Piaf mantiene esa angustia en el contexto de una chica aturdida que conoce un hombre gallardo del que se enamora en medio de una multitud, para perderlo de vista para siempre casi de inmediato.1 El ritmo respeta los 3/4 del vals, pero requiere de un compás ligero y un ritmo mucho más rápido y en el caso de la guitarra, un apagado característico.
https://www.youtube.com/watch?v=MOJ_PFJ6XtY
La famosa canción "La foule" de Edith Piaf tiene inspiración en una canción de origen hispano, concretamente en la canción "Que nadie sepa mi sufrir", compuesta en 1936 por los argentinos Ángel Cabral, que puso la música y Enrique Dizeo que puso la letra. Casi veinte años después de su creación Edith Piaf hizo una gira de conciertos por América Latina y escucho la versión que en 1953 grabó Alberto Castillo de este tema y la adaptó ala francés con letra de Michel Rivgauche. El éxito que tuvo en voz de la sensacional Edith Piaf hizo que también el tema tomara nuevas fuerzas en español, siendo reestrenada como "Amor de mis amores" (el primer verso de la versión en castellano).
La letra francesa es sencillamente una maravillosa y fugaz historia de amor que nos habla del encuentro entre un hombre y una mujer que se conocen entre empujones, arrastrados el uno hasta el otro de forma casual, movidos por la corriente que los lleva en una multitud que se mueve desordenadamente durante una fiesta. Los dos están a la merced de ese gentío y se encuentran por puro azar uno frente al otro, con sus cuerpos pegados y se enamoran al instante. Pero la cosa no durará. La misma multitud bulliciosa los separa, con la misma rapidez con la que los unió, pero que no lo traerá más. Un canto al destino, a veces vertiginoso, que nos trae y nos quita la felicidad y muestra a los hombres como seres indefensos ante los caprichos del azar.
Fuente:Wikipedia,Una pizca de Cine, Música, Historia y Arte Blog.
Un misterio, sin embargo, se mantiene fresco como el poder de "Bohemian Rhapsody": ¿qué significa la canción? Además de probar el talento de Mercury, ¿es un homenaje a "Hungarian Rhapsody", una composición de Franz Liszt? Irwin Fisch, compositor y profesor en NYU, dijo a Business Insider que implicó el ingreso de la tradición de suites en la música pop: "No una canción continua, no verso-coro, verso-coro, puente, etcétera, que era la norma. En esencia es una agrupación montada de diferentes canciones". Mercury describió la obra como "una experimentación con el sonido". Fisch evaluó que "el experimento consistía en ver si podía sacar lo que había en su cabeza, los arreglos y el sonido".
Las primeras palabras, "Mamma, just killed a man", ¿evocan acaso El extranjero, la novela de Albert Camus, en la que también un hombre mata y no puede explicar por qué lo hizo? Muchos se inclinan por ver en el asesino y el cadáver a la misma persona, a Mercury mismo, en su salida del clóset: el nuevo yo mata al viejo yo. Donde esos exégetas ven referencias religiosas (Bismillah significa "en el nombre de Alá"; Belcebú es uno de los nombres del Demonio), Mercury sostenía que sólo había "tonterías al azar con rima".
En una entrevista para Queen Videos Greatest Hits, May dijo: "No creo que alguna vez sepamos de qué se trata 'Bohemian Rhapsody', y si yo lo supiera probablemente no querría decirlo, porque ciertamente no le cuento a la gente de que van mis canciones. Siento que eso las destroza, de algún modo".
Sus palabras fueron como un eco de las de Mercury en vida, quien se negó a quitarle el signo de interrogación al asunto: "Es una de esas canciones que tiene tanto de fantasía, ¿no? Creo que las personas podrían escucharla, pensarla y entonces decidir qué significa para ellas".
https://de10.com.mx/top-10/2018/10/31/las-teorias-sobre-el-significado-de-bohemian-rhapsody-para-freddie-mercury
https://www.youtube.com/watch?v=fJ9rUzIMcZQ
https://www.youtube.com/watch?v=ID-iJOw9rLo
La idea era partir del pibe que le dice al viejo: "Yo quiero ser artista", Y el padre le dice: "¡Ma? qué artista, andá a laburar vos!". Era esa sensación. Hablar de un oficio que no garantiza lo que vas a ganar, y entonces los padres se preocupan. A diferencia de un tema como "Gente que no", está hecho desde el punto de vista de un padre. Me acuerdo de que en esa época mi mujer estaba embarazada de mi primer hijo, y yo empezaba a reflexionar sobre lo que yo había sido en la adolescencia para mis viejos, ¡y ahora lo iban a ser para mí mis hijos! En esa época tenía treinta y cinco años y me estaba cuestionando mi relación con el público. Porque en un principio yo era igual a ellos: iba al mismo colectivo y al mismo recital. Era más fácil buscar los temas de los que hablaba. Pero ahora que no era un joven, que iba en taxi o tenía toda otra situación distinta, ¿qué punto en común tenía con los nuevos jóvenes? Compuse la canción en la casa en la que vivía, en Parque Patricios. La tuve tres meses guardada y no se la mostraba a Los Decadentes porque no estaba seguro de si estaba realmente buena, cosa que me pasa seguido... Estaba la idea y el estribillo, y todo lo que me faltaba completar lo hice un día de un tirón. El tema, por ejemplo, empieza con un cuarteto de cuerdas, porque queríamos que empezara de manera opuesta a lo que la gente se imagina de Los Decadentes, que ya eran conocidos. Otra cosa interesante es que, en ese momento, en el grupo éramos tres guitarristas y a veces no había espacio para que las tres guitarras tuvieran una función. Entonces dije: "No voy a tocar más la guitarra, me voy a dedicar a cantar y a tocar un poco el teclado. ¡Chau, la guitarra ya fue!". Así que no toqué más la guitarra... ¿Y qué compuse? ¡"La guitarra"! ¿Y dónde la compuse? ¡En un piano! Increíble.
Fuente: Jorge Serrano.
https://www.youtube.com/watch?v=yYZmfpAA0Zo
Una de las más afamadas y de las que luego tuvo mayor cantidad de versiones fue Libre, grabada unos pocos meses antes de su muerte y escrita por José Luis Armenteros y Pablo Herrero.
"Tiene casi 20 años/ y ya está cansado de soñar,/ pero tras la frontera está su hogar/ su mundo y su ciudad./ Piensa que la alambrada sólo es/ un trozo de metal/ algo que nunca puede detener/ sus ansias de volar".
Para escribir Libre, Armenteros y Herrero se inspiraron en una historia real que había tenido lugar 10 años antes. Una trágica historia que los había impactado cuando la leyeron en los diarios. O acaso la prensa la había refrescado al cumplirse el décimo aniversario y de ahí tomaron el hecho.
(https://www.infobae.com/new-resizer/mbPsohKcd7DaeUEW0IyinYEF7BU=/750x0/filters:quality(100)/arc-anglerfish-arc2-prod-infobae.s3.amazonaws.com/public/WDV7WQL33VF4JC3CIXT3RFOYBE.jpg)
Ya había transcurrido un año desde la construcción del Muro de Berlín. Dos jóvenes alemanes que se encontraban en el lado Este querían sortear el obstáculo e irse a radicar a Alemania Federal. La misión era complicada. Peter Fechter y Helmut Kulbeik pasaron varias semanas observando con detenimiento cada movimiento de la guardia, las rutinas, las diferentes características de la construcción. Hasta que se les ocurrió un plan. Algo precario, pero ellos consideraban que si aprovechaban la velocidad y la agilidad de sus 18 años podía tener éxito. El 17 de agosto de 1962 se decidieron a llevarlo a cabo.
"Libre,/ como el sol cuando amanece/ yo soy libre, como el mar./ Libre,/ como el ave que escapó/ de su prisión/ y puede al fin volar./ Libre,/ como el viento que recoge/ mi lamento y mi pesar/ camino sin cesar/ detrás de la verdad/ y sabré lo que es al fin/ la libertad".
(https://www.infobae.com/new-resizer/xKsJtzLPj_4Gs7KyyvtIuSuKZcI=/750x0/filters:quality(100)/arc-anglerfish-arc2-prod-infobae.s3.amazonaws.com/public/5M7WNXDZYRHLRBTR7SXS4YH2GY.jpg)
Peter y Helmut eligieron cuidadosamente el lugar desde donde intentarían la fuga. El Muro se iba reformulando todo el tiempo, semana a semana adquiría nuevas medidas de seguridad para no ser traspasado. A lo largo de su recorrida su ancho variaba, había barreras, torres de vigilancia, sistemas de disparo automático, distinto número de tropas. Todos esos factores entraron en su análisis.
Los dos adolescentes se escondieron en una panadería pegada al Muro. En ese lugar exacto la seguridad parecía vulnerable. Conocían de memoria el movimiento de los guardias. Había un breve momento en que se producía un punto ciego en el lugar que ellos se encontraban. Debían aprovecharlo. Saltar, caer en lo que se denominaba Pasillo de la Muerte, (también conocido como Zona de Seguridad o Zona de nadie), un pasaje que estaba entre los dos muros, correr rápido una decena de metros hasta alcanzar el alambrado. Luego sortear el alambre de púa y trepar la cerca para caer del lado occidental.
Del otro lado no solo los esperaba la libertad. A Peter lo aguardaban su hermana, su cuñado y sus sobrinos que vivían en la otra punta de la ciudad, y a quienes veía con frecuencia hasta que se construyó el Muro. Peter, obrero de la construcción, había obtenido un permiso de salida pero a último momento le habían denegado esa posibilidad. Su juventud, las ansias de respirar un aire nuevo, la sensación de que a pesar de tener solo 18 años su tiempo se acababa, lo empujaron a encarar la aventura.
"Con su amor por bandera/ se marchó/ cantando una canción./ Marchaba tan feliz que/ no escuchó/ la voz que le llamó./ Y tendido en suelo se quedó/ sonriendo y sin hablar/ sobre su pecho flores carmesí/ brotaban sin cesar".
Peter Flechter y su amigo lograron saltar sin ser vistos pero mientras escalaban el cerco, el último obstáculo, que los separaba del lado Occidental, fueron divisados por los guardias del lado Oriental.
Primero fue un grito. Seco, terminante, intimidatorio. Los chicos no giraron la cabeza y apuraron sus movimientos. Enseguida llegó la ráfaga de disparos.
Helmut consiguió llegar a lo alto del muro y dejarse caer del otro lado. Estaba ileso. Y en libertad. Peter fue alcanzado por una bala que ingresó a la altura de la cadera. Cayó de espaldas contra la tierra. Quedó tirado en la Zona de Nadie. A su alrededor se fue formando un charco de sangre oscura.
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Además de los soldados de ambos lados de la división, muchas otras personas habían presenciado el hecho. Los testigos pidieron que atiendan al chico que estaba tirado. Estaba con vida pero perdía mucha sangre. La gente se fue acumulando y comenzó un griterío clamando por clemencia. Pero nadie fue a asistir a Peter.
Los soldados del lado occidental le tiraron un botiquín para que intentara unas curaciones preliminares. Fue una idea ridícula. El chico estaba demasiado débil y semiinconsciente. Los soldados de ambos lados no se animaban a acudir en su ayuda. Unos días antes había habido un incidente con heridos graves y nadie se quería arriesgar.
Durante 50 minutos Peter Flechter agonizó ante la vista de cientos de personas que solo miraron. Cuando dos soldados del lado oriental lo recogieron ya nada se podía hacer. Peter, a los 18 años, había muerto de un balazo, procurando su libertad, tratando de cruzar el muro absurdo.
(https://www.infobae.com/new-resizer/Ao9ZIGTXIWmRurHL4NEo8MGm3Nc=/750x0/filters:quality(100)/arc-anglerfish-arc2-prod-infobae.s3.amazonaws.com/public/6MRTYZ24OJG5LC3PZKAQSPR45I.jpg)
Treinta y cinco años después del disparo fatal, en 1997, con Alemania ya reunificada, los guardias que dispararon contra Peter fueron juzgados por homicidio. Los dos (había un tercero pero falleció antes del juicio) fueron condenados a 21 meses de prisión, una pena que no era de cumplimiento efectivo. Los jueces dijeron que era imposible determinar cuál de los tres guardias hizo el disparo que ocasionó su muerte.
Se suele repetir que Peter Flechter fue el primero de las más de 280 personas (el número exacto no se conoce) que perdió la vida tratando de cruzar el Muro de Berlín. Pero la primera en morir fue Ida Siekmann, en agosto de 1961. La mujer, desesperada, se tiró desde la ventana de su departamento tratando de superar la pared y llegar al otro lado. Las severas heridas ocasionadas por la caída provocaron su muerte.
Hasta el final hubo quienes no perdieron la esperanza de fugarse. Winfried Freudenberg fue la última víctima que se cobró el Muro. Fue en 1989, poco antes de que desapareciera. Trató de cruzar en un globo casero (se conocían intentos exitosos de familia enteras) pero el artefacto se desplomó desde una altura considerable.
(https://www.infobae.com/new-resizer/9DVoERky4AG2vd5taMcFY-LvAco=/750x0/filters:quality(100)/arc-anglerfish-arc2-prod-infobae.s3.amazonaws.com/public/5JH2WJTP2JEGFL6RGYI66EIG5A.jpg)
El caso de Peter por su edad, por la crueldad de la situación y por la cantidad de testigos y las protestas que estos levantaron, tuvo mucha difusión. La revista Time publicó un artículo sobre su muerte. Allí se llamó por primera vez al Muro de Berlín como El Muro de la Vergüenza.
La grabación de Nino Bravo de Libre fue un éxito inmediato. Integró el álbum Mi Tierra y apareció en octubre de 1972.
(https://www.infobae.com/new-resizer/UGQwNW361IBaOofopB7eJ-q9cTo=/750x0/filters:quality(100)/arc-anglerfish-arc2-prod-infobae.s3.amazonaws.com/public/S7HYZI2JJVC47FCTDWZS5GPHRQ.jpg)
Libre interpretada por Nino Bravo o por alguno de las decenas de cantantes populares que se la apropiaron con el paso del tiempo se convirtió en un clásico. En un himno que le canta a las posibilidades, a la libertad y que se independizó del hecho que la inspiró. A pesar de su letra que explicita el triste final, el público privilegió el costado optimista, la apuesta a la esperanza.
Depeche Mode - Enjoy The Silence
(https://ourbside.com/file/2019/01/Enjoy_The_Silence.jpg)
https://www.youtube.com/watch?v=ofrB6OCSsgk
"Enjoy the Silence": cómo fue concebido el himno de Depeche Mode
Solemne, profunda y a la vez muy apropiada para la pista de baile. Una combinación inusual. Es quizá la canción quintaesencial de los artistas que la concibieron y un obligado punto de referencia en su obra.
Depeche Mode es el tipo de banda de la que podría hacerse una recopilación de éxitos que rebase sin problemas los 30 o 40 cortes. Pero dentro de un catálogo tan robusto y de tantas canciones tan buenas, parece haber una pieza en particular que es considerada de forma casi unánime como el himno indiscutible de la banda: "Enjoy The Silence".
Proveniente del álbum comercialmente más exitoso del grupo, Violator, "Enjoy the Silence" es la joya de la corona, el plato fuerte de aquél banquete colmado de hits. Las poderosas imágenes que plantea su video —dirigido por el eterno cómplice del grupo, el artista visual Anton Corbijn— se han vuelto parte indisoluble del arte audiovisual de la banda.
El videoclip en cuestión está inspirado en la mitología y filosofía del clásico literario El principito, de Antoine de Saint-Exupéry. En este, Dave Gahan, caracterizado con la imagen típica de un rey, camina sin rumbo entre paisajes desolados buscando un poco de silencio y paz mental. Es una imagen hermosa: un rey que lo tiene todo y a la vez nada. O que, al menos, le hace falta algo muy importante.
Su letra por sí sola es un oxímoron tan simple como tajante: el silencio que comunica lo que las palabras no pueden expresar. El gesto sigiloso que transmite los sentimientos guardados durante toda una vida.
"Las palabras son más que innecesarias. Solo hacen daño", asegura Gahan, a través de los versos escritos por Martin L. Gore. Con ello, el introvertido guitarrista parece decirnos que, a veces, las acciones, sensaciones y comportamientos suelen ser más trascendentes que la comunicación verbal y las promesas vacías.
La canción nació bajo una luz netamente soul y gospel, casi como si estuviera hecha para interpretarse en templos e iglesias. En sus primeras maquetas, Gore se limitaba a tocarla en un armonio de la forma más austera, minimalista.
PETECO CARABAJAL LA HISTORIA DE LA ESTRELLA AZUL Y ENCUENTRO
https://www.youtube.com/watch?v=ETQ5TM3_WeI